Автопортрет в мировом изобразительном искусстве.

Автопортрет характерен для всех видов искусства: писатели, поэты, музыканты – все отдавали дань увлечению этим жанром. Но особенно полно искусство самопознания, благодаря феномену автопортретности, выражено в изобразительном искусстве.

Многие художники рисовали, писали, лепили себя, часто используя зеркало, стараясь в собственном облике угадать настроение своего искусства. Если верно выражение: « Глаза – зеркало души», то можно сказать, что автопортрет – это зеркало души художника.

Известна также закономерность, что, портретируя других, художник подсознательно переносит свои индивидуальные черты на облик модели (поэтому, в переносном смысле слова, автопортретом является все творчество художника).

Автопортретами в широком смысле слова можно считать немногочисленные изображения художника за работой в египетских живописных изображениях или на греческих вазах (это образы собирательные, подобно тому как подписи гончаров являются фабричными знаками). Плутарх сообщает о дерзости Фидия (Слайд №2) , который изобразил самого себя среди участников «Битвы амазонок». Он создал удивительную, двенадцатиметровую статую Афины. А на щите богини изобразил сцену битвы греков с амазонками . Каково же было удивление современников, когда на громадном щите среди греческих воинов они узнали не только своего вождя Перикла, но и самого Фидия. Узнать было не сложно, поскольку фигуры воинов были в человеческий рост. Фидий изобразил себя в виде немолодого лысого человека, держащего камень в высоко поднятых руках. По легенде, мастер умудрился так смонтировать щит, что, убрав портретные фигуры, щит не мог сохранить свою форму и рассыпался. Может быть, современники и простили бы мастеру такое кощунственное соседство с богами, но уж очень строптивый был у Фидия характер, и слишком много было у него врагов. Поэтому, обвинив егов неуважении к богам, еще и в краже золота, Народное Собрание серьезно осудило художника, но отпустило под залог. Фидию предстояло выполнение большого заказа – создание статуи Зевса Олимпийского. Потом её назовут одним из семи чудес света. Тем не менее, проступок Фидия не был забыт. Мастер был заключен в тюрьму, где вскоре и умер.

В древнегреческом искусстве тогда отсутствовала традиция психологического портрета и тем более, автопортрета. Для древнего эллина активное участие в общественной жизни города, осуществление гражданских прав и обязанностей представлялись естественной формой деятельности. Именно это отличало его от раба, делало членом общества, и следовательно человеком. Поэтому в античном искусстве слабо развит интерес к частной жизни человека, к интимному миру его страстей и переживаний. Общественное выше индивидуального. Поэтому современникам было просто не понятно, зачем Фидий это сделал, ну кроме как для возвеличивания своей персоны.

Для эпохи христианства характерно стремление к покаянию, духовному трезвлению, исповедь – одна из основ духовного роста. И в автопортрете появляются мотивы самокритичности, «сердечного сокрушения». Изографы (так называли иконописцев) не подписывали своими именами созданные ими иконы, фрески, росписи в соборах. Но, известный факт, они часто оставляли свои изображения на фресках, панно, мозаиках. Идентифицировать их теперь, конечно, очень сложно. Правда, исследователи считают, что есть серьезные основания полагать, что Андрей Рублев оставил свое изображение на одной из фресок Успенского собора во Владимире. Там, в южном нефе, есть композиция «Апостол Петр, ведущий праведников в рай». Рядом с апостолом мы находим изображение человека. Он смотрит зрителю прямо в глаза. Такой прием очень характерен для художников раннего европейского Возрождения, которые часто рисовали себя в многофигурных композициях именно в такой манере. Средние века дали очень много – стремление за внешней человеческой оболочкой увидеть нечто несравненно большее – духовный мир.

Но окончательное формирование портретного и автопортретного жанра происходит, конечно, в эпоху Возрождения. Именно тогда формируются жанровые особенности автопортрета

Автопортреты подразделяются на несколько типов:1) «вставной автопортрет» - художник введен в групповую композицию; иногда он растворен в ситуации 2) «символический автопортрет» –художник придает собственные черты историческому или мифологическому персонажу 3) «групповой портрет» - профессиональный, семейный, памятный 4) «естественный автопортрет» – художник представлен за работой с профессиональными принадлежностями (или без них).

Джотто – великий новатор, подавший достойный пример: создав в Кастель Нуово

в Неаполе цикл «знаменитых людей», изобразил себя среди них. В капелле Бранкаччи в сцене из истории Петра в одном из апостолов, стоящем в заднем ряду, можно разглядеть изображение Мазаччо(слайды №3,4) . В многолюдном и шумном «Поклонении волхвов» крайним справа, в полный рост, в повороте три четверти представлен сам Боттичелли (слайды №5,6), смотрящий не на главную многолюдную сцену с семейством Медичи, а на зрителя.

В эпоху Возрождения автопортрет свидетельствовал о возросшем общественном значении художника, о росте его самосознания. Современники считали Леонардо да Винчи(Слайд №7) необыкновенным человеком, отмечая удивительную творческую разносторонность мастера. В позднем и единственном «Автопортрете» представлен блестящий итог жизненного пути великого итальянского живописца, теоретика и ученого, универсального гения и философа, искавшего новых путей к совершенству живописи.

Умбрийский мечтатель Рафаэль Санти (слайд №8,9) не обладал ни аристократичностью Леонардо, ни мощью Микеланджело, но имел открытую безмятежную душу и чарующую приветливость характера, что особенно ценилось современниками. Все эти достоинства убедительно просвечивают в его произведениях, ровным и счастливым настроением проникнуты и его автопортреты. В «Афинской школе»(слайд10, 11) Рафаэль под видом древнегреческих философов изобразил своих старших современников: Леонардо и Микеланджело, а автопортрет поместил скромно в правом нижнем углу фрески.

В период позднего Возрождения появляются автопортреты-символы, которые по-своему отражали сложный переходный период европейской культуры. Например, трагическое лицо-маска Микеланджело(слайд12) , которая абсолютно ясно различима в коже, снятой с грешника cв. Варфоломеем. Это фреска «Страшный суд». Или автопортрет Микеланджело Караваджо(слайд №13) в виде головы Голиафа, отрубленной Давидом. (Микеланджело «Давид с головой Голиафа».). Картина «Больной Вакх»(слайд №14) была выполнена художником в 16летнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанном в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.

Автопортреты живописцев позднего Возрождения свидетельствуют о драматизме творцов, познавших одиночество и душевное смятение в столкновении с изменившейся действительностью. Автопортрет Тинторетто (слайд №15 ) За несколько лет до смерти Тициан(слайд №16) написал свой последний «Автопортрет» - уникальную исповедь, раскрывающую духовный мир великого мастера. Повернутая почти в полный профиль фигура обретает особую отрешенность.

Творчество удивительного художника 16 века Джузеппе Арчимбольдо(слайд №17) завораживает, удивляет и вызывает множество вопросов. Сведений о нем крайне мало: родился в Милане, работал с отцом над украшением Миланского собора, затем в должности придворного живописца жил и работал в Вене, Праге. У Рудольфа2 он носил титул «Мастер празднеств» и подобно Леонардо, изобретал, строил различные диковины, музыкальные автоматы (в мемуарах упоминаются его «перспективная лютня» и «цветовой клавикорд).

Эпоха в которую творил художник проходила под знаком натурфилософии, одна из главных идей которой – учение о живом космосе: времена года и стихии сопоставлялись с процессами происходящими в организме человека. Ветер уподобляли дыханию, гром - речи, восход солнца – улыбке; осень сравнивали со средним возрастом, зиму со старостью и т. д. Свой 46 летний возраст Арчимбольдо уподобил расцвету человеческой жизни и в автопортрете «Лето» развил тему знойного полдня, плоды которого вырастают из золотых колосьев пшеницы. Композиции Арчимбольдо пользовались столь бешеным успехом, что породили целые вереницы подражателей, именуемых «арчимбольдесками».

