Словосочетание «Русский импрессионизм» еще только год назад резало слух среднестатистическому гражданину нашей необъятной страны. Каждый образованный человек знает про легкий, светлый и стремительный французский импрессионизм, может отличить Моне от Мане и узнать из всех натюрмортов подсолнухи Ван Гога. Кто-то что-то слышал про американскую ветвь развития этого направления живописи – более урбанистические по сравнению с французскими пейзажи Гассама и портретные изображения Чейза. Но о существовании русского импрессионизма исследователи спорят по сей день.

Константин Коровин

История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…». Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».

Портрет хористки, 1883

Северная идиллия, 1886

Черемуха, 1912

Гурзуф 2, 1915

Пристань в Гурзуфе, 1914

Париж, 1933

Валентин Серов

Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.

Открытое окно. Сирень, 1886

Площадь Св. Марка в Венеции, 1887

Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)

Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896

Девушка, освещенная солнцем, 1888

Купание лошади, 1905

Александр Герасимов

Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.

Художники на даче у Сталина, 1951

Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е

После дождя. Мокрая терраса, 1935

Натюрморт. Полевой букет, 1952

Игорь Грабарь

В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.

Березовая аллея, 1940

Зимний пейзаж, 1954

Иней, 1905

Груши на синей скатерти, 1915

Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901

Юрий Пименов

Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.

Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то для себя среди чувственных портретов Серова, урбанистики Пименова и нетипичных для Кустодиева пейзажей.

Новая Москва

Лирическое новоселье, 1965

Костюмерная Большого театра, 1972

Раннее утро в Москве, 1961

Париж. Улица Сен-Доминик. 1958

Стюардесса, 1964

Возможно, для большинства людей до сих пор фамилии Коровин, Серов, Герасимов и Пименов не связаны определенным стилем искусства, но открывшийся в мае 2016 года в Москве Музей русского импрессионизма все же собрал произведения этих художников под одной крышей.

Алексей Зайцев - один из ярких представителей импрессионизма . Работы этого современного художника хорошо известны не только в России, но и за рубежом. Мастер пишет маслом, щедро накладывая мазки, но картины получаются легкими и солнечными. Пожалуй, в этом и таится секрет очарования его полотен.

Алексей Зайцев родом из Рязани. Любовь к живописи развивалась у него с детства - родная тетя Алексея была заслуженным художником союза, она с удовольствием знакомила племянника с миром искусства. Быть может, детские наблюдения за тем, как рождаются картины, и стали отправной точкой для творческих исканий будущего художника.

Решив связать свою жизнь с изобразительным искусством, Алексей поступает в московский университет и получает образование по специальности "книжный график". Профессиональным иллюстратором он так и не стал, но знания и навыки, полученные в вузе, позволили Алексею Зайцеву развивать свой художественный талант.

Отличительная черта в характере Алексея Зацева - беззаветная любовь к Родине. Путешествуя по Москве и пригородам, он с упоением наблюдает за повседневной жизнью простых людей, часто делает наброски на пленэре, а после, вернувшись в мастерскую, дорабатывает изображения. Художнику одинаково хорошо удаются и урбанистические зарисовки, и природные пейзажи, и жанровые сценки. Все дышит жизнью, полно красок. Художник мастерски сочетает работу мастихином и прорисовку деталей кистью, в результате картины не теряют утонченности, но приобретают особую насыщенность цветовой гаммы.

фактурная живопись Дмитрия Кустановича , петербургского художника, чьи работы также любимы во всем мире.

Жирные мазки, яркие цвета, бытовые сцены жизни, откровенные позы и, самое главное, точное описание света... Лишь малая толика характеристик одного из самых популярных художественных направлений. Импрессионизм появился во Франции в середине 19 века. До его возникновения натюрморты, портреты и даже пейзажи авторы обычно создавали в своих студиях. Первые импрессионисты сломали традиционные каноны и буквально вышли в поля - стали творить на открытом воздухе, захватывая реалистичные сцены современной им жизни. Хотя первоначально импрессионизм сильно критиковали, вскоре он привел к аналогичному направлению в музыке и литературе. Предлагаем полюбоваться самыми известными картинами этого революционного движения в искусстве.

