Музыкальная жизнь этого периода тоже отличалась бурностью событий и частой сменой направлений, напряженным поиском новых средств выразительности в музыкальном искусстве. Нередко эти поиски были связаны с поисками в других видах искусства. Направления, родившиеся в литературе или изобразительном искусстве постепенно захватывали другие виды искусства, в частности музыку.

В музыке новый период начинается с выдвижения символической школы , другие называют это музыкой импрессионизма из-за богатства и причудливой смены полутонов близкой живописи импрессионистов. Она возникла во Франции, и ее последователи скоро заявили о себе по всей Европе. Символисты выступили против повсеместно господствующего академизма и неоромантики в духе Вагнера. «Нужно искать пути после Вагнера, а не идти по стопам Вагнера», утверждал Клод Дебюсси. Символисты обратились к неразработанным богатствам музыкального фольклора Испании, Дальнего Востока, скандинавских народов, освежают музыку оригинальной ритмикой, необычайной тембровой окраской. Стремясь преодолеть мощное влияние Вагнера, они развивают традиции XVIII в. - Рамо и Моцарта.

Символизм (импрессионизм) раньше всего заявил о себе в фортепианных миниатюрах и романсах 90-х гг. Клода Дебюси. А прелюдия «Послеполуденный отдых фавна» (1894) считается манифестом музыкального символизма (импрессионизма). Это произведение построено на прихотливых ассоциациях, отличается яркой экзотической красочностью, богатством тонких оттенков, оно полностью свободно от всех академических условностей. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

Клод Дебюсси (1862-1918)

Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862-1918). Творческое наследие Дебюсси не очень обширно. Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы Мусоргского, Римского-Корсакова. Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны» (1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как яркий новатор.

Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому исполнению, в 1900 г. автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно оттененной белым светом.» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке Дебюсси.) Вторая пьеса - «Празднества» - это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и сливающегося с ним; но фон остается все время - это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее часть общего ритма. Третья пьеса - «Сирены» - это море и его безгранично многообразный ритм; среди посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен. Из этих объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона настроений, изысканность гармоний. Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония прежней музыки.

Морис Равель (1875-1937)

Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель (1875-1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.

Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.

Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С. Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное произведение.

Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.

Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания. От мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу С. Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.

Модернизм в музыке

Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же характерными для французской художественной культуры .

Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) - А. Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие - отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г. увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин». Ее автор - известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик - писал: «...Довольно облаков, туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..» Этот год некоторые считают годом рождения модернизма в музыке .

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких композиторов-экспрессионистов - представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864-1949). В музыке Штрауса заметны черты натурализма. Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи вплоть до 1918 г. директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.

Классические традиции в музыке

Классические бетховенские традиции нашли свое развитие в творчестве австрийского симфониста Густава Малера (1860-1911), который был выдающимся дирижером, а в 1897-1907 гг. руководил Венской оперой.

Между 1888 и 1909 гг. Малер создает 10 симфоний, каждая из которых становится событием в музыкальной жизни Европы. Он резко поднял общественное звучание музыкальных произведений, возродил на новой основе традиции философской симфонии-исповеди . Малер смело использовал в симфониях вокальное и хоровое начала, добивался гармонического единства сложнейших музыкальных тем с бесхитростными мелодиями фольклора. Малер шел от традиций Бетховена и Шуберта, ему были чужды символические и натуралистические увлечения.

Натурализм в музыке

Натурализм же получил развитие в итальянской музыке под названием веризма . Его последователями здесь выступили

• Джакомо Пуччини (1858-1924),
• Пьетро Масканьи (1863-1945),
• Реджеро Леонкавалло (1857-1919).

Как писатели-веристы они посвящали свои музыкальные драмы жизни бедных людей, смело вводили прозаические музыкальные ситуации . В музыке отказывались от вокальных «ударных номеров» и тяготели к декламации, к использованию имитации шумов, пения птиц, звуков прибоя и т. п. «Богема» (1896) и «Тоска» (1900) Пуччини положили начало камерной лирической драме на оперных подмостках. Этот жанр нашел высшее воплощение в «Чио-Чио-Сан» (1904).

Экспрессионизм в музыке

Проведенная веристами оперная реформа доказала свою плодотворность в последующем развитии музыкально-драматического искусства в Европе.

Главной болезнью XX в. стала утрата положительного идеала. Как и в искусстве, так и в музыке нередко образы зла и разрушения показаны более ярко, чем силы добра и созидания. Это сказалось в творчестве и Густава Малера , оказавшего сильное влияние на искусство XX в. Одно из самых замечательных его произведений - вокально-симфоническая «Песнь о земле», полна глубокой безысходной печали, печали прощания с жизнью. Показательна уже первая фраза, которая могла бы стать эпиграфом: «Жизнь темна, темна и смерть». В начале XX в. для немецких композиторов было характерно увлечение экспрессионизмом - стремление к обостренной, преувеличенной выразительности. В этой области искали Арнольд Шенберг (1874-1951), Альбан Берг (1885-1935), Антон фон Веберн (1883-1945) и другие представители новой венской школы.

«Печаль становится обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, лирика кажется разбитой стеклянной игрушкой, юмор становится гротеском... Основное направление - крайняя боль,» - так характеризовал положение в музыке немецкий композитор Ганс Эйслер (ученик Шенберга), который посвятил свой талант немецкому и международному рабочему движению. Шенберг и Берг создали большие художественные ценности критического характера, имеющие значение приговора над действительностью.

Шенберг - отец музыкального модернизма - создал новую музыкальную технику, отвергающую полностью ладомузыкальную основу, получившую название додекафония (от греч. dodeka - двенадцать и phone - звук) - метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи (тяготения) между звуками и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда (звуки в пределах октавы) считаются равноправными без различия тонов на устойчивые и неустойчивые.

Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального языка отвергла преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его преемники полностью порывают с ладотональной системой. Сочинение музыки, согласно Шенбергу, представляет собой чисто умозрительное конструирование, подобное решению задач математической логики.

В годы первой мировой войны Берг создал оперу «Воццек» о судьбе молодого солдата (от издевательств в казарме доходит до психоза и преступления). Это произведение считают вершиной творчества экспрессионистов , оно стоит в одном ряду с антивоенными произведениями Ремарка и Хемингуэя. После 1-й мировой войны композиторы обратятся к поиску потерянного идеала.

Авангардизм в музыке

Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма , основанного на принципах нововеновской школы с привнесением других элементов композиции. Авангардисты включали в звуковую ткань произведения различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов, отметим это, забегая вперед.

Одной из разновидностей музыкального авангардизма стала алеоторика (лат. alea - игральная кость, случайность) - течение в современной музыке, возникшее в 50-е гг. XX в. в ФРГ и во Франции; основано исключительно на применении принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. В Хаотичном звукосочетании авангардисты применяли принцип сонорности (лат. sonorus - звонкий, звучный, шумный) - композиторская техника, построенная на использовании красочных созвучий.

Неоклассицизм в музыке

Представителями неоклассицизма считают русского Игоря Стравинского и немца Пауля Хиндемита (1895-1963). Опору для своих творческих исканий эти крупнейшие композиторы XX в. искали в музыке добаховского и баховского времени. Балеты Стравинского и опера «Художник Матисс» (1938) Хиндемита по праву вошли в золотой фонд музыки XX в.

Выводы

В заключении отметим, что музыка ярчайшего новатора Шенберга, полностью перевернувшего традиционное представление о музыкальном языке, в наши дни почти не звучит и представляет интерес как историческая веха в развитии приемов композиторского письма, а музыка Рахманинова, писавшего старомодно, звучит сегодня широко и представляет неотъемлемую часть искусства сегодняшнего дня. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

8 класс Русская музыка от эпохи средневековья до рубежа Х IX – XX вв

Тема урока

Цели урока сформировать у учащихся представление о русской культуре 19 века обратив внимание на ту атмосферу, в которой создавались выдающиеся произведения искусства

Задачи урока Учить:

Познакомить учащихся с творчеством композиторов и художником дан ного пе риода ;

Использовать материал по заданн ой тем е ;

Подбирать материал по теме с использованием ИКТ,

Представлять материал в виде презентаций.

Развивать:

развивать навыки самостоятельной работы

развивать умение работать с информацией;

разви вать воображени е ;

развивать познавательный интерес ;

развивать словарный запас.

Воспитывать:

воспитывать интерес к отечественной культуре.

воспитывать патриотизм

Ход урока

Вступительная беседа.