Для автопортретов маньеризма характерны замкнутость, усложненность внутреннего мира мастера. Автопортреты Понтормо, Пармиджанино(слайд №18).

Немецкий живописец и гравер, математик и анатом Альбрехт Дюрер осуществил уникальный синтез ренессансных принципов с рейнскими и нидерландскими особенностями. В отличии от итальянского, его идеал человека включал сомнения и тяжкие раздумья, воплощаясь в усложненных, аллегоричных , линеарно жестких художественных приемах. «Автопортрет с чертополохом» (слайд №19) возможно, был написан художником для своей невесты Агнес Фрей. В руках у Дюрера чертополох – символ мужской верности. Дюрер особенно внимателен к своим чертам и изображал себя, то дворянином(слайд №20), то в образе Иисуса Христа, не говоря уже о присутствии во всех больших композициях. В Венеции в церкви Сан Бартоломео Дюрер написал картину «Праздник чёток »(слайд №21), где по обычаю итальянских мастеров, поместил своё изображение на видном месте: из глубины нарядный Дюрер пристально наблюдает за зрителем. В руках у него развёрнутый лист бумаги с надписью по-латыни: «Сделал за пять месяцев. Альбрехт Дюрер, немец,1506 г.»
В наиболее известном из автопортретов, «Автопортрете в образе Христа»(слайд №22), мастер пластическими средствами проводит смелую мысль, что всякий художник – творец, а значит, подобен Богу. В этом порыве самоутверждения, набожного отождествления себя с Христом, он создал более 50 автопортретов. У Кранаха(слайд №23) и Гольбейна(слайд №24) их было только один или два.

Ян ван Эйк прибегал к «скрытому автопортрету», по крайней мере, дважды «Портрет четы Арнольфини» (слайд 25) и «Мадонна каноника ван дер Пале»(слайд 26) (на щите за спиной св. Георгия заметно слабое отражение фигуры, возможно, это автопортрет Яна ван Эйка). «Святой Лука, рисующий Мадонну» кисти Рогир ван дер Вейдена (слайд 27). Картина посвящена эпизоду легенды (12века, греческого происхождения) о св. Луке, написавшем портрет Мадонны и младенца Христа. Изображения св. Луки стали появляться в европейском искусстве с 14 века. Гильдии художников считали Луку своим покровителем и помещали изображения святого в своих капеллах. Возможно, Рогир ван дер Вейден изобразил себя в образе св. Луки (по этому пути пойдут Дирк Боутс, Госсарт и др.).

Портрет живописца в мастерской часто встречается в голландской живописи (Ян Стен, Питер Брейгель(слайд28) ) В работе «Гуляки»(слайд 29) Стен изобразил себя и свою жену Маргарет, дочь известного голландского художника Яна ван Гойена. Физиономия хозяина излучает благодушие и удовлетворение. Вся сцена до мелочей передана с большой искренностью, теплотой и чувством легкой иронии. Он сам главный персонаж и на картине «Кошачье семейство» (слайд 30). Художник, его жена и дети собрались за столом. Царит веселье. Девочка на заднем плане показывает всем новорожденных котят. Юмор, подчас даже ирония, богатая композиция, живой колорит характерны для его произведений.

В некоторых произведениях (например, «Мастерская живописца» Вермеера(слайд 31 ) художник повернут к зрителю спиной. Картина имела несколько названий «Аллегория живописи», «Искусство живописи», «Художник и модель». Композиционное построение, решение планов и антураж позволяют воспринимать картину символом искусства живописи. Тяжелый ковровый завес поднят, юная голландка, задрапированная в голубую материю, изображает музу истории Клио; на стене висит карта семи голландских провинций; сам художник изображен со спины, одет в праздничный наряд.

Семнадцатый век завещал нам гениальный художественный документ подлинного человеческого бесстрашия, не знающего границ саморазглядывания, зачастую беспощадного – многочисленные автопортреты Рембрандта , явившиеся своеобразным дневником. Очень наглядно показаны становление личности, развитие индивидуальности художника. Это целая автобиография в зрительной форме, не имеющая себе равных. Его автопортретным исповедям, отражающим конфликт с окружающим миром, присущи духовная глубина и напряженность. Малоизвестный «Автопортрет с отрастающей бородкой» (слайд 32) написан в середине 1630-х годов. Это самые счастливые для Рембрандта годы – время успеха у публики, поклонения учеников, женитьбы на любимой женщине Саскии ван Эйленбюрх. К этому же периоду относится «Автопортрет с Саскией на коленях» (слайд 33). Поднимая бокал с вином, художник оборачивается к зрителю, приглашая разделить счастливую трапезу и веселье. Пышные одежды, богатые аксессуары дополняют картину праздника. Рембрандт писал мистифицированные костюмированные автопортреты. (слайд 34)

Большой поколенный автопортрет из коллекций Нью-Йорка (слайд 35)– одно из самых мощных произведений живописца. Массивная фигура возвышается широкой пирамидой. Накинутый темный плащ не закрывает нижней одежды с ее водопадом мелких складок. По краям белого шарфа глухо мерцают полосы парчи. Левая рука придерживает простой посох. Посох как символ могущества, вроде скипетра царя или посоха библейского патриарха. Лицо полно решимости и ума. В остром взгляде читается сарказм и насмешка над окружающими, а может и над самим собой. Рембрандт на портрете как бы противостоит чуждой ему среде, он достаточно силен, чтобы выйти победителем из конфликта с нею. (Работа написана в 1658 году, через год после банкротства).

В последних автопортретах (слайд 36 )поражает усталое, нервное старческое лицо с глазами пытливо и мучительно всматривающимися в окружающий мир. Это взгляд человека, ценою горького опыта научившегося понимать самые важные и глубинные стороны жизни.

Питер Пауль Рубенс – центральная фигура фламандского искусства 17 века, творчество которого стало типичным выражением стиля барокко . «Автопортрет с Изабеллой Брандт»(слайд 37) - одно из полнокровных изображений счастливой семейной пары в европейской живописи.(слайд 38)

Ученик Рубенса Антонис ван Дейк написал за свою жизнь множество автопортретов. У Рубенса он перенял манеру трактовки поверхности, но отличался от него по темпераменту. Ван Дейк сознавал свою привлекательность. Был личностью неуравновешенной, темпераментной, считал себя в праве своевольничать, держаться заносчиво и надменно. Самый ранний его автопортрет изображает 15-летнего подростка. Затем автопортреты растут в размере и формате (погрудный, поколенный)(слайд 39 ), что отражает рост его уверенности в себе и своем портретном мастерстве. Получив награду от английского короля (золотую цепь и медальон с королевским изображением), Ван Дейк пишет «Автопортрет с подсолнухом»(слайд 40), где, указывая на цветок, приподнимает золотую цепь на груди. Ван Дейк выявляет себя скорее царедворцем, чем творцом. Как подсолнух поворачивается к Солнцу, так и подданному надлежит следовать за государем.

Чувством собственного достоинства проникнуты автопортреты французского классициста Никола Пуссена(слайд 41).

Автопортрет Диего Веласкеса(слайд 42, 43) включен в огромное (более 3 метров), получившее название «Менины» (фрейлины). Эта своеобразная и замечательно разработанная композиция. В картине много неясного. Кого пишет Веласкес? Королевскую чету, которую мы видим только в зеркале? Или то, что видим мы? Может живописец хочет выделит маленькую инфанту, наследницу престола, как персону более значимую, чем ее родители? А возможно суть заключается в изображении Веласкеса самого себя? Как вообще он решился писать королевскую семью в своей мастерской? Ведь придворному художнику полагалось самому явиться к королю или инфанте на сеанс. В те времена живописцев в Испании все еще относили к ремесленникам. Однако все чаще раздавались голоса в пользу причисления живописи, как в Италии, к свободным искусствам. То есть, отвечая всем главным художественным канонам, это полотно еще и декларирует то высокое положение, которое должен занимать живописец.