Бар в «Фоли-Бержер», Эдуард Мане, 1882

Последняя крупная работа Мане и просто величайшее произведение искусства. На полотне изображено знаменитое кабаре Парижа, которое часто посещал сам художник. Чтобы передать атмосферу того периода и сделать сцену более сложной, он изобразил на заднем плане зеркало, в котором отражается огромное количество людей, заполняющих помещение. Напротив толпы и зрителя, на контрасте, за стойкой стоит поглощенная собственными мыслями, одинокая буфетчица. Один из исследователей творчества Мане отмечает, что апельсины на картине - прямое доказательство того, что речь идет о проститутке. Дата и подпись самого Мане отображена на этикетке одной из бутылок, которая стоит в нижнем левом углу.

Серию «Кувшинки» Клода Моне профессионалы называют не иначе как «Сикстинской капеллой импрессионизма». Цикл состоит из приблизительно 250 картин, которые были созданы художником в течение последних тридцати лет жизни на участке его дома в Живерни. Сегодня они выставлены в музеях по всему мире. Поразительно, что большую их часть Моне написал, когда страдал от катаракты глаза и потерял левый хрусталик.

Бал в Мулен де ла Галетт, Пьер Огюст Ренуар, 1876

Знаменитый шедевр импрессионизма историки живописи нередко характеризуют как «самое красивое художественное полотно 19 века». Картина изображает типичный воскресный день в Мулен де ла Галетт на Монмартре. Под открытым небом Ренуар изобразил танцпол и кафе рядом со своим домом - художнику нравилось наблюдать за счастливыми грациозными парами. Для него это была идеальная обстановка для творчества. «Бал в Мулен де ла Галетт» - искусный групповой портрет, натюрморт и пейзаж одновременно. К тому же это и самая амбициозная работа Ренуара: никогда прежде художник не изображал аспекты повседневной жизни на холсте такого масштаба - 131х175 см. Уменьшения версия картины входит в десятку самых дорогих проданных произведений искусства.

Впечатление. Восходящее солнце, Клод Моне, 1872

Знаковая картина, которая дала имя всему художественному течению (от французского impression - «впечатление») и стала его квинтэссенцией. Изначально полотно, созданное Моне в порту Гавра, разнесли в пух и прах критики, а термин «импрессионизм» возник в сатирическом обзоре журналиста Луи Леруа, который написал: «Обои, и те смотрелись бы закончено, не то что это «Впечатление»!» Интересная деталь: если вы сделаете черно-белую копию этого произведения, то солнце исчезнет почти полностью.

Завтрак на траве, Эдуард Мане, 1862-1863

Сцену, изображающую обнаженную женщину, которая обедает с двумя полностью одетыми мужчинами, изначально посчитали оскорблением - художника обвинили в декадентстве и плохом вкусе. Картину не допустили до участия в Парижском салоне. Это было действительно смелое заявление в пользу свободы личности художника.

Парижская улица в дождливый день, Гюстав Кайботт, 1877

Считается одним из самых прославленных произведений о городской жизни в 19 веке. На картине изображена площадь Дублина вблизи ее пересечения с улицей Москвы около парижского вокзала Сен-Лазар. Столб фонаря и линия горизонта как бы делят картину на четыре квадранта. Все люди здесь движутся в разных направлениях, как бы подчеркивая их безличность, изолированность, одиночество в развивающемся городе. К тому же Кайботт мастерски передает ощущение дождя с помощью освещения и отсутствия сильных теней на улице.

Завтрак гребцов, Пьер Огюст Ренуар

Завтрак гребцов, Пьер Огюст Ренуар, 1880-1881

Романтизированный портрет друзей Ренуара, наслаждающихся вечером на балконе вдоль реки Сены. Среди людей на картине можно заметить и будущую жену автора (натурщица Алина Шариго - дама с собачкой), и другого известного импрессиониста - Гюстава Кайботта (справа в соломенной шляпе). Картина представляет изменяющийся характер французского общества в конце 19 века в результате промышленной революции.

Мост Буальдье в Руане в дождливый день, Камиль Писарро, 1896

Эта знаменитая картина Дега - художественное представление о социальной изоляции в Париже во время стадии бурного роста. На картине изображена женщина, которая безразлично смотрит на стакан абсента перед собой, причем, явно не первый. Рядом с ней сидит человек, который выглядит как алкоголик. В действительности, роли «униженных и оскорбленных» героев исполнили художник Марселен Дебутен и актриса Эллен Андре. Поначалу критиков шокировала атмосфера деградации и упадничества, царящая на полотне. А некоторые усмотрели в этом предупреждение от чрезмерного употребления алкоголя.