Тема нашего урока «Музыкальная культура России 19 века». Культура многогранна. Что включает она в себя? (образование, наука, скульптура, живопись, музыка, архитектура, быт народа, литература….).

Мы сегодня будем говорить о живописи и музыке. Что такое культура? Что мы уже знаем о культуре?

Итак, культура – это совокупность духовных и материальных ценностей, выработанных определённой эпохой, определённым народом

Духовная культура представляет собой совокупность духовных ценностей и творческой деятельности по их производству, освоению и применению (идеи, произведения литературы, живописи, музыки).

2. Изучение нового материала.

Условия формирования русской культуры.

Какое направление было одним из ведущих в русской культуре первых десятилетий 19 века? (романтизм)

Что является отличительной чертой русского романтизма? (русский романтизм отличал повышенный интерес к национальной самобытности, традициям отечественной истории, утверждению сильной раскрепощённой личности)

Одним из ярких представителей романтизма в живописи был Алексей Гаврилович Венецианов. Его картины стали настоящим открытием в русской живописи. Они были посвящены повседневному труду и быту крестьян. В работах 20 – х годов «На пашне. Весна» «На жатве. Лето» он изображал их жизнь в поэтических красках, тонко чувствуя и передавая красоту родной природы.

Какое ещё направление получает широкое развитие в 20 – 50 годы? (реализм).

Реализм – направление в искусстве, ставящее своей целью наиболее полное отражение реальности в её наиболее типичных проявлениях. Стремление к реализму проявилось в работе Карла Павловича Брюллова «Последний день Помпеи». Брюллов впервые в качестве героя представил народ, передав достоинство, героизм и величие простого человека в условиях природной катастрофы

- Что же происходит в мире музыки в это время?

В 1815 году Катарино Кавос, итальянец по происхождению, много сделавший для развития русского искусства, пишет оперу «Иван Сусанин», (рассказывающую о подвиге крестьянина села Домнино, близ Костромы, Ивана Осиповича Сусанина, совершённый в начале 1613 года. Эта ранняя опера страдала довольно примитивной драматургией, музыкальные эпизоды чередуются с разговорными диалогами, да и завершается опера благополучно – Иван Сусанин возвращается живым и здоровым домой. Такова была традиция – благодетель должна восторжествовать, несмотря на историческую правду.

В 1836 году в Петербурге состоялась премьера оперы Михаила Ивановича Глинки «Иван Сусанин» , рассказывающая о тех же событиях что и опера Кавоса, но Глинка создаёт первую в истории мировой музыки героическую народную музыкальную драму, где вся музыка проникнута народными песенными оборотами. До Глинки в русской музыке «простой люд» был показан только в повседневной жизни и не представлялся героями важных исторических событий. В этой роли выступали князья, полководцы, сказочные богатыри. В опере Глинки Иван Сусанин не бытовой персонаж , а великий герой, спасающий всю страну и народ выступает как активное действующее лицо - Послушайте, как мощно звучит хор «Славься», прославляющий землю русскую и народ, победивший своих врагов, вслушайтесь в слова этого хора «Славься, славься ты Русь моя! Славься родная моя земля! Да будет во веки веков сильна любимая наша родная страна» (муз. файл 1_Славься)

- Как общество отнеслось к появлению этой оперы?

Выдающийся музыкальный критик Одоевский писал «С оперой М. И. Глинки является то, что давно ищут и не находят в Европе – новая стихия в искусстве и начинается в его истории новый период – период русской музыки». Петербургские аристократы не скрывали своей враждебности к Глинке, который сделал героем монументальной исторической оперы простого крестьянина и написал музыку народного склада, они называли эту музыку «кучерской», на что Глинка отвечал «Это хорошо и даже верно, ибо кучера, по-моему, дельнее господ»

- Как же сложилась судьба оперы?

По первоначальному замыслу Глинка назвал оперу «Иван Сусанин», но Николай Первый хотел чтобы народно-патриотическая опера воспринималась как прославление самодержавия, поэтому она была переименована в «Жизнь за царя» и царь милостиво похвалил композитора. В период советской власти опера шла под названием «Иван Сусанин». С изменением политической обстановки в стране сейчас она идёт в театрах России как «Жизнь за царя». Так политическая общественная жизнь оказывает влияние и на культурную жизнь.

Итак, в первые десятилетия 19 века русская культура прошла чрезвычайно важный этап в своём развитии. Если вначале при всём своеобразии она продолжала сохранять несколько подражательный характер по отношению к культуре Западной Европы, то постепенно в разных сферах культурной жизни России всё ярче проявляется интерес к своей стране с её реальными проблемами, к своему народу с его неповторимыми, только ему присущими чертами, всё более настойчивыми становятся попытки разобраться во всех сложностях своего исторического развития. Иными словами, русская культура переживает процесс становления национального самосознания.

Какие события способствовали пробуждению национального самосознания? Отечественная война 1812 года , заставившая европейское образованное общество по новому взглянуть на народ, увидеть не тёмную массу, а героя способного пожертвовать всем ради спасения Родины, далее восстание декабристов, споры между западниками и славянофилами о судьбах России, о перспективах её развития).

Представители культуры, художники, композиторы чутко реагировали на эти споры, откликались на них своими произведениями. Одним из течений нового стиля стал критический реализм, выявивший неблагополучные стороны жизни и самим содержанием произведений как бы требовавший перемены к лучшему.

Одним из крупнейших художников этого направления являлся Василий Григорьевич Перов . Он сумел с обличительным пафосом показать многие неприглядные стороны современной жизни. В 1861 году Перов пишет картину «Сельский крестный ход на Пасхе»

Особое впечатление производит картина, изображающая нелёгкую жизнь детей– «Тройка» Какие чувства вызывает картина? (сострадание, чувство жалости, желание чем-то помочь).

Нелёгкий, подневольный труд отражён и на картине Репина «Бурлаки на Волге»

И Перов, и Репин входили в содружество художников «Передвижники». Кто такие «Передвижники»?

– Что же происходит в мире музыки?

В 1860 году в Петербурге создаётся содружество русских композиторов, получившее название Балакиревский кружок. В него вошли Милий Алексеевич Балакирев (глава кружка), Александр Бородин, Цезарь Кюи, Модест Мусоргский, Николай Римский-Корсаков

Посмотрите на портреты этих композиторов и посчитайте сколько было каждому в 1860 году: Балакиреву – 23, Бородину – 27, Кюи – 25, Мусоргскому – 21, Римскому-Корсакову – 16.

Это молодые люди. Балакирев учился в Казанском университете на математическом факультете. В 1855 году он встречается с Глинкой. Эта встреча изменила всю жизнь молодого человека. Он становится последователем и продолжателем дела Глинки. Бородин только что закончил Медико-хирургическую академию в Петербурге и не был ещё известным ученым.

Кюи специалист в области фортификации. Мусоргский учился в школе гвардейских прапорщиков, был произведён в офицеры. Римский-Корсаков молодой выпускник Петербургского морского корпуса. Как видите все члены «Могучей кучки» молодые люди, не профессиональные музыканты, получившие домашнее музыкальное образование, как было принято во всех дворянских семьях того времени. Что же их всех объединяло?

Прежде всего идея народности и правды искусства, приверженность к родной русской культуре, её истории, традиции, фольклору.

Обращаясь к историческим событиям, как и Глинка, Бородин пишет оперу «Князь Игорь», которая рассказывает о неудачном походе князя Игоря против половцев.

Послушайте фрагмент симфонии Бородина и посмотрите картины Васнецова. Можно ли сказать, что и музыка и живопись дополняют друг друга?

Приверженность идеям Глинки можно встретить и в творчестве Мусоргского.

Знаменитая опера «Хованщина» переносит нас в 17 век, время правления Петра Первого о восстании в 1682 стрельцов и солдат Москвы. Послушайте вступление к этой опере. Какое впечатлении складывается у вас, слушая эту музыку и рассматривая картины

Римский-Корсаков обращается в своём творчестве к сказочной и былинной тематике. Это оперы «Садко», «Снегурочка». Как моряк Николай Андреевич великолепно рисовал звуковые картины моря.

Послушайте и посмотрите как перекликаются картины Айвазовского и музыка Римского-Корсакого.

Так же можно сказать и о картинах Левитана и музыки Чайковского

Слушая музыку и рассматривая картины, скажите, какое появляется настроение?

3. Итог. Итак, мы с вами проследили этапы развития культуры России в 19 веке, связь времени и пришли к выводу, что с окончанием века не останавливается развитие культуры. Новый век вбирает в себя всё лучшее и развивает её дальше. И мы представители 20 и 21 века с удовольствием рассматривали картины и слушали музыку прошлого столетия.