С 18 века почти все мастера мыслили свои автопортреты как манифесты собственного стиля. Наряду с социальной характеристикой художники 18 века - Шарден(слайд 44) , Рейнолдс(слайд 45), Гейнсборо(слайд 46), Хогарт (слайд 47 ) подчеркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе.

Большое место автопортрет занимает в искусстве19 века, представители которого утверждали ценность творческой личности и ее богатой духовной жизни.(начиная с классицистов Давида (слайд 48 ), Энгр а(слайд 49) до романтиста Делакруа(слайд 50)) Искусство романтизма выработало новое представление о духовной независимости творца, наделенного даром обостренной восприимчивости и сострадания. Ведущий русский живописец Орест Кипренский (слайд51) писал себя неоднократно. В «автопортрете» 1828 года Кипренский изобразил себя со странно растерянным выражением лица. Робкий вопрос, обращенный к зрителю, чувство неуверенности, словно художник извне ищет подтверждений правоты своего пути. Настроение Кипренского, выраженное в «Автопортрете», имело основание. Его талант не получил признания на родине и художник, не находя применения своим творческим способностям, испытывает горькое разочарование.

Совсем другим настроением проникнуты автопортреты Гюстава Курбе , французского реалиста середины 19 века. Курбе пишет себя с поразительным упорством, его автопортреты отличает самолюбование. Курбе был беден и возможно служил для самого себя наиболее доступной моделью. Но его беспокоил еще один вопрос. Кто он, художник? Курбе разрабатывает разные варианты и останавливается тогда, когда показывает художника (т. е. самого себя) активным участником современной ему общественной и художественной жизни(слайд52) . «Автопортрет с собакой »(слайд 53) написан на фоне природы, художник уделяет большое внимание костюму, рядом спаниель, альбом для рисования и палка. Он говорит о своей профессии, о своей любви к родному краю. Курбе как бы говорит: глядите, каков я – молод, красив, и не так уж прост, как кажется на первый взгляд.

В автопортретах Курбе господствует социальный пафос, а в изображениях Ван Гога(слайд 54) – психологический. На рубеже 19-20 вв автопортрет часто избирают для выражения личного мироощущения, собственной живописно-пластической концепции (Поль Сезанн(слайд 55) ), внутренней духовной напряженности мастера. Примером могут служить многочисленные автопортреты Винсента Ван Гога. Его автопортреты называют исповедальными. Ван Гогом создано несколько циклов автопортретов. Такое ощущение, что художник стремится понять самого себя. Он будто бы ведет диалог с собой, обсуждая радости и потери, взлеты и поражения. Автопортреты Ван Гога представляют кривую душевного состояния художника – это своего рода кардиограмма, предвещающая неминуемый летальный исход.

«Автопортрет с перевязанным ухом» (слайд 56 )был написан после бурной ссоры с Гогеном. Дружба двух талантливейших художников закончилась ссорой. Непомерно чувствительному Ван Гогу было очень сложно с эгоистичным и самолюбивым Гогеном(слайд 57) . Тем не менее, решение Гогена уехать из Арля и покинуть его вызвала у Винсента Ван Гога очень острую реакцию. В припадке безумия Ван Гог отрезает себе мочку уха. После выхода из больницы художник пишет этот автопортрет. Все автопортреты Ван Гога притягивают внимание. Предельная искренность, цвет, техника пуантилизма, в которой были написаны поздние автопортреты художника, завораживают зрителя. Если попытаться немного отрешиться от обычной мысленной суеты, то, всматриваясь даже не в оригиналы, а в хорошие репродукции его работ, можно почувствовать такие глубины внутреннего мира, которые помогут понять не только этого удивительного человека, но и себя.

Кстати, в психологии давно используют прием написания автопортретов. Психологи полагают, что сам процесс такой работы уже оказывает положительный психотерапевтический эффект.

Накануне Первой мировой войны художники-сюрреалисты и представители новой вещественности вновь обратились к автопортрету.

Рене Магритт – глава бельгийских сюрреалистов, лирик авангардизма , создал свой индивидуальный стиль. В «Автопортрете художника за работой» (Проницательность)(слайд 58) сидящий у мольберта автор рисует взлетающую птицу, образ которой, как талисман, часто встречается на его полотнах. Ассоциируется со свободным полетом творческой души. Картина «Попытка невозможного» (слайд 59) - это автопортрет художника, рисующего свою жену. Автор заканчивает писать руку обнаженной Жоржеты, стоящей перед ним. Художник фактически осознает, что под его кистью возникает не копия реальности, а новая реальность, словно это происходит во сне. Творец уподобляется Всевышнему, а творчество – богоподобному состоянию.

Испанский сюрреалист Сальвадор Дали поражал воображение зрителей своими автопортретами «Автопортрет с шеей Рафаэля»(слайд 60), «Африканские впечатления», «Автопортрет в обнаженном виде». Экстравагантностью натуры, гипертрофированным честолюбием, он создал почву для мифологизации собственной персоны. Художник образно отзывается о своем лице на автопортретах: «Это перчатка моего я». Картина «Дали рисующий со спины Гала …» (слайд 61)- воплощение идеи многомерного, стереоскопически объемного пространства с целью достижения иллюзии осязаемости. Эффект воздействия картины в картине. Художник и его модель смотрят друг на друга в зеркало, словно замкнувшись в трехмерном пространстве, а на самом деле наедине со своими мыслями и чувствами.

Одна из важнейших причин неразвитости автопортрета на раннем этапе истории новой русской живописи (за исключением великолепного автопортрета Матвеева ) заключается в положении художника в общественной системе, в условиях его существования и в особенностях социального самочувствия. Русский живописец в XVIII веке – как бы ремесленник, он несет на себе отпечаток средневековой концепции личности – корпоративной, далекой от идеи самовыражения. Иван Аргунов(слайд 62) и Семен Щедрин, – они держат палитру, ясно выявляя свою причастность к ремесленному цеху, а не к артистической среде. С палитрой изображали себя многие мастера XIX и XX веков, но там смысл профессионального атрибута был иным: он, наоборот, приобщал художника к числу избранных, ставил его во внесословную ситуацию, причислял, если можно так сказать, к артистическому сословию. В XVIII же веке художник выглядит скромным тружеником, не желающим соревноваться с теми, кого обычно пишет в портретах, и как бы всегда "знающим свое место".

Несколько слов об автопортрете Матвеева(слайд 63). Он написан после более чем десятилетнего обучения живописи в Голландии, несет в себе едва уловимые черты зарождающегося рококо, является вместе с тем зрелым созданием национальной живописной школы. Беспрецедентным в то время было изображение не государственного деятеля, а частного человека, более того, самого художника и его жены – Ирины Степановны, дочери кузнечного мастера.