Паркетчики, Гюстав Кайботт, 1875

Одна из первых картин, изображающая городской рабочий класс. Кайботт иллюстрирует неизменный интерес к повседневной жизни. Обратите внимание, как точно художник уловил свет, пробивающийся через окно, и тени. Картина реалистична, как фотография, но, тем не менее, была отвергнута самыми престижными художественными выставками и салонами: изображение полуобнаженных мужчин из рабочего класса было сочтено «вульгарным предметом».

Импрессионизм зачастую рассматривается именно как направление в живописи, зародившееся в XIX веке во Франции. Импрессионизм привнес в двойную революцию, которая одновременно отражается в видении мира и живописной технике. Он показывает живопись движущейся, эфемерной, ускользающей, делая акцент на уходящее мгновение в настоящем времени. Кроме того, импрессионизму свойственен свет, прикосновение, а также цветная вибрация.

Ярких представителей современного импрессионизма в живописи много, но в данной публикации мы сосредоточимся на четырех художниках - Andre Kohn (Россия), Laurent Parcelier (Франция), Diane Leonard и Karen Tarlton (США) - каждый из которых владеет уникальной техникой в живописи.

Andre Kohn - выходец из Волгограда, Российская Федерация. С 15 лет занялся серьезным изучением живописи под руководством Натальи Гавриченко и Анатолия Врубеля. Так как художник заслужил высокой похвалы в масляной живописи со стороны западных коллег, он мигрировал в Америку. На данный момент живет с семьей в Фениксе. Картины художника находятся в корпоративных, музейных и частных коллекциях Европы, Канады, США, Японии, Австралии и России.

Андре Кон является признанным лидером в области современного импрессионизма. Благодаря зрелому и свежему образному стилю, он всегда творит необычное из обычного. Предметы художника интерпретируются через поэзию движения. На американской арене импрессионист Andre Kohn считается одним из самых интересных фигур.

Современный французский импрессионизм в живописи Laurent Parcelier

Laurent Parcelier - маэстро акварели, современный французский импрессионист. Характерным в творчестве Порцельера является чистая и яркая манера передачи тех мест, где побывал сам художник. художника блистает светом, яркостью, импрессией. Авторские мазки и тона присущие только ему одному.

Современный американский импрессионизм в живописи Diane Leonard

Диана Леонард принадлежит к тем художникам, которые обрели мгновенную популярность. Начала творить с 20-летнего возраста и практически сразу ее талант оценили эксперты в области современной живописи. Diane Leonard - заслуженный на родине художник-импрессионист, а кроме того еще и писатель по совместительству. Полотна художницы скажут все сами за себя. Приятного просмотра!

Современный художник-импрессионист Karen Tarlton

Karen Tarlton в одном из личных интервью говорила о себе, как об универсальном художнике, работающем в жанре импрессионизм. По ее же словам, сильной стороной художницы является пленэрная живопись. Инструментом в создании авторских красочных полотен выступает , а вместе с ним и богатая цветовая палитра. В своих картинах Karen Tarlton всеми силами пытается вдохновить и порадовать зрителя сочетанием света, цвета и текстуры.

Карен - действующий специалист в импрессионистской живописи мастихином. Зачастую рисует пейзажи и портреты. На сегодняшний день живет и работает на Манхэттен-Бич, штат Калифорния.

Импрессионизм – направление в искусстве конца 19 – начала 20 века. Родиной нового направления живописи является Франция. Естественность, новые методы передачи реальности, идеи стиля привлекли художников из стран Европы и Америки.

Импрессионизм развивался в живописи, музыке, литературе, благодаря известным мастерам – например, Клоду Моне и Камилю Писсарро. Художественные приемы, использованные для написания картин, делают полотна узнаваемыми, самобытными.

Впечатление

Термин «импрессионизм» изначально имел пренебрежительный оттенок. Критики применяли это понятие для обозначения творчества представителей стиля. Впервые понятие появилось в журнале «Le Charivari» — в фельетоне о «Салоне отверженных» «Выставка импрессионистов». Основой стала работа Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Постепенно термин прижился в среде живописцев и приобрел другой оттенок. Суть понятия сама по себе не имеет конкретного смысла или содержания. Исследователи отмечают, что методы, используемые Клодом Моне и другими импрессионистами, имели место в творчестве Веласкеса и Тициана.