Домашнее задание Написать сообщение на тему «Музыкальная культура России 19 века

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора , то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

• До – эпоха раннего романтизма , или «до – глинкинская»,
• после в русской музыке наступает классический период .

Русская музыки 19 века — «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются , В.Ф. Одоевский, в живописи – В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски , который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

1. «городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
2. запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
3. камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора , исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

• А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
• Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух». Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И. Глинка сам сказал:

«В музыке должны присутствовать интонации и даже целиком мелодии народной музыки той национальности, к которой принадлежит автор».

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа. Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной. Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, ) были её настоящими поклонниками.

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

• Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
• В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
• Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и .

Композиторские школы 19 века в России

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

• Первая – Новая русская школа в Петербурге , позже В.В. Стасов назовет её .

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

Истоки русской музыки восходят к творчеству восточно-славянских племен, населявших территорию Древней Руси до возникновения в IX веке первого русского государства. О древнейших видах восточно-славянской музыки можно судить гипотетически по отдельным историческим свидетельствам, материалам археологических раскопок, а также по некоторым пережиточным элементам, сохранившимся в позднейших образцах песенного фольклора. Ко времени образования древне-русского государства с центром в Киеве народная песня занимала важное место в семейном и общественном быту, были известны музыкальные инструменты различных типов. Уже в VI веке гусли – один из любимых инструментов славян.

Широкое распространение получил обрядовый фольклор, связанный с языческими религиозными верованиями и ритуальными действиями, сложившимися в эпоху общинно-родового строя. Многие языческие обряды продолжали жить в народе и после введения Христианства на Руси (конец Х века), несмотря на суровое осуждение и преследования со стороны церкви. Вплоть до XVII века церковными властями издавались указы и грамоты, направленные против любимых народом «бесовских» игр и песен. С течением времени язычество как целостная система верований и представлений о мире отмирало и языческий обряд, утрачивая магически-культовое значение, становится элементом игры. Но при этом сохранились внешние формы обряда и некоторые моменты, регламентировавшие его отправление.

В Древней Руси не существовало развитых форм профессиональной светской музыки, что определяло особенно большую роль фольклора в жизни общества. Народная песня бытовала не только среди трудящихся масс, но и в высших феодальных кругах вплоть княжеского двора. Основными носителями светской художественной культуры были скоморохи, представляющие собой тип средневекового синкретического актера и музыканта. Они различались по социальному положению и характеру своего искусства. Бродячие скоморохи, выступавшие перед простым народом на улицах и площадях, находились вне социальной иерархии феодального общества и были лишены всяких прав. «Служилые» скоморохи, прибывавшие в услужении у феодалов и князей, были более обеспеченными и пользовались защитой своего патрона. Среди скоморохов встречались гусляры, гудошники, «свирцы» (исполнители на примитивных духовых инструментах). Репертуар их складывался преимущественно из народных песен и плясок. Лишь в XVII веке под влиянием общекультурных сдвигов скоморошество потеряло свое значение и было оттеснено из центральных областей России на северные окраины.

С принятием в конце Х века христианства как государственной религии начала развиваться церковная музыка. Формы древнерусского церковного пения, а в значительной степени, вероятно, и самые его напевы, были заимствованы из Византии. Оттуда же была воспринята система их фиксации с помощью особого рода условных знаков, представлявших собой разновидность невменного письма.

В результате переосмысления заимствованных византийских форм возник свой, вполне самобытный тип древнерусского певческого искусства – знаменное пение или знаменный распев. Проследить этапы этого процесса не представляется возможным, так как ранние формы знаменной письменности не расшифрованы.

Первые известные памятники древнерусской музыкальной письменности относятся к концу ХI – началу XII веков. Вместе с тем в практике церковного пения бытовала устная традиция. Лишь в XV – XVII вв. все виды церковных песнопений были «положены на знамя» и пение «по крюкам» (крюк – наиболее распространенных знаков знаменного письма) вошло во всеобщий обиход.

Важнейшими признаками древнерусского певческого искусства являлись – строго выдержанное одноголосие, без инструментального сопровождения, плавность мелодического движения, отсутствие скачков на большие интервалы, тесная связь мелодии со словесным текстом, состоящим из строк неравной длины, как следствие этого – свобода метроритмической организации, несимметричность структуры напевов, построение напева на основе готовых канонизированных формул посредством их сцепления и вариантного преобразования. Сумма формул-попевок, составляющих мелодический фонд знаменного распева, охватывалась системой осмогласия.

В Киевской Руси наряду с обычным знаменным существовал особый род кондакарного пения, отличавшегося обилием мелодических украшений, длительными распевами слогов.

После распада Киевской Руси возник ряд певческих школ, среди которых особенно выделялась новгородская. В период феодальной раздробленности Новгород был основным хранителем древнерусских певческих традиций. С конца XIV века выдвигается Москва как общерусский центр певческого искусства, объединяющий и синтезирующий достижения местных школ.

В XVI веке был создан образцовый хор государевых певчих дьяков, который помимо участия в царских богослужениях выполнял функции инспектирования наблюдения за состоянием церковного пения в стране.

В середине XVI века сложилась школа московских певцов и распевщиков, сыгравшая важную роль в развитии церковно-певческого искусства. Основателем ее считается Савва Рогов, среди его учеников и последователей пользовались известностью Федор Крестьянин, Иван Нос, Стефан Голыш.

В этот период знаменный распев достиг расцвета, возникло множество мелодических вариантов. От знаменного распева ответвились особые разновидности монодического хорового пения – демественный распев и путевой распев.

XVII век был переломным в истории русской музыки, завершая древний и одновременно подготавливая новый периоды ее развития. Кризис средневекового мировоззрения, ломку привычного строя понятий и взглядов отражали споры по вопросам церковного пения, в которых сталкивались два направления. Одно из них стремилось путем частичных реформ укрепить старую традицию, другое выдвигало и отстаивало новые формы, связанные с иной системой эстетических воззрений, иным пониманием искусства в жизни.

В середине XVII века были введены киноварные пометы (буквенные обозначения, которые проставлялись над основным рядом певческих знаков и указывали точную высоту звука). В основу этой системы положен так называемый обиходный звукоряд из двенадцати диатонических ступеней, разделявшийся на четыре «согласия». Наряду с разработкой и систематизацией теоретических основ знаменного распева в XVII веке происходило его дальнейшее мелодическое обогащение, возникали новые песнопения и их варианты, певческие стили или как они назывались тогда распевы – киевский распев, болгарский распев, греческий распев.

Во второй половине XVII века утвердился новый стиль хорового многоголосия – партесное пение, который первоначально сложился на Украине и в Беларуси (Н.Дилецкий, И.Коренев). Простейшие виды партесного пения основывались на мелодиях знаменного распева. Высшей формой партесного пения был хоровой концерт a cappella для 8-12 и более голосов.

В XVII веке при дворе и в домах просвещенного русского боярства появились клавесин, орган и другие европейские инструменты, создавались домашние инструментальные капеллы. Музыка занимала большое место в придворном театре (1672 – 1676 гг.).

Некоторые из стилистических форм и жанров русской музыки, сложившихся в XVII веке, продолжали жить и в следующем столетии. Так, партесный концерт оставался важнейшим видом творчества русских композиторов до середины XVIII века. Среди его многочисленных мастеров – Н.Калашников, Н.Бавыкин, Ф.Редриков.

Под непосредственным воздействием прогрессивных демократических направлений русской общественной мысли и литературы в последней трети XVIII века сформировалась национальная композиторская школа. Ее представители стремились соединить в своем творчестве стилистические принципы и формы раннего европейского классицизма с темами и образами из русской жизни, с мелодическим складом русской народной песни. Появились первые печатные сборники народных песен – Трутовского, Львова и Прача. Многие из помещенных в них записей народных мелодий были использованы композиторами.

Важнейшее место в творчестве композиторов XVIII века занимал оперный жанр. Наиболее видные композиторы этого времени – В.А.Пашкевич, Е.И.Фомин, Д.С.Бортнянский, М.Березовский, И.Хандошкин и др.

Первая половина 19 века - время расцвета городской бытовой песни и бытового романса. Их сочиняли – Алябьев, Варламов, Гурилев, позже Глинка и Даргомыжский. Элегические романсы и популярные «русские песни» прочно входили в быт и становились народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева, «Колокольчик» Гурилева.