Зато в русском романтизме автопортрет расцветает с необыкновенной силой. В автопортретах Кипренского можно прочесть очень многое. По ним составляешь представление о живописи начала XIX века, В нескольких произведениях сосредоточились главные тенденции развития русской портретной живописи начала столетия. Автопортреты Орловского, Брюллова служат одними из лучших образцов русской живописи 40-х годов. Орловский(слайд 64) не знал недостатка в костюмировке. Он сам, кстати, сочинял форму для разного рода войск и охотно одевал себя, в частности, в черкесский костюм – не ради того, чтобы придать изображению парадные формы, а ради героизации собственного образа. Такая героизация была своего рода костюмировкой, о чем свидетельствует и знаменитый графический автопортрет в красном плаще (1809). В целом русский автопортрет романтической поры тяготеет к пессимистической концепции. Об этом свидетельствуют и эволюция Кипренского, и заключительный акт всего романтизма – брюлловский автопортрет 1848 года(слайд 65)

Брюллов написал свой портрет во время тяжелой болезни, которая впоследствии оказалась смертельной. Но было бы ошибочным объяснять трагическое выражение «Автопортрета» лишь предчувствием близкой смерти. Брюллов как бы подводит здесь итог всей прожитой жизни.
Весь петербургский период его жизни (1836-1849) внешне, казалось бы, полный успехов и отмеченный шумной славой, в действительности был глубоко трагичен. Брюллов задыхался в мертвящей, казенной атмосфере николаевского Петербурга. Талант замечательного художника не находил себе достойного применения. Взамен свободного творчества Брюллову было предложено заниматься росписью Исаакиевского собора. Историческая картина «Осада Пскова», в которой Брюллов видел главное дело своей жизни, была поставлена под официальный надзор и неоднократно подвергалась коренной переработке. Она так и не была дописана до конца. Чувство горькой неудовлетворенности не покидало художника, тягостное ощущение зависимости сковывало его силы. Крушение его лучших замыслов и объясняет ту суровую безнадежность, ту трагическую патетику, которой проникнут «Автопортрет».
Любопытные сведения об этом произведении сообщает ученик Брюллова:
«Впоследствии я узнал от самого Брюллова, что он употребил на исполнение своего портрета два часа. Брюллов очень недолго был похож на этот портрет... Минутами я находил в нем большое сходство с оригиналом, но это сходство беспрестанно ускользало от меня и заменялось чем-то чужим».

В романтическую эпоху художник предостаточно занят собой, у него появляется возможность смотреть на себя в зеркало, не соразмеряя такое занятие с "общественно полезными" задачами. Даже "общественно обязанный" классицист Шебуев(66) забывает о строгих правилах и рисует себя в костюме XVII века рядом с гадалкой, предсказывающей ему судьбу. Правда, автора не покидает потребность в традиционной демонстративности. Рядом с романтизмом формируется направление, которое в зарубежном искусствознании получило наименование раннего реализма. В России оно представлено Тропининым(слайд 67), Венециановым, его учениками и художниками, близкими этому кругу. Они охотно писали автопортреты – просто, без затей, даже прозаично, деловито.

Если обратиться ко второй половине 19 века, то там мы найдем пример, который может быть поставлен рядом с вышеупомянутыми, – автопортрет Крамского(слайд 68) , собравший в себе важную проблематику искусства 60– 70-х годов. Разночинец, борец за правду, энергичный деятель, строгий судья, таким выглядит мастер на полотне. При этом автопортрет сохраняет деловой характер. Наиболее выразительны те работы, где Крамской обращен к зрителю. Его взгляд буравит вас, смотрит он исподлобья – строго, придирчиво, требовательно, с упреком. Почти все автопортреты – живописные и графические – имеют именно в этом пункте сходство. Строгий взгляд, присущий Крамскому еще с юношеских лет и не имевший тогда программного значения, позже превратился в формулу демократической требовательности.

Рубеж столетия снова дает расцвет автопортрета. И хотя он уже не концентрирует в себе основные тенденции историко-художественного процесса, как было в живописи раннего русского романтизма, эта вспышка оказалась весьма знаменательной. Она связана с новой системой художественного мышления, где роль самого художника стала огромной, тяга к самовыражению – небывалой, к индивидуальному творческому почерку – как никогда сильной.

Когда одним взглядом окидываешь развитие автопортрета на рубеже XIX –XX столетий, сразу же бросается в глаза его многогранность, многообразие форм, в которых художник представляется самому себе. Здесь нашли место самые различные варианты. Суровая придирчивость в самооценке – у раннего Серова(слайд 69) .Автопортреты Борисова-Мусатова, Нестерова(слайды 70, 71) Глубокое человеческое страдание, смешанное со сверхчеловеческой гордостью, – у позднего Врубеля(слайд 72) . Маска довольства – на лице Сомова, за которой скрывается надлом. Светская поза – в автопортрете Бакста. Мистическое самовидение – у Кузнецова. Мыслительная сосредоточенность – у Петрова-Водкина(слайд 73) . Везде автопортрет – факт самой истории живописи – и качеством, и характером образа. Для его оценки никакие переводы из одной области в другую не нужны. Автопортреты Репина, Сурикова (слайды 74, 75)
Тогда живописец может предстать перед нами в облике "великого художника" (Лентулов )(слайд 76), в качестве боксера, борца или гиревика (Машков и Кончаловский )(слайд 77 ), пароходчика или матроса (Машков или Татлин(слайд 78) , который на самом деле долго был матросом), солдата (Ларионов, который на самом деле был солдатом), скрипача (Лентулов), летящего над городом влюбленного (Шагал )(слайд 79).

При упоминании имени Кончаловского кто-то представит атлета с «Автопортрета Ильи Машкова с портретом Петра Кончаловского», кто-то вспомнит пушистые букеты сирени или пейзажи и натюрморты в стиле Сезанна. Его знают как художника-бунтаря, одного из основоположников общества «Бубновый валет », потрясавшего основы «традиционной живописи», и как реалиста, любимца советских вождей. Его кисти принадлежит известный «Автопортрет с женой» (слайд80)

Отщепенец, пролетарий умственного труда, бродяга, хулиган, безумец – таким часто оказывался художник или поэт в живописном, графическом или литера­турном автопортрете 1910-х годов

Многоликость авангардистского автопортрета соответствует сути новейшего искусства. Художник изображает себя все в новом и новом виде, как он изобретает все новые формы искусства. Отказываясь же от изобретения, он остается за бортом современного движения. Кроме того, автопортрет – это своеобразная декларация, творческая платформа. Обилие вариантов равно характерно и для той, и для другой сферы. Прямая аналогия пролегает на одной из самых характерных линий искусства русского авангарда. Да и не только русского.
Автопортрет в картине – обычное явление искусства со времен Средневековья и Ренессанса. Художник часто представлял себя в виде донатора, свидетеля того или иного события. Традиция эта хотя и модифицировалась в течение последующего времени, тем не менее сохранилась. В русском искусстве XIX века мы часто сталкиваемся с фактами включения автопортрета в картину.

Ге в "Тайной вечере "(слайд 81) представляет себя уже не свидетелем, а участником (апостол Петр). Он сам выступает как исторический персонаж, отстаивающий истину.

Для Федотова такой путь облегчен тем, что его творчество в сущности автопортретно. В серии сепий он не раз изображал себя. В поздние годы он не только уподобляет личную ситуацию ситуации своих героев ("Анкор, еще анкор"), но и ставит себя в положение центрального персонажа (в картине "Игроки")(слайд 82).

Автопортрет появляется вновь в живописи 1960-х годов, у советских художников т. н сурового стиля. В них поражает острый самоанализ, иногда беспощадная ирония, безжалостность приговора самому себе. Все это, однако, не исключает многоликости современного портрета, и философски осмысляющего жизнь, и сурово анализирующего ее, и выражающего лирическое, поэтическое чувство радости бытия О. Филатчев «Автопортрет в красной рубахе», «Автопортрет с матерью»(слайд 83). В автопортрете «Шинель отца» (слайд 84) Виктора Попкова мы видим пример тонкой художественной метафоры, соотнесение прошлого и будущего. У мастера множество автопортретов-картин: «Работа окончена» (1971), «Павел, Игорь и я», «Мать и сын » (слайд 85), «Ссора», «Приходите ко мне в гости» и пр. Язык этих картин символичен. В «Шинели отца» колорит тревожный, темно-зеленый с сине-лиловым; сложно нюансированный красный – в картине «Мать и сын».
Автопортрет был популярен среди женщин художниц (Артемизия Джантилески (слайд 86) , Розальба Каррьера, Элиза Виже-Лебрен(слайд 87) , позже Кете Кольвиц, Мари Лорансен, Берта Моризо(слайд 88) , Наталья Гончарова(слайд 89), Фрида Кало (слайд 90) и др.).

В истории искусств есть случаи, когда именно автопортрет давал художнику импульс для будущей популярности его работ. Так случилось с Зинаидой Серебряковой (слайды 91, 92, 93) .В 1910 году тогда совсем юная и никому не известная художница показала на выставке Союза русских художников свой автопортрет «За туалетом», пейзажи, портреты знакомых, этюды крестьян. Её работы очень понравились. Особенные восторги вызвал автопортрет.

Творческая и личная судьба З. Серебряковой была совсем нелегкой. Но свою душевную силу и оптимизм она сохраняла всегда. Так что в её автопортрете есть не только мастерство прекрасной художницы, но и её внутренний мир. Автопортреты Серебряковой и сейчас дарит ощущение оптимизма и радости жизни, так, как будто художница делится с нами своими духовными силами.

Тема автопортрета в мировом искусстве просто неисчерпаема. Интереснейшее явление – автопортреты, которые оставили знаменитые писатели. Например: или М. Волошин. Внимательному зрителю автопортреты могут сказать очень много, может быть, даже больше, чем биографии, письма и свидетельства современников.

Список использованной литературы:

1. Н. Калитина. Французский портрет 19 века. «Искусство»., Л. 1986

2. Сост. И. Мосин. Мастера Северного Возрождения. С-П., «Кристалл» 2006

3. Популярная художественная энциклопедия. М.,«Советская энциклопедия», 1986

4. В. Власов. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. Том1,С-П., Азбука-Классика., 2007

5. К. Егорова. Портрет в творчестве Рембрандта. М., Искусство.1975

6. Д. Сарабьянов. Русская живопись. Пробуждение памяти. М., Советский художник. 1976.

7. И. Антонова. Шедевры ГМИИ им. . М., Советский художник. 1985

8. Н. Никулин. Золотой век нидерландской живописи. М., Аст. 1999

Буйство селфи, возможно является вещью нового поколения, но автопортреты не являются чем-то новым. С Древнего Египта и до Ренессанса автопортреты украшали попытки художников на различных этапах их карьеры. Все это говорит о том, что концепция автопортрета, на самом деле, стала популярной в 15 веке и с тех пор, художники, начиная от любителей и до классических мастеров расписывали их в различных стилях и в различной степени точности.

Учитывая, что даже начинающий художник, а впоследствии диктатор Адольф Гитлер нарисовал автопортрет, можно с уверенностью сказать, что суть захвата - отнюдь не новое явление. Все это говорит о неоспоримой истине, что некоторые автопортреты помещены выше остальных. Это может быть по разным причинам, собственная слава художника, подлинность портрета или стиль, который был использован для создания модели.

Ниже перечислены 10 самых известных автопортретов.

Покинув мир медицины ради мира искусства в возрасте семнадцати лет, Фрида Кало, безусловно, оставила след в истории. Она нарисовала множество автопортретов или себя в различных жизненных аспектах, и каждый из них художественно красив и эмоционально привлекателен для аудитории. Но, пожалуй, одна из самых известных ее картин - автопортрет с терновым ожерельем и колибри.

Как и большинство ее известных картин, они включают в себя изображения, которые приносят психологическое и физиологическое ощущение боли. Решимость и боль, которые характеризуют ее жизнь через несчастные случаи и разводы, являются невидимой частью ее картин.

Нарисовав более 30 автопортретов на протяжении всей своей карьеры, Винсент Ван Гог коллекционировал автопортреты, которые признаны уникальными, индивидуальными и наверняка являются частью самых сливок художественного мира.

Автопортрет с перевязанным ухом - один из двух портретов, которые он сделал после отрезания правого уха, которое, по-видимому, стало левым в живописи, так как он использовал зеркало. Эта картина является составляющей списка не только из-за уникальности, но из-за истории позади нее.

Рембрандт нарисовал много портретов самого себя, но, пожалуй, самым известным является - автопортрет с с загнутым беретом. Он считается самым знаменитым автопортретом, так как является знаковым для показа его возраста.

Автопортреты Рембрандта гораздо более интересные произведения для изучения, когда дело доходит до света, он часто просил своих учеников копировать его автопортрет в форме практики и разрабатывать свой собственный стиль.

Известный четырьмя цветными рисунками, Энди Уорхол считается одним из величайших художников в эпоху поп-арта. Популярный зеленый, красный, синий, желтый сочетание печатные фотографии, видимые сегодня, могут быть приписаны ему.

Он сделал свой автопортрет в рамках этой серии, а также части других произведений. Но следует отметить, что его автопортрет в четырех цветах - одна из его самых известных работ.

Известный суровой реальностью, Дэвид Хокни создал множество автопортретов, которые отражают его как личность. Картины предназначены для того, чтобы продемонстрировать свои наблюдения, откровенные моменты и все неловкости, которые происходят с людьми.

Многие художники использовали зеркала как форму самовосприятия и использовали их, чтобы создать точный или идеалистический портрет самого себя - это отнюдь не новая идея. Способ, в котором Люсьен Фрейд использовал зеркала, особенно в его наиболее знаменитом автопортрете.

Он выглядит пугающим, так как на первом плане картины расположены двое детей, которые почти спрятались за ним.

Гюстав Курбе известен как художник-реалист. Его автопортрет, отель Le Desespere, на котором изображен молодой человек в отчаянии. С широко раскрытыми глазами и растрепанными волосами, в котором реализм в живописи приобретает новое измерение. Это одна из картин, которую Гюстав взял с собой, когда его отправили в ссылку.

Туринский автопортрет - единственный автопортрет Леонардо да Винчи, который удалось найти. Считается, что лицо желтого цвета связано с идеей возрождения человека. Независимо от сомнительного происхождения, эта картина остается одним из самых известных автопортретов.

Автопортрет Дюрера заставит всех зрителей сделать паузу и посмотреть на работу. Темный фон и темная одежда, черты лица и цвет кожи выделены. Художник несет большое сходство с Иисусом и большинство критиков предполагают, что это было сделано намеренно. Этот портрет был написан Альбрехтом Дюрером в ночь перед его 29-м днем рождения.

Критики по сей день спорят по поводу божественного сходства как формы идолопоклонства или как способа тонко указать на то, что талант Альбрехта был даром от Бога.

Создатель стиля, известного сегодня как импрессионизм, - Клод Оскар Моне. Моне страдал от катаракты и критики не могут решить, то ли портрет написан в стремлении запечатлеть его внешность или это всего лишь автопортрет в соответствии с веяниями времени.

Если вам не терпится осуществить свою мечту - научиться рисовать - то данная серия видеоуроков - то, что нужно для первого шага.

На протяжении многих веков люди упражнялись и достигали высот в изобразительном искусстве, перенося то, что видят глаза и чувствует душа, на камень и холст. Статуи царей и правителей, людей, живших в далёкой древности, гравюры, расписные стены, картины, даже наскальные рисунки возвращают нас в далёкое прошлое и позволяют впитывать знания, накопленные тысячелетиями. Подобные творения искусства помогают учёным восстанавливать историю нашего мира, больше познавать психологию человека и его развитие.

Искусство как часть жизни

Человеческая натура склонна к любознательности, нередко люди задаются многочисленными вопросами по поводу видов и жанров искусства. Многим хочется узнать новое, начиная от того, как зарождалось искусство, до ответов на вопросы «что такое автопортрет?» и «как создаётся скульптура?». Но начать следует с малого, находя ответы постепенно.

Виды изобразительного искусства

Среди видов художественного творчества различают:

• живопись;
• скульптуру;
• фотографию;
• графику;
• декоративно-прикладное искусство.

Жанры изобразительного искусства

В каждом виде искусства есть свои жанры, например портрет, пейзаж или Среди жанров также выделяют и другие: исторический, символический, аллегорический, мифологический, бытовой, батальный (военный), религиозный. Все эти виды искусства включают в себя многочисленные разновидности, к примеру в жанре пейзажа - маринистика, изображение моря. Портрет предполагает большое количество разновидностей: исторический, религиозный, костюмированный и автопортрет.