Эти песни и романсы выражали настроение прежде всего разночинно-дворянской среды. Печальная созерцательность, глубокая интимность высказывания, безысходная грусть, отчаянный порыв к счастью, были типичными настроениям многих людей эпохи 30-40-х гг. прошлого века.

Секрет неугасаемой любви наших соотечественников к лирике этих композиторов скрыт во взаимоисключающих свойствах русского характера, которые запечатлены в его романсах. Душа русского человека вся соткана из противоречий.

19 век в России – век расцвета блестящей дворянской культуры.

Русская композиторская школа начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших в музыке европейскую форму и русский дух.

1.Михаил Иванович ГЛИНКА (1804-1857)

Михаил Иванович Глинка - первый в истории русский композитор мирового значения, основоположник русской музыкальной классики.

Родился в селе Новоспасском Смоленской губернии, в семье помещика. Позже учился в пансионе при Главном педагогическом институте в Петербурге.

Два события определили его мировоззрение. Первое - победоносная воина 1812г. с Наполеоном, в которой русский народ показал и воинскую доблесть, и невиданную силу духа.

Второе событие – восстание декабристов, казнь и ссылка благородных и честных людей России.

Современники и ровесники Глинки - Пушкин, Гоголь, Баратынский, Жуковский, Тютчев. Девятью годами старше - Грибоедов, десятью моложе - Лермонтов.

Композиторскую деятельность Глинка начал с сочинения романсов. Один из самых известных «Не искушай меня без нужды» на слова Баратынского. Позже появятся такие шедевры как «Я помню чудное мгновенье», «Сомнение», «Жаворонок»… ПРИМЕРЫ…

Глинка долгое время искал пути выхода за рамки бытовой музыки.

В начале 1830-х гг. оставил службу в МПС и отправился в многолетнюю поездку по Европе, где учился композиторскому искусству. В Италии Глинке пришла мысль о создании русской национальной оперы, национальной как по сюжету, так и по музыкальному языку.

Сюжет подсказал Жуковский: подвиг крестьянина Ив. Сусанина в смутное время.

В основу оперы положено действительное историческое событие - патриотический подвиг крестьянина села Домнино, близ Костромы, Ивана Осиповича Сусанина, совершенный в начале 1613 года. Москва была тогда уже освобождена от польских интервентов, но отряды захватчиков еще бродили по русской земле. Чтобы помешать полному освобождению России, один из таких отрядов хотел захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича Романова, жившего неподалеку от Костромы. Но Сусанин, которого враги пытались сделать своим проводником, завел захватчиков в глухой лес и погубил их, погибнув при этом сам.

Успех был огромным, опера была принята с восторгом. К М.И.Глинке пришло признание ("Жизнь за царя,1836.) На оперной сцене появился русский герой – крестьянин Иван Сусанин. Его образ собрал лучшие черты национального характера. На следующий день Глинка писал своей матери:

Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актѐры выходили из себя от рвения… государь - император… благодарил меня и долго беседовал со мною…

Вторая опера – большая волшебная "Руслан и Людмила" (1842). В основе лежит одноименная поэма А.С. Пушкина. Работа над оперой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора. Эта опера как драматическое действие не вполне удалась Глинке. Однако музыка многих номеров оперы гениальна, что с лихвой окупают недостатки драматургии.

Танцы из двух опер глинки создали традиции русской классической танцевальной музыки как по духу, так и по художественному совершенству.

Неудачное супружество принесло ему много огорчений и неприятностей, пока не закончилось разводом.

Последний период своей жизни Глинка вновь проводит в путешествиях - Испания, Франция, Польша...Глинка не перестает сочинять. Появляются 2 знаменитые испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». И самое значительное его симфоническое произведение «Камаринская» - увертюра-фантазия на две русские темы. Прекрасны классические романсы Глинки. Самый известный – на стихи Пушкина – «Я помню чудное мгновение».

Умер в Берлине от гриппа. Позже прах перевезли в Россию и похоронили в Александро-Невской Лавре.

Глинка утвердил основной принцип русской композиторской школы–народность и патриотизм.

Композитору принадлежат замечательные слова: «…создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем». Идея понравилась и стала непреложным правилом, которому следовали многие композиторы. Объединенная этой идеей, стала формироваться русская композиторская школа.

Глинка – высочайший профессионал композитор. Любое его произведение привлекает цельностью и стройностью формы, точностью и ясностью музыкального выражения. Его чистая, ясная музыка, которая просто лечит душу.

Музыка Глинки не принадлежит ни классицизму, ни романтизму. Он выработал свой оригинальный стиль, опирающийся на принципы русского художественного реализма пушкинской эпохи.

Он был первым русским композитором, создавшим образ русского человека на оперной сцене.

Глинка стал первым русским композитором-классиком. С его творчеством русская музыка вышла на путь мирового искусства.

Наследие Глинки : оперы «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила»; симфонические увертюры – фантазии Арагонская хота, «Ночь в Мадриде» , «Камаринская», «Вальс-фантазия» и другие; более 70 романсов; камерные инструментальные ансамбли и фортепианные произведения.

Светлый, жизнеутверждающий характер, стройность форм, красота и выразительных мелодий, тонкость гармонии и инструментовки - ценнейшие качества музыки Глинки.

Первым среди русских композиторов Глинка создает свои произведения на основе русской народной музыки . Глинку считают творцом русской национальной школы в музыке. Его творчество оказало влияние на всех русских композиторов первой половины XIX в.

***
Цитата М.И.Глинки: "Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой."

Цитата о М.И.Глинке: "Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии "Камаринская". П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем,с детских лет называя себя «мимозой». Несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.СЛУШАТЬ:

Из оп. «Иван Сусанин». Танцы польские из 2 акта (фрагмерты), Ария Сусанина «Ты взойдешь, моя заря», Хор «Славься»,

Из оп. Руслан и Людмила». 1. Увертюра.2. 3-я песни Баяна. 3.Марш Черномора. 4. Сцена с Головой.

Увертюры Испанские (фрагменты) и Камаринская. Вальс-фантазия.

Романс «Не искушай», «Я помню чудное мгновение».

АЛЕКСАНДР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМЫЖСКИЙ (1813-1869)

Дворянин. Родился в имении своего отца в Тульской губернии. Четырех лет он вместе со всей семьей переезжает в Петербург. Музыкальные способности сказались рано, и его начинают обучать музыке.

В 1834 г. он встретился с Михаилом Глинкой, и это знакомство сыграло решающую роль в его дальнейшей судьбе.

Его творчество связанно с идеями критического реализма в литературе. В историю русской музыки Даргомыжский вошел как один из основоположников реалистического искусства. М. П. Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем правды».

Центральное произведение композитора - опера «Русалка » (по драме А. С. Пушкина), поставлена в 1856 г. Драма социального неравенства любящих друг друга дочери мельника Наташи и Князя привлекла композитора актуальностью темы. «Русалка» - первая русская бытовая лирико - психологическая опера.

Даргомыжский стремился передать психологию через речь человека. Речевая интонация стала главным выразительным средством в его музыке. Это был весьма сомнительный и бесперспективный эксперимент.

Последняя опера Даргомыжского, «Каменный гость », написана на полный текст «маленькой трагедии» Пушкина. В ней нет ни арий, ни ансамблей, ни хора. Это камерная речитативная опера.

Даргомыжский создает новый жанр: сатирический романс. “Червяк” на Курочкина. Сатирическая сцена. Высмеивание чинопочитания. Главное – вокальная партия. Фортепианная партия очень скромная. Смена интонаций – C-dur-As-dur. “Какое счастье”.

“Титулярный советник” на Вейнберга. B-dur. Музыка идет за каждым словом текста. Сквозная форма. 1-й раздел – B-dur, 2-й раздел – пьяный советник.

Многие романсы Даргомыжского представляют из себя по смути драматические сцены. Наиболее яркий пример - “Старый капрал” на Курочкина. Монолог старого капрала, приговоренного к смерти за оскорбление молодого офицера. Состоит из нескольких разделов, в конце каждого из них рефрен. В вокальной партии много речитативности: “В ногу, ребята, раз, два” (рефрен). 2-й куплет – “Я оскорбил офицера”. Каждый куплет более драматический, чем предыдущий. В конце Даргомыжский вводит хор: “В ногу, ребята, раз, два”. Его обычно исполняет фортепиано.