Автопортрет - загадка портретного жанра

Автопортрет - это не только жанр Он доступен и музыкантам, писателям, поэтам. Отвечая на вопрос, что такое автопортрет в искусстве, нужно понимать, что сам феномен этого жанра заключен в стремлении к самопознанию, взгляду со стороны на собственное «я». Практически в любой деятельности можно отобразить свою личность, что и будет относить работу к этому жанру. Сложно ответить на вопрос «что такое автопортрет?». Определение этого жанра не так однозначно, как кажется. Ответ на столь простой, но и одновременно с этим сложный вопрос заключается в поиске причины возникновения данного вида работ.

Автопортрет - это изображение автором самого себя. Вопреки общему мнению, это не только но также скульптуры, графики и фотографии. Зачастую авторы, изображая себя на холсте или высекая из камня, использовали зеркало, так было до появления и широкого распространения фотоаппаратов. После этого создавать автопортрет стало проще, достаточно было запечатлеть себя и работать по фотографии. Некоторые деятели решили не заходить так далеко и промежуточную стадию фотографирования тоже превратили в разновидность искусства.

Что такое автопортрет

Искусствоведы на протяжении долгого времени искали и изучали ответ на вопрос «что такое автопортрет?». Значение этого термина складывает из двух частей: «авто», что значит «автор», и «портрет» - изображение человека. Настоящие деятели искусства всегда вкладывают в свои работы душу, вдохновение, стремятся донести до публики не только зрительный образ, но и сами мысль и чувство. Как и говорилось ранее, автопортрет - это портрет, в котором изображают самих себя художники и скульптуры. Когда человек рисует самого себя, он пытается перенести на материал не только внешность, черты лица и сложение тела, он пытается подарить собственному изображению личность. Давно известно, что мы не воспринимаем своё отражение так, как видят его другие со стороны. Так и художник, и скульптор, оценивая себя с другой, более критичной стороны, изображает себя так, как видится ему. Этот факт даёт возможность не просто наслаждаться шедеврами известнейших творческих людей, но и оценивать работу с психологической точки зрения.

Виды автопортрета в живописи

В поисках ответа на вопрос, что такое автопортрет в живописи, обратимся к его разновидностям.

Вставным автопортретом называется работа, в которой художник помещает себя в группу людей на картине, зачастую не играя главную роль на ней.

В групповом художник рисует себя также среди нескольких людей, но они являются родственниками или друзьями, а сама работа создана для сохранения в памяти моментов жизни.

Символический автопортрет может быть выполнен в мифологическом или костюмированном. Автор картины добавляет черты своего лица персонажу истории или мифологии или же просто «переодевает» себя в другую одежду.

Естественный автопортрет наиболее приближен к оригиналу. На нём художник изображает себя в одиночестве в домашней или рабочей обстановке.

Естественный автопортрет также делится на несколько разновидностей:

• Профессиональный - художник изображает себя за работой в мастерской.
• Личностный - перенос автором на картину своего душевного состояния, стремление показать не внешний вид, а эмоции.
• Эротический.

Психология автопортрета

Автопортрет - это оценка художником своей личности. Первые работы такого жанра датируются 420-м годом до нашей эры, упоминание о них находили в истории Древней Греции и Египта. Но тогда авторы не индивидуализировали себя, они рисовали важные исторические события, а себя помещали на изображения как неотъемлемую часть истории. Зачастую это не встречало понимания зрителей. Так, скульптор Фидий в своё время изобразил себя среди участников в «Битве амазонок», что, как отметил после древнегреческий философ Плутарх, было крайней дерзостью. Наибольшую популярность это жанр приобрёл в эпоху Возрождения, но даже тогда создавать изображение самого себя считалось эксцентричным, ведь подобные работы в то время считались нарциссическими. Критики утверждали, что авторы увековечивали себя ради славы.

Творческая личность мыслит по-другому, поэтому верно будет утверждать, что с психологической точки зрения художник или скульптор отличается от остальных. В истории были художники, которые страдали неврологическими и психическими болезнями. Автопортреты, которые были сделаны ими, изучают до сих пор в поиске разгадки тайны личности.

В античном искусстве этим работам не придавалось большого значения, но в последующие века стала прослеживаться цель художников - оставить в памяти не только своё изображение, но и личные впечатления о тех временах. Например, когда наибольшее волнение у людей вызывала религия, авторы считали наиболее уместным изображать себя в покаянии, духовном стремлении, молитве.

В Ренессанс, период расцвета культуры, работы знаменитых мастеров стали обретать символические черты. Появилось в их трудах много драмы и душевных переживаний. Микеланджело подарил черты своего лица маске-коже, снятой с грешника, и отрубленной голове Голиафа.

Самые популярные автопортреты

Наверняка многим на ум приходят знаменитые автопортреты таких художников, как Леонардо да Винчи, Ван Гог или Фрида Кало. История изобразительного искусства насчитывает сотни авторов, которые оставили о себе память в живописи, написав собственные портреты. Альбрехт Дюрер стал одним из первых художников, выбравших жанр автопортрета как центральный в своей работе. Он написал 50 полотен со своим изображением. Однако отняла у него пальму первенства по количеству созданных автопортретов, на её счету их 55. Иногда к рекордсменам по написанию картин с собственным изображением относят Рембрандта. Его работ такого жанра насчитывается около 90 штук. Большая часть из них, однако, на самом деле выполнена другими художниками, а часть картин невообразимо маленьких размеров (самая мелкая из них - 17 на 20 см).

Итальянские Маззачо и Боттичелли включали собственные изображения в свои работы. Предполагают даже, что известная картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» тоже является автопортретом мастера, только в женском теле.

Скульптурных автопортретов насчитывают не так много, в основном их создание приходится на нынешнее время. Одними из считаются Марк Куинн, который создал серию скульптур, изображающих автора, и Коненков Сергей, чью работу можно увидеть в Третьяковской галерее.

Автопортрет - это не только создание себя из камня или посредством переноса красок на холст, но ещё жанр фотографии. Наиболее популярное название этого жанра знакомо многим - селфи или "фотография себя", сделанная с вытянутой руки или с помощью зеркала.

Лекция «Психотерапия в искусстве. Искусство в психотерапии» (часть первая)

Автопортреты велик людей искусства

В действенности арт-терапии уже никто не сомневается.

Терапия искусством считает, что создаваемые нами художественные образы отражают процессы, протекающие в бессознательном. Этот символический язык позволяет свободно выражать свои страхи, желания, внутренние конфликты, воспоминания детства, нереализованные мечты. Заново переживая их таким образом, мы получаем возможность исследовать их и экспериментировать с ними.

С помощью искусства глубинные переживания выражаются свободнее и легче, чем во время рациональной психотерапии.

АТ положительно влияет на лечение не только серьезных, психических расстройств, но так же становится неотъемлемой частью любых тренингов и семинаров по личностному росту.

Я хочу рассказать о роли автопортрет в психологии и развитии личности. И представить автопортретирование как метод психотерапии, в частности гештальттерапии.

АП является методом такого направления, как Маскотерапия, который был создан врачом - психиатром Гагиком Микаэловичем Назлояном.

За время существования метода специалисты помогли тысячам людей с такими расстройствами, как шизофрения, органические болезни головного мозга, эпилепсия, неврозы, реактивные состояния, психосоматические расстройства и другие.

Назлоян Г.М. применял этот метод в психиатрии, Кравченко С.А. успешно адаптировал маскотерапию к психологической диагностике, консультированию и психотерапии отдельной личности и группы людей, я к тому же вижу очень гармоничную адаптацию метода Автопортрета в гештальттерапии.

Сначала немного истории Автопортрета:

Автопортрет - совершенно особый творческий продукт. Будь он завершен или же виде набросков, АП всегда вызывает особый интерес у исследователей творчества.

Серия автопортретов написанных в разные годы, может составить впечатление о жизни художника, отразить важные вехи и поворотные моменты. Они становятся своеобразными мемуарами.

Такой жанр как автопортрет появляется лишь в 16-м веке. Художники смогли не только изображать религиозные сюжеты но и запечатлевать свое собственное лицо и отражать на автопортретах свои глубинные переживания.

Сама потребность создавать собственные портреты, это возможность овладения собственной биографией, жизнью, судьбой.

Первым в истории германской (а по большому счету — и всей европейской) живописи Альбрехт Дюрер начал писать автопортреты. Рассмотренные в хронологической последовательности, они составляют уникальную историю человеческого познания себя, природы и Бога.

Альбрехт Дюрер (1471-1528) писал свои автопортреты с самой юности.

Один из самых ранних был написан в 13 лет, позже была сделана приписка: «Таким я нарисовал себя по зеркалу в 1484г., когда был еще ребенком». 13-летний Дюрер не мог видеть никаких образцов, как не мог предполагать, что когда-то именно благодаря ему в европейском искусстве утвердится такой жанр — автопортрет.

С интересом естествоиспытателя, столь характерным для эпохи Ренессанса, Альбрехт просто фиксировал заинтересовавший его объект — собственное лицо — и не пытался себя украсить, героизировать или принарядить (как станет поступать, повзрослев).

В юношеских портретах искусствоведы прочитывают «озабоченность, взволнованность, неуверенность в себе». В них уже очевидна эмоциональная особенность, которая сохранится и во всех дальнейших автопортретах художника: ни на одном из них он не изобразил себя радостным или хотя бы с тенью с улыбки. Отчасти это было данью живописной традиции (в средневековой живописи никто не смеется), отчасти же отражало характер самого Дюрера.

В данном случае, заинтересованность в самом себе, поиск своего отражение и сущности в зеркале характеризует дальнейшее творчество Дюрера: его новаторство и неординарность техник, психологизм и индивидуальность его портретов.

«Автопортрет с остролистом» Это первый из автортретов Дюрера, написанных маслом. Всего их известно три: первый — луврский, второй хранится в Прадо (Мадрид), а третий и самый знаменитый — в Старой пинакотеке Мюнхена.

Дюреру здесь 22 года. Впервые в автопортрете его задачей оказывается не познать самого себя, а показать себя другим, как бы «предъявить» свои внешность и личность миру.

«Дюрер великолепный»: автопортрет из «Прадо» «Это я писал с самого себя. Мне было 26 лет. Альбрехт Дюрер». Между двумя автопортретами — этим и предыдущим — прошло всего пять лет, и это были очень важные годы в биографии Дюрера.

В эти пять лет Дюрер не только женился, но и прославился, не только возмужал, но и успел осознать себя большим художником,

универсальной личностью, для которой стали тесны рамки родного города, так как теперь Дюреру нужен весь мир. В этом автопортрете из Прадо, в самом взгляде Дюрера, в его спокойной и уверенной позе и в том, как его руки опираются на парапет, ощущается особое, осознанное достоинство.

Новый автопортрет — это своего рода декларация, что Дюрер больше не ремесленник (а в родном Нюрнберге художников всё еще продолжают считать представителями ремесленного сословия) — он художник, а значит, божий избранник.

Дюрер больше не согласен считает себя ремесленником-провинциалом, ограниченным условностями времени и пространства.

Автопортрет в одежде, отделанной мехом («Автопортрет в возрасте 28-ми лет», «Автопортрет в шубе»).

Эту же тенденцию рассматривать художника не как простого ремесленника, а как универсальную личность, Дюрер доводит до логического предела в картине, которая впоследствии станет самым знаменитым из его автопортретов.

Мелкими буковками сделана надпись: „Таким нарисовал себя я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, в возрасте 28 лет вечными красками“».

Впервые Дюрер изображает себя не в трехчетвертном развороте, а строго фронтально — так не принято было писать светские портреты, только святых.

Рисунок Дюрера с запрокинутой головой мёртвого Иисуса некоторые небезосновательно считаютавтопортетом.

Рассказывают, в «возрасте Христа» или около того Дюрер очень сильно заболел и был при смерти. Несколько дней его трясла лихорадка, Дюрер лежал измождённый, с пересохшими губами и запавшими глазами.

В тот момент все думали, что набожный художник пошлёт за священником. Но он потребовал принести небольшое зеркало, поставил его себе на грудь и, едва-едва находя силы приподнимать голову, долго всматривался в своё отражение. Это напугало близких Дюрера: возможно, они подумали, что под влиянием болезни он помешался, ибо никому еще не приходило в голову на смертном одре любоваться собою в зеркале. Когда Дюрер поправился, на основании увиденного он сделал этот рисунок.

Фрида Кало

Автор стремится проанализировать и осмыслить свое прошлое, понять значимость тех или иных событий - и делать это не для трансляции миру, а именно для себя. Примером такого типа жизнеописания служат многочисленные автопортреты Фриды Кало (1907-1954). В этих работах отражено творческое понимание и переживание своего жизненного опыта.

Фрида Кало не только яркая художница, большинство работ которой - автопортреты, но и первая латиноамериканка, ставшая завсегдатаем кабинетов психоаналитиков.

Как в этой удивительной женщине уживалась боль и красота, так и на ее картинах, которые, как правило, посвящены событиям жизни художницы, реальность переплетена с символами.

Ее автопортреты, описание удивительной и сложной жизни, в которое художница вкладывала все многообразие своих переживаний и противоречий.

Рисовать она начала в 18 лет, после того как попала в жуткую аварию. Ее тело было сильно разбито: поврежден позвоночник, сломаны тазовые кости, ключица, ребра, только на одной ноге было одиннадцать переломов. Жизнь Фриды весела на волоске, но юная девушка смогла победить, и в этом, как ни странно, ей помогло рисование. Ещё в больничной палате перед ней ставили большое зеркало и Фрида рисовала себя.

Практически на всех автопортретах Фрида Кало изображала себя серьёзной, мрачной, словно застывшей и холодной с суровым непроницаемым лицом, однако все эмоции и душевные переживания художницы можно почувствовать в окружающих её деталях и фигурах. Каждая из картин хранит в себе те чувства, которые переживала Фрида в определенный момент времени.

С помощью автопортрета она словно пыталась разобраться в себе, раскрыть свой внутренний мир, освободиться от бушевавших внутри неё страстей.

Фрида терзалась постоянными и сильнейшими болями практически всю свою жизнь. И это переживание символично воплощено в ее автопортретах.

Понимание себя, детальный анализ своего тела и судьбы, метко и лаконичны переданы в фоне ее картин.

В автопортретах проносится вся жизнь - катастрофа на дороге, годы больниц, замужество с Диего Ривера, увлеченность творческим осмысление своей судьбы, исследование самой себя, переживания измен мужа, значимые встречи, невозможность иметь детей, все более и более сложные операции, обреченность постоянно быть в клетке корсета, страсть, поглощенность красотой. Насыщенность жизненными событиями, сильнейшими эмоциональными переживаниями передана в многогранной серии автопортретов - отражении судьбы Фриды Кало.

Винсент Ван Гог

Многочисленны автопортрета Винсента Ван Гога. Кроме «харизматичного» автопортрета с отрезанным ухом, художник оставил более двух десятков собственных портретов, каждый из которых характерен именно для определенного периода жизни автора и отражает течение душевной болезни.

Прежде всего, хотелось бы отметить некоторую «зацикленность» этих работ. Ван Гог упорно обращается к одним и тем же ракурса - полупрофиль с правой или левой стороны, и одним и тем же аксессуарам - шляпа и трубка.