Активное участие Даргомыжский принимал в деятельности созданного в 1859 г. Русского музыкального общества. Его дом, как когда-то дом его родителей, стал местом встреч выдающихся артистов, художников и поэтов того времени. „Могучая кучка” с самого начала своего существования нашла в Даргомыжском своего покровителя.

Во время своего последнего турне по Европе в 1864-1865 гг. Даргомыжский побывал в Лейпциге, Брюсселе, Париже и Лондоне, где занимался постановкой своих опер. Вернувшись в Петербург, он продолжал напряженно работать над созданием оперы „Каменный гость”, закончить которую ему помешала смерть.

В богатом композиторском наследии Даргомыжского есть несколько оркестровых произведений: три симфонии, «Малороссийский казачок», «Чухонская фантазия» (1867). « Баба-Яга, или С Волги nаch Riga» (1862) . Однако наибольшее значение имеет его оперное и вокальное творчество.

Слушать: «Мне грустно» на Лермонтова, «Старый капрал», «Титулярный советник», Ария Мельника из оп. «Русалка».

3. Третий период: музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина 19 века)

В 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни.

Литература была ведущим видом искусства в Росси того времени была, а в музыке главенствовала опера.

Даже симфоническая музыка того времени вступила в законный брак с литературой. Плод этого союза – программная симфоническая музыка. Свои сюжеты она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности. Примером тому служат ………

Главным музыкальным достижением этого периода стало создание русской симфонии, – лирико-драматической у П.И.Чайковского, и эпической у А.П.Бородина.

Появляется и русский классический балет, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается музыкальными симфоническими средствами.

Организовано Русское музыкальное общество (РМО), открыты первые консерватории в Петербурге (1862) и Москве. В деле музыкального просвещения России большую роль сыграли братья Рубинштейн.

Старший Антон Григорьевич (1829-1894) скорее пианист-виртуоз, чем подлинный композитор, хотя написал огромное количество сочинений. В массе своей музыка его лишена самобытности. Это общеевропейский стиль. Его легко спутать, например, с Мендельсоном. Тематизм бледный, он часто впадает в помпезность. Правда, нельзя отказать ему в нескольких подлинных удачах, одна из них – хор «Ноченька» из оперы «Демон». И, разумеется, не вызывает сомнения его композиторская хватка, профессионализм. Кучкисты его не жаловали (особенно Мусоргский), называли Тупинштейном.

ПЕТЕРБУРГСКАЯ КОМПОЗИТОРСКАЯ ШКОЛА. МОГУЧАЯ КУЧКА.

В 60-е годы центром музыкальной жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый Милием Алексеевичем Балакиревым(1837-1910). Кружок вошел в историю как «Могучая кучка». Название дал кружку критик Владимир Васильевич Стасов. Сами себя они называли "новой русской музыкальной школой". За рубежом их называют «русская пятерка».

В кружок вошли начинающие композиторы, не получившие профессионального образования. Балакирев был для них профессором на все случаи жизни: Ц.А.Кюи (1835-1918), А.П.Бородин, М.П. Мусоргский(1839-1881), Н.А. Римский-Корсаков(1844-1908).

Балакирев деспотически учил будущих «кучкистов» писать симфонии, хотя сам умудрился одну свою симфонию писать сорок лет (1856-1897!) Как ни странно, они-таки научились (не все) писать симфоническую музыку, на много голов обойдя своего учителя.

Кучкисты считали себя наследниками Глинки и свою цель видели в развитии русской национальной музыки.

Эстетические позиции «кучкистов» сформировались на почве радикальных народнических идей. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из фольклора, и долг русского композитора - претворить в музыке образа народа, его историю и нравственные идеалы. Вспомним глинкинские «народность и патриотизм».

«Могучая кучка» заложила основы русской национальной музыки и стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать.

Балакирев первым из русских композиторов написал симфоническое произведения на литературный сюжет.

XIX век - эпоха русской оперной классики . Русские композиторы- кучкисты создали шедевры в различных жанрах оперного искусства.

Главные оперы М. П. Мусоргского (1839-1881) «Борис Годунов » (1872) и «Хованщина ». Композитор назвал их «народными музыкальными драмами», так как народ - в центре обоих произведений. Главная идея «Бориса Годунова» (по одноименной трагедии Пушкина) - конфликт: царь - народ. Эта идея была одной из самых важных и острых в пореформенную эпоху. Мусоргский хотел в событиях прошлого Руси выявить аналогию с современностью.

Критик Стасов сказал: «Мусоргский принадлежит к числу людей, которым потомство ставит монументы».

Сюжетом оперы А. П. Бородина (1833-1887) «Князь Игорь» послужило «Слово о полку Игореве». Бородин писал оперу 17лет, но так и не закончил оперу; «Князь Игорь» был завершен Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Н. А. Римский-Корсаков – оперный сказочник. Его лучшие сказочные оперы- «Снегурочка » (1881), «Садко » (1896), «Кащей бессмертный » (1902) и «Золотой петушок » (1907).

Особое место занимает опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии » (1904), написанная по материалам народных преданий о татаро-монгольском нашествии.

Римский – Корсаков - русский музыкальный волшебник и учитель нового поколения русских музыкантов.

2. Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833-1887)

Александр Порфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века. Кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.
Родился в Петербурге. С детства проявилась его любовь и к музыке и естественным наукам. Окончив гимназию, а затем Медико-хирургическую академию, он в течение нескольких лет работает военным врачом и химиком. На медицинском факультете Бородину присваивают звание профессора. В течение всей жизни своей профессией он считал химию, но каждую свободную минуту посвящал музыкальному творчеству.

В историю мировой культуры Бородин вошел прежде всего как композитор. У Бородина было два увлечения - две профессии: химия и музыка.

У Бородина не было профессиональных учителей-музыкантов. Он самостоятельно овладел композиторской техникой. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки.

И мпульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов "Могучая кучка".

Бородин написал оперу „Князь Игорь” (со знаменитыми „половецкими плясками”(1869-1890),) Эта опера - образец национального героического эпоса в музыке. В "Князе Игоре", нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила русского народа, проявляющаяся при защите родины.

А.П.Бородин один из отцов русской симфонической музыки. Написал три симфонии (самая популярная 2-я «Богатырская»), симфоническую поэму «В Средней Азии», два квартета (в один из них входит часто исполняемый «Ноктюрн»), песни и фортепианные произведения.

В музыке «Богатырской» симфонии Бородин достигает яркой красочности, конкретности музыкальных образов. По свидетельству Стасова, он хотел в 1 ч. нарисовать собрание русских богатырей, в Анданте (3 ч.) - фигуру Баяна, в финале - сцену богатырского пира. Название "Богатырская", данное симфонии Стасовым, прочно закрепилось за ней.

Бородин воспринимал жизнь объективно и оптимистически, как источник силы и радости, с верой в могущество человека, в торжество разума и красоты.

Музыка Бородина подобна неторопливой летописи, где чередой предстают события и люди. Основной принцип музыкальной драматургии Бородина - сопоставление контрастных образов. Мелодии льются спокойно и плавно, родственны русским крестьянским песням. Бородин нигде не цитирует народные мелодии, он создает собственные музыкальные образы, используя самые характерные особенности фольклора.

Бородин обладал способностью сочинять в народно-песенном стиле. Тесная связь с русским фольклором - эта наиболее характерная черта всего творчества композиторов „Могучей кучки”.

Бородин создал русскую эпическую симфонию, а также утвердил тип русской эпической оперы.

Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов.

3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839-1881)

Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки".
Родился в Псковской губернии в небогатой помещичьей семье. С детства показал способности к музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным.

Решающим событием в жизни Мусоргского стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Отказавшись по настоятельным советам Балакирева от военной карьеры и поступив на государственную службу, Мусоргский начинает много и напряженно работать как композитор.

Мусоргский был наиболее последовательным выразителем народности и реализма в музыке. В операх «Борис Годунов» и "Хованщина" запечатлел трагедии не только отдельных личностей, но и народа, переживающего Смутное время начала XVII века или ломку старинных устоев при воцарении Петра. Эти оперы являются одними из самых популярных русских опер в мире Эти оперы не имеют себе равных в мировом музыкальном искусстве по силе и глубине воплощения образов, по правдивости и яркости изображения народных масс. Мусоргский первым из композиторов вывел русский народ на оперную сцену.

В опере «Борис Годунов» личная драма Бориса разворачивается на фоне драмы целого народа. Заканчивается сценой народного бунта под Кромами и тяжким пророчеством Юродивого: «Плачь, плачь русская земля, плачь, русский люд.

Мусоргский был музыкант-реалист, музыкант-народник, родственный Гоголю и Льву Толстому.

Он усвоил себе все особенности русской народной песни и хотя редко пользовался подлинными народными мотивами, но весь склад его мелодики, очень гибкой и характерной, носит народный отпечаток, сказывающийся в гармонических оборотах, в оригинальных, внезапных модуляциях, в ритмическом богатстве, и в самой форме. Главную силу вокального стиля М. составляет выразительная декламация, вытекающая из естественной интонации речи и потому совершенно неотделимая от текста. В этом М. - прямой наследник Даргомыжского.

Кроме опер, Мусоргским написана сюита „Картинки с выставки” (лучшее переложение сюиты для оркестра сделал М. Равель в 1922 году), симфоническую картину «Ночь на Лысой Горе», много песен и романсов, среди которых весьма оригинальные для того времени - „Песни и пляски смерти”, хоровые и фортепианные произведения.

Мусоргский стремился к тому, чтобы его музыка в каждом своем элементе носила национальный, чисто русский характер.

В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия. Как человек, он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. В 1859 году М. оставил военную службу, но неимение средств к жизни и невозможность добыть их музыкальной деятельностью привело к нищенскому существованию.

Его опера "Борис Годунов" надолго была снята с репертуара; другие его сочинения долго игнорировались артистами и публикой. В последние полтора года жизни, оставшись без службы, М. зарабатывал аккомпаниаторством.

Угнетающее однообразие повседневной жизни и тяжелые материальные условия привели Мусоргского к алкоголизму. Депрессия непрерывно углублялась.

Умер он в 42 года в одном из военных петербургских госпиталей.

За всю жизнь Мусоргский заработал музыкой 701р. 50коп.

Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной."

Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих

Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840-1893)

В России две столицы и две музыкальные школы. Московскую школу композиторов возглавил П.И.Чайковский. В творчестве Чайковского русский музыкальный романтизм достиг вершины развития.

Пётр Ильич Чайковский, самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство.

Чайковский - первый русский композитор-"профессионал" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. При жизни Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки.

Чайковский был свидетелем подъема и упадка народнического движения в русской культуре. Чайковский был современником композиторов «Могучей кучки».

В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, чем «кучкисты». Русский фольклор не был для него универсальным источником и первоосновой музыкального языка. Музыкальные интонации он в большей степени черпал из городского музыкального быта, чем из крестьянского фольклора.

Родился в г. Воткинске, на Урале, в семье инженера. Музыкой начал серьезно заниматься, как и Бородин, уже будучи взрослым. Закончив юридический факультет в университете, Чайковский проработал несколько лет в Министерстве финансов в Петербурге и лишь тогда решил поступить в Петербургскую консерваторию, которую окончил в 1866 г. с отличием. Тут же ему было предложено место преподавателя гармонии в Консерватории. Он принял это предложение и оставался на профессорской должности в течение 11 лет, не прерывая все это время своей творческой деятельности и выступая на концертах с исполнением своих произведений, вызывавших восторженный прием у всей музыкальной общественности России.

В 37 лет в жизни Чайковского наступает перелом. Графиня фон Мекк, богатая поклонница его таланта, предоставила композитору высокую пожизненную пенсию, дающую ему возможность посвятить все свое время исключительно сочинению музыки. Единственным условием она выставила требование, чтобы лично они никогда не встречались. С этого времени Чайковский полностью посвящает себя музыкальному творчеству, лишь время от времени выступая как дирижер.

Во время своих путешествий по различным странам Европы - Польше, Германии, Австрии, Италии, Швейцарии, Франции, Англии - он изучал музыкальный фольклор каждой из этих стран. Особенно сильное впечатление произвела на Чайковского Италия и итальянская музыка, что нашло отражение и в его произведениях. Вернувшись в Петербург в 1893 г. во время эпидемии холеры, он сам заразился и умер от этой болезни.

Композитор был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком эмоционально неустойчивым; восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто. Будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка.

Музыка Чайковского говорит самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, в котором соединяются традиционные романтические европейские интонации и музыка русского фольклора. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу».

Чайковский - крупнейший симфонист, гениальный музыкальный драматург и лирик. Он создал 15 опер (во главе с написанными на пушкинские сюжеты «Евгением Онегиным» и «Пиковой дамой»), 3 балета (на первом месте «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»), 6 симфоний, 5 симфонических поэм, увертюры, 3 концерта для фортепиано, скрипичный концерт, разнообразные произведения для оркестра.

Чайковский сочинял в стиле позднего романтизма, придавая при этом своим произведениям чисто русский характер. Такое сочетание оказалось исключительно благоприятным. Он вывело русскую музыку на европейские сцены. Чайковский – самый исполняемый в мире русский композитор.

Творчество Чайковского оказало огромное влияние на современников. Его имя уже при жизни ассоциировалось с величайшими представителями русской культуры. Оркестр вставал при его появлении в зале.

Наряду с Глинкой, Чайковский является создателем национальной русской школы в мировой музыке.

Цитата композитора:
"Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать."
"Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве."
"Большой талант требует большого трудолюбия."

Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов

Интересный факт : Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844-1908)

Николай Андреевич Римский-Корсаков - одна из важнейших фигур в истории отечественной музыки.

Родился в Новгородской губернии в дворянской семье, в г. Тихвине. По семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк.

Музыке учился сначала у матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. Позже М.А.Балакирев, организатор "Могучей кучки", ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество.

Профессиональное музыкальное образование получил в Петербургской консерватории по классам фортепиано и композиции. Свою первую симфонию он написал в возрасте девятнадцати лет. Однако, Римский-Корсаков не сразу связал свою судьбу с музыкой. В течение нескольких лет он служил в военно-морском флоте, где получил офицерское звание. В это же время он занимается творческой деятельностью, и в 1871 г. ему присваивают звание профессора инструментовки Петербургской консерватории. Затем ему передают и класс композиции. Одновременно его назначают директором музыкальной школы и музыкальным инспектором военно-морских оркестров России.
Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют 15опер. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник".
Кроме самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина.

Среди композиторов „Могучей кучки” он обладал самой большой творческой изобретательностью и наиболее совершенной техникой. Его самые значительные творческие завоевания лежат в области оркестрового колорита.

Им были написаны такие, получившие мировую известность, оперы, как „Садко”, „Снегурочка”, „Золотой петушок” и др. Кроме того - три симфонии, превосходная симфоническая сюита „Шехерезада”, увертюра „Русская пасха”, „Испанское каприччио”, симфоническая поэма „Садко” (помимо оперы того же названия), многочисленные песни, а также хоровые и камерные произведения. Все его творчество, выдержанное и стиле неоромантизма, глубоко проникнуто „русским духом”.

Римский-Корсаков считается крупнейшим мастером инструментовки. Учебник „Основы оркестровки” является одним из лучших пособий в этой области, а его учебником но гармонии учащиеся пользуются и в наше время.

Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Бескорыстный труд Римского-Корсакова в деле завершения оркестровых и оперных шедевров Мусоргского сыграл решающую роль в их появлении на концертной эстраде и оперной сцене.

Фанатичное упорство в постижении музыкальной науки превратило его в патриарха-деспота.

Римский –Корсаков - «железный Феликс» русской музыки. Убежденный в своей непогрешимости, он ничтоже сумняшеся вставлял «палки в колеса» молодым композиторам, не попадающим в зону его музыкального вкуса. Так, например, он упорно препятствовал проникновению на петербургскую сцену Первой симфонии Калинникова, даже после того, как она с триумфальным успехом была исполнена в таких крупнейших музыкальных центрах Европы, как Берлин, Париж, Вена и Прага.

Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

4. Четвертый период: «серебряный век» в русском музыкальном искусстве (1890-е гг. – 1917)

Конец 19 и начало 20 века для русской музыки протекал в столкновениях антагонистичных тенденций, казавшихся непримиримыми и взаимоисключающими. Тенденции культуры «серебряного века» глубоко изменили облик музыкального искусства. Композиторами-«традиционалистов» серебряного века были А.К.Глазунов (1865-1936), и А.К.Лядов (1855-1914), С.И.Танеев (1856-1915), а также менее известные, но одаренные авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

Молодыми композиторами-новаторами «серебряного века» были символист А.Н.Скрябин, неоклассицист Н.К.Метнер, неоромантик С.В. Рахманинов, неофольклорист И.Ф. Стравинский, кубофутурист С.С. Прокофьев.

Их открытия в области лада, гармонии, формы способствовали становлению новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века.