Возможно, этот факт сопоставим с письмами Ван Гога к брату Тео, в которых он жалуется на предчувствие происходящих перемен в себе, страшится наступающей болезни. И в этом смысле его автопортреты - то есть фиксирование своего образа на неком носителе - служило своеобразном средством связи с реальностью, удерживало художника, не давало разрушиться его представлениям о самом себе.

Ван Гог Автопортреты
Ведь именно на фоне незначительных, вроде бы, со стороны, атрибутов складывается жизнь, а память использует их как ориентиры или зацепочки. И описывая кому-либо незнакомого человека, мы характеризуем его с помощью его привычек, мелочей вроде трубки или предпочтения шляп другим головным уборам.

Винсент Ван Гог Автопортреты
Так и Ван Гог на грани безумия, осознавая свою болезнь, стремится не потерять хотя бы себя, со своими привычками и особенностями. Он сохраняет в автопортретах свои привычки и те черточки, по которым можно было бы судить о нем.

Ясперс, резюмируя свой анализ творчества Ван Гога, пишет: «Граница развития приходится на начало 1888 года, что совпадает с началом психоза. Работы, оказавшие столь большое влияние на нас и на наше время, относятся к 1888—1890 годам. В это время было написано больше картин, чем во все предшествующие годы» . Но за эти годы было написано и самое большое количество автопортретов.

Почему именно в кризисные моменты страха перед надвигающимся помешательством художник обращается к изображению себя? Вероятный ответ - в стремлении утвердить свою здоровую, контролируемую и настоящую сущность. Ван Гог боялся потеряться в болезни, потерять образ своего «Я». Сравнивая свои автопортреты, он успокаивается их сходством. В его руках оказывается иллюзия владения своим рассудком и самим собой.
«В общем, моя работа принадлежит тебе. - пишет он брату. - Я вложил в нее мою жизнь, и половина моего рассудка ушла в нее…». Но он держит в руках свой автопортрет и может ощущать себя целым, единым, не разрушенным.

А.С. Пушкин

Особое место в рисунках Пушкина занимают его автопортреты. «Он сделал с себя в три раза больше изображений, чем все его современники, вместе взятые», - отмечал Эфрос (более 60 автопортретов).

А.М. Эфрос подходил к автопортретам Пушкина как «автобиографии в рисунках»
«Его внимание к своему облику было настойчиво, и оно полно огромного смысла», считал критик

Так, Эфрос выделял два вида пушкинских автопортретов - во время работы над своим внешним обликом (к нему относятся изображения себя с усами, без усов, с бакенбардами, которые затем появлялись в наружности поэта несколькими годами позже) либо - внутренним миром.

По мнению Эфроса, «автопортреты Пушкина имеют огромную документальную ценность. Это наиболее надёжные свидетельства примет и особенностей пушкинского облика». Соглашается с Эфросом и Лия Певзнер, полагавшая, что портретные рисунки самого Пушкина - «не просто документ минувшего», но и «часть биографии поэта»

Анализ автопортретной графики поэта у критика неизменно сопряжён с тщательным исследованием его биографии, скрупулезной работой с архивными данными.

Эфрос не просто сопоставляет самоизображения гения с содержанием созданных рядом с ними строк, но изучает сам жизненный период поэта и связанные с ним настроения и, лишь отталкиваясь от этого, делает попытку психологического объяснения появления автопортрета и его графических особенностей, весьма удачную.

Так, в ходе своего исследования, он выясняет, что первое пушкинское изображение себя возникает не ранее, как «с роковой даты, с 1820 года, принёсшего ему первую катастрофу». Таким образом, до своей первой ссылки.

Пушкин, изображавший многочисленные профили актрис, гвардейцев и сотоварищей, не запечатлевает собственную наружность.

Внимание к внешнему миру преобладало над вниманием к себе. Настойчивая мысль о себе появляется в период южной ссылки, когда поэт «стал для себя главным предметом волнений».

Этот настойчивый интерес к собственной личности продолжается вплоть до 1831 года, до женитьбы поэта и, по мнению Эфроса, является по сути дела «графической исповедью» и эти самоизображения всегда «сугубо интимны» .

За автопортретированием стоит желание повлиять на реальность, историю своей жизни и особенности своего внутреннего мира.

Литература:

1. Вчерашняя Анна Дюрер: Автопортреты, как познание человека
2. Статья Автопортреты А.С. Пушкина в критике А.М. Эфроса
3. Эфрос А.М. Автопортреты Пушкина
4. Эфрос А.М. Мастера разных эпох.
5. Шалина О. С. Взаимосвязь самооценки и переживания зеркального образа

Это вступительная часть лекции «Психотерапия в искусстве. Искусство в психотерапии»

портрет, в котором художник изображает сам себя, обычно используя для этого зеркало. Особенность автопортрета прежде всего в том, что он «говорит» со зрителем от первого лица – о времени и о себе; это монолог художника: сокровенная исповедь или активное утверждение своего творческого кредо, самоирония или спокойное повествование. Предание об одном из первых автопортретных изображений дошло до нас из античности: древнегреческого скульптора Фидия обвинили в кощунстве за то, что он посмел изобразить себя в виде бога в рельефной сцене битвы с амазонками на щите статуи Афины. Известны лишь единичные примеры скульптурных автопортретов (автопортрет чешского архитектора и скульптора П. Парлера в соборе Св. Вита в Праге, 14 в.). Подавляющее большинство автопортретных изображений – живописные или графические произведения.

Эпоха Возрождения – время пробуждения личностного самосознания – стала временем рождения портрета (а вместе с ним и автопортрета) как самостоятельного жанра. Для Раннего Возрождения характерны в основном «скрытые автопортреты» в композициях на темы Священной истории или мифологии (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли). В пестрой толпе людей, изображенных в их картинах, выделяется один, пристально смотрящий прямо на зрителя, – это сам художник, участник и свидетель события. Идеал прекрасной и гармонической личности в «Автопортрете» Рафаэля (1510), безграничное могущество мысли в графическом «Автопортрете» Леонардо да Винчи (1514) – таковы ключевые образы Высокого Возрождения. Позднее Возрождение – время утраты светлых идеалов – рождает образы могучие и трагические (автопортрет Микеланджело в «Страшном суде» на стене Сикстинской капеллы, 1535–41), зыбкие и изменчивые («Автопортрет в выпуклом зеркале» Пармиджанино, ок. 1524 г.) и откровенно эпатажные («Медуза» Караваджо, 1598–99, где художник придает автопортретные черты отрубленной голове Горгоны). Мастера Северного Возрождения часто «зашифровывают» свои автопортретные изображения. В «Чете Арнольфини» Яна ван Эйка фигура художника едва видна в выпуклом зеркале, висящем на стене. Ниже – надпись: «Здесь был ван Эйк». Великий немецкий мастер А. Дюрер одним из первых создал целую галерею автопортретов (самый известный, 1500 г., написан в иконографии образов Христа).

В 17 в. появляется новая автопортретная тема – художник за работой («Мастерская художника», или «Аллегория живописи», Я. Вермера Делфтского, ок. 1675). В «Менинах» Веласкеса (1656) эта тема перерастает в подлинный гимн живописи, ее безграничным возможностям. Сокровенными беседами с самим собой стали автопортреты для Рембрандта, создавшего более 100 своих изображений. Стремление познать душу человека в ее динамике, изменчивости унаследовали от Рембрандта и развили в своем искусстве мастера романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа, О. А. Кипренский, К. П. Брюллов). Автопортретное начало пронизывает творчество П. А. Федотова. Черты художника можно узнать в героях многих его картин и рисунков. Автопортреты передвижников (В. Г. Перова, И. Н. Крамского) властно взывают к гражданской совести зрителя. Рубеж 19–20 вв. – время яркого расцвета автопортрета. Работы М. А. Врубеля, В. А. Серова, М. В. Нестерова, И. И. Машкова, К. С. Малевича и др. отражают сложную картину художественной жизни этого времени, напряженные поиски нового живописного языка, созвучного эпохе.