Существенные изменения происходили и в области русской церковной музыки. Композиторы петербургской и московской композиторских школ использовали подлинные старинные мелодии знаменного распева. Их сочинения предназначались как бля богослужения, так и для концертного исполнения. Новый стиль в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.

Крупнейшими представителями церковной музыки того времени были С.В. Смоленский, С.В.Рахманинов, А.Т.Гречанинов, А.Д.Кастальский и другие. Их называют «школой Синодального училища».

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, музыкальный символист, «идеалист - мистик», одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры.

Самобытное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве на рубеже 20-го века.
Скрябин с детства проявил незаурядные музыкальные способности. Учась в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов.

Художественные искания Скрябина во многом определили поэты-символисты, а также современные ему философские и мистические учения. Творческим девизом стали слова: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи».

Скрябин создавал свой музыкальный мир и не искал опоры в художественном опыте своих предшественников.

Интересовался богоискательством и космической божественной сутью человека. Острое желание постичь гармонию двух миров рождает в его музыке порывы к грандиозному, вселенскому, макроскопическому и одновременно желание углубиться в «микрокосм» человеческой души, в ее подсознательную первооснову. Со Скрябиным в музыку пришла тайна. До него в русской музыке, фактически, не было мистики.

Скрябин – Циолковский в Музыке. Он первым «вышел» в космос.

В своих произведениях он стремился передать мир зыбких и утонченных переживаний человека.

Скрябин был мечтателем-идеалистом. На протяжении всего творческого пути Скрябина привлекала идея синтеза искусств. В «Поэме огня», известной также под названием «Прометей» (1910), в которой он соединил звук и цвет.

Остро ощущая противоречия своего сложного времени, Скрябин мечтал о всемирной гармонии человечества. Его заветной мечтой стал храм в Индии на берегу горного озера для постановки неосуществленного произведения «Мистерии».

«Он не искал – минутно позабавить,

Напевами утешить и пленить;

Мечтал о высшем: Божество прославить

И бездны духа в звуках озарить».

В. Я. Брюсов

Скрябин верил в божественную силу творчества и в художника-творца-мира, ведущем человечество к счастью. Его «Мистерия» - попытка преображения человечества с помощью магии искусства.

Композитор сочинял как бы «на ощупь», через изменчивые, трудноуловимые и не поддающиеся рациональному анализу ощущения. Музыка Скрябина насыщена изощренной ритмикой, внетональными «блужданиями», фактурой, окутанной дымкой гармонических фигураций.

Работал над ней композитор свыше десяти лет. Он понимал, что берется за решение труднейшей задачи, но верил в реализацию великого духовного акта. Начальный вариант воплощения «Мистерии» носит название «Предварительное действо». Это грандиозный соборный спектакль, или Служба, в которой участвует все человечество. Музыка «Предварительного действа» сохранилась лишь в отрывках (40 листов черновых эскизов). Она составляла главный компонент синтетического акта, включающего «симфонию» звуков, ароматов, красок, танцев, шествий, движущейся архитектуры, лучей закатного солнца, ритуальной одежды участников – исполнителей и зрителей.

Храм в Древней Индии, где должна была состояться «Мистерия» был задуман композитором как гигантский алтарь, возвышающийся над Землей. Скрябин всерьез пытался осуществить задуманный проект и даже, по некоторым данным, вел переговоры о покупке земельного участка в Индии для постройки храма. Думая о «Мистерии» композитор говорил: «Я хочу не осуществления чего бы то ни было, а бесконечного подъема творческой деятельности, который будет вызван моим искусством».

К вершинным произведениям Скрябина можно отнести «Поэму экстаза» (1907). Это большое произведение - гимн всепобеждающей мощи человеческого духа. Оно рассказывает о том, как душа человека проходит трудный путь от неясных предчувствий и тревоги к высшей духовной радости, обретая огромную силу и энергию.

Поэма насыщена накаленной атмосферой первой российской революции, предчувствиями грядущих катастроф. Впервые «Поэма экстаза» прозвучала в России в 1909 г. Она имела колоссальный успех. В одиннадцатый раз выпускнику Московской консерватории была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Скрябина не замечал людских тревог, волнений и мирской суеты. Композитор создал особый мир музыкальной выразительности, опередив свое время, предвосхитив многие инновации искусства 20 века.

Дальнейшая судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови. На смерть Скрябина откликнулись многие современники, в том числе и известный поэт В. Я. Брюсов:

Металл мелодий он посмел расплавить

И в формы новые хотел излить;

Он неустанно жаждал жить и жить,

Чтоб завершенным памятник поставить...

Скрябин - автор девятнадцати фортепианных поэм, трех симфоний, концерта для фортепиано с оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсов и этюдов. В каждом произведении сказались непревзойденный талант и мастерство композитора.

К счастью, словам поэта было суждено сбыться: Скрябин был и остается «звездой первой величины» в мировой музыкальной культуре.

Судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

7. Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943)

Не меньшую известность приобрело творчество Сергея Васильевича Рахманинова (1873-1943), также выпускника Московской консерватории, закончившего ее с золотой медалью. В отличие от символиста Скрябина, Рахманинов и в ХХ веке оставался самым русским композитором романтиком мирового значения. Ему удалось объединить музыкальные традиции Московской и Петербургской композиторских школ.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая «Колокольная» Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко".

В двадцать лет в концертных залах ему рукоплескала восторженная публика. Его поклонниками были Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, многие поэты Серебряного века. Но жизнь Рахманинова не представляется спокойной и безмятежной: он знал не только взлеты, но и падения.

Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют.

Особую известность Рахманинову принесли фортепианные сочинения. Наиболее известным сочинением является Второй фортепианный концерт (1901), в котором раскрылись лучшие черты его композиторского таланта. Произведение «необычайной, удивительной красоты» (С. С. Прокофьев). За это произведение Рахманинову в 1904 г. была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Новый стиль его музыки органически объединял русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм.

В 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт.

Многогранный талант Рахманинова проявился во многих музыкальных жанрах. Им созданы две оперы («Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини»), вокально-симфоническая поэма «Колокола» (1913), сонаты, экспромты, прелюдии. Он сочинял и духовную музыку, восходящую к древнерусским знаменным распевам («Литургия Иоанна Златоуста», 1909, и «Всенощное бдение», 1915).

Рахманинов стал свидетелем двух мировых войн и двух российских революций. Он восторженно приветствовал крушение царского режима, но не принял октябрьский переворот.

В конце 1917 года Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса.

Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Все 25 лет эмиграции он живо интересовался тем, что происходило на Родине. В годы Великой Отечественной войны композитор не раз перечислял средства от своих концертов на поддержку Красной Армии. Сегодня произведения Рахманинова звучат во многих концертных залах нашей страны, неоднократно в его честь проводились музыкальные конкурсы и фестивали.

Умер С.В.Рахманинов в Беверли-Хилс от рака позвоночника.
Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский
Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."
Музыковед Б.Асафьев назвал С.Рахманинова «человеком с навек раненным сердцем».
Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Калинников Василий Сергеевич (1866-1901). Наверное, самый непродуктивный композитор в мире. За свою недолгую жизнь он успел написать две симфонии, еще 4 небольшие оркестровые произведения, 8 романсов и 4 миниатюры для фортепиано. Это фактически все, не считая нескольких неоконченных или неизданных сочинений. Тем не менее, ему удалось «прорваться» на музыкальный Олимп благодаря своей Первой симфонии, которая приобрела популярность во всем мире. В этом «повинен», прежде всего, мелодический дар композитора, нашедший отклик в сердцах любителей музыки всех континентов. Строже говоря, счастливая мелодическая находка, - побочная партия первой части, вероятно, сыграла здесь решающую роль. Сей факт заставляет вспомнить крылатую фразу Стравинского: «Мелодия наиболее доступна для восприятия и наименее доступна как дар», кажется, так. Композитора сразила злая чахотка, но жестокая болезнь никак не отразилась на его музыке, почти всегда бодрой и жизнерадостной.

8. Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)
Игорь Федорович Стравинский (1882–1971) вошел в историю мировой музыкальной культуры как смелый новатор, один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма, пролагающий собственные пути в искусстве.

Путь Стравинского в музыке - от романтизма и импрессионизма к неоклассицизму, додекафонии, музыке авангарда.

В последние годы жизни он живо интересовался искусством джаза и достижениями в области электронной музыки.

Игорь Фёдорович Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи ХХ века, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Встреча с С. П. Дягилевым в 1909 г. во многом определила дальнейшую личную и творческую судьбу композитора.

Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины. Стравинский обратился к праистокам и взял за основу национальной русской музыки в ХХ веке языческую, древнюю Русь.

Премьера балета «Жар-птица» на сцене парижской «Гранд-опера» в 1910 г. положила начало мировой славы Стравинского. Музыка поражала пышностью оркестровых звучаний, необычностью ритмов, обилием сказочной символики. Наиболее известный номер из балета - «Поганый пляс Кащеева царства» – гротескный образ зла и насилия.

Через год – новый балет «Петрушка». Главное внимание Стравинский сосредоточил на глубокой психологической драме любимого народного героя Петрушки, безнадежно влюбленного в глупенькую Балерину, отдающую предпочтение самодовольному Арапу. О страданиях главного героя, доброго, озорного и никогда не унывающего, Стравинский гениально рассказал языком музыки.

Особенно поражала финальная сцена прощания Петрушки с жизнью. Удивительной находкой композитора стал отрывистый «всхлип», «выдых» флейт и странный звук от брошенного на пол бубна. Еще недавно безудержно плясавшая толпа застывает перед умирающим. В трагический момент отлета души Петрушки в лучший мир звучит изумительная музыка, передающая трепет уходящей жизни. Отзвуки масленичного балагана и пронзительная фанфара ожившего Петрушки завершают действие.

Соавторами Стравинского в этой работе выступили балетмейстер М. М. Фокин (1880-1942) и либреттист, художник А. Н. Бенуа. Главные роли исполняли Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. Балет «Петрушка» стал ярким событием Русских сезонов С. П. Дягилева.

Премьера третьего, не менее знаменитого балета Стравинского «Весна священная» (1913) вызвала в Париже неслыханный скандал. Позднее автор вспоминал:

«Когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами... разразилась буря. Позади меня раздавались крики «Заткни глотку!..» Я в ярости покинул зал».

Изнеженное ухо слушателей, привыкшее к сладким и томным звукам, услышало чуждую языческую стихию. Не случайно балет имел подзаголовок «Картины языческой Руси». Стравинский пытался воссоздать в музыке первозданную суровость обычаев языческих племен, возглавляемых Старейшим-Мудрейшим. Напряженные диссонансы, сложные ритмы и неожиданные контрасты призваны были передать магическую силу заклинаний природы, весенних гаданий, древнейший обряд Поцелуя земли, величание Избранной. Движения и жесты актеров, отказавшихся от приемов классического балета, были тяжелыми и угловатыми.

Спустя несколько лет «Весна священная», исполненная как симфоническое произведение, вызвала бурные овации слушателей и стала мировым хитом в современной музыке.

В 1914 Стравинский окончательно покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были непродолжительные гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США.

Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее сочинение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе».

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного..». Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
«Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...»

9. АЛЕКСАНДР КОНСТАНТИНОВИЧ ГЛАЗУНОВ
(1865-1936)

Сын петербургского книгоиздателя. С самого раннего детства он брал уроки фортепианной игры, а потом поступил в консерваторию в класс композиции, которым руководил Римский-Корсаков.

Шестнадцати лет Глазунов написал первую симфонию. Особенно большую помощь оказывает ему музыкальный издатель Беляев, занявшийся организацией концертов, на которых исполнялись произведения молодого композитора. Во многом помогли ему и дружеские отношения с „Могучей кучкой” и П.И.Чайковским.

С 1884 г. произведения Глазунова получают признание не только в России, но и за границей. В 1899 г. он принимает должность профессора инструментовки в Петербургской консерватории.

В 1905 г., в знак протеста против снятия Римского-Корсакова, Глазунов отказался от этой должности.

В 1907 г. композитору присваивается почетное звание доктора Кембриджского и Оксфордского университетов.

После Октябрьской революции Глазунов одновременно с творческой работой занялся широкой организаторской и популяризаторской деятельностью. До 1928 г. он занимал пост директора Ленинградской консерватории. В 1929 г. композитор предпринял гастрольную поездку по Европе и Северной Америке, побывал он и в Польше.

Умер Глазунов в 1936 г. в Париже, куда он выехал на лечение.

Творческое наследие Глазунова состоит из восьми симфонических поэм, балетов (в том числе «Раймонда», «Времена года»), увертюр, скрипичных концертов, фортепианных концертов, многочисленных симфонических, камерных, фортепианных и вокальных произведений.

Для его музыки характерны необычайная мелодичность, классическая ясность формы, черты национального „русского духа”. По органическому сочетанию в ней чисто русских и западноевропейских элементов, она близка музыке Чайковского и Римского-Корсакова. Глазунова не соблазняли модные новаторские направления. Он прежде всего ставил перед собой задачу создания произведений высокого художественного уровня. И именно эта черта его творчества выдвигает Глазунова в первые ряды русских композиторов.

В 20-м веке на русскую, советскую и позже российскую музыку повлияли лва очень важных глобальных фактора:

Взаимное проникновение и смешение культур разных народов, так сказать, "культурная глобализация"

Появление нового музыкального языка, придуманного австрийским композитором Шёнбергом (1874-1951) - додекафонии.

Принцип, заложенный в этом языке (нельзя повторять ноту, пока не будут сыграны остальные одиннадцать) давал, с одной стороны, возможность создать совершенно уникальную мелодию (не повторенную никаким другим композитором), но с другой стороны, вел к обезличивании мелодии, потери какой-либо "узнаваемости" и связи с национальной музыкой.

10. Сергей Сергеевич ПРОКОФЬЕВ (1891-1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области в семье агронома. С детства приобщился к музыке. Прокофьев - единственный из русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композицией, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию.

Среди его учителей был Н.А. Римский- Корсаков. Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля.

Однако парадокс заключался в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма.

Заканчивая в 1914 г. Петербургскую консерваторию, он решил сыграть перед экзаменационной комиссией свой собственный Первый концерт. Музыка захватила слушателей, и Прокофьев получил диплом с отличием и премию имени А. Г. Рубинштейна (великолепный рояль в подарок).

С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году. За границей он сочинил оперу-балет „Любовь к трем апельсинам”.

Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Со временем ему удалось найти общий язык с новыми слушателями, выработать в своем творчестве новые музыкальные формы, соответствующие эстетическим вкусам нового общества. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы.

Несмотря на явно выраженное стремление совместить музыку с идеологией советского государства, Прокофьев, лауреат шести Сталинских премий, всегда оставался самим собой, человеком твердого и независимого характера.

В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события:

1. по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка;

2. вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки;

3. произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.

Эпохальными сочинениями в истории советской музыки стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", "Сказ о каменном цветке", с фантастическими музыкальными переходами. ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы. Однако большинство помнят только его музыкальную сказку "Петя и волк".

Прокофьев скончался в 1953 г. в Москве, в один день со Сталиным.
Сергей Прокофьев писал странную, не похожую на другие, музыку. Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире. Это Бетховен наших дней. Его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это летописи тяжёлых событий 20-го века, трагедией человека и человечества.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром.

Написанная девятнадцатилетним выпускником Ленинградской консерватории Первая симфония (1926) поразила слушателей оптимизмом и свежестью звучания. Стало ясно, что в России появился композитор мирового значения. Симфония сразу же вошла в репертуар отечественных и зарубежных дирижеров.

Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.
Дмитрий Шостакович жил в сложное время - когда менялась власть, менялись нравы, отношение к его произведениям тоже менялось. Например, сегодня произведение встречали на ура - а завтра освистывали.

До постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях тоталитарного государства.

В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах его 15 симфоний занимают центральное место. Самыми драматическими являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки.

За полувековой период творчества Шостакович создавал произведения почти во всех музыкальных жанрах: 15 симфоний, 15 квартетов, две оперы («Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда»), три балета («Золотой век», «Болт» и «Светлый ручей»), шесть инструментальных концертов, циклы романсов, сборники фортепианных прелюдий и фуг, кантаты, оратория («Песнь о лесах»).

Особое место в творчестве композитора занимала музыка к кинофильмам и драматическим спектаклям. Еще в послереволюционном Петрограде Шостакович работал тапером в маленьких кинозалах, импровизируя на фортепиано во время демонстрации немых кинолент. Когда с 1928 г. начинается эра киномузыки, он с удовольствием приходит в кинематограф, где создает ряд блестящих музыкальных произведений к фильмам «Трилогия о Максиме», «Иван Мичурин», «Встреча на Эльбе», «Молодая гвардия», «Падение Берлина», «Овод», «Гамлет», «Кор