1.2 Музыка серебряного века

Вслед за блестящим расцветом в 1870-е годы творчества композиторов «Могучей кучки» и Чайковского русская музыка в конце XIX в. вступает в новый период своего развития. В ней, наряду с продолжением сложившихся традиций национальной композиторской школы, заметно начинают проявляться особенности, вызванные новыми условиями общественной жизни России на рубеже веков. В музыкальное искусство входят новые темы и образы. Становится характерным перемещение главного интереса с широкой социальной проблематики в область отражения внутреннего мира человеческой личности. Даже образы народного быта, эпоса, истории, родной природы принимают лирическую окраску. Многое соприкасается здесь с общими процессами развития отечественной художественной культуры той поры. Утверждение прекрасного, неприязнь ко всему грубому, обывательскому пронизывают собой творчество многих русских писателей, художников, например Чехова, Левитана. Красота природы, человеческого сердца, право человека на счастье – ведущие темы и в русской музыке этого периода. В ней, как и в смежных искусствах, усиливается интерес к воплощению философских проблем, философских размышлений о жизни, возрастает роль интеллектуального начала, проявляются тенденции к синтезу с другими искусствами.

Атмосфера революционного подъема с ее острыми контрастами, напряженное ожидание перемен вызывают к жизни образы весеннего пробуждения и героического устремления в будущее, бурного протеста и утверждения человеческой воли. Особенно сильно звучат они в музыке Скрябина, Рахманинова. Прямым откликом на революцию 1905 г. является создание оркестровых пьес на темы русских революционных песен – «Дубинушка» (Римский-Корсаков) и «Эй, ухнем!» (Глазунов).

Однако наиболее непосредственное отражение революционный подъем, революционное движение получили в народном творчестве, в русской революционной песне, которая стала могучим средством сплочения масс. Изменяется и значение отдельных музыкальных жанров в творчестве композиторов. Многие из них отдают предпочтение инструментальной музыке, часто внепрограммной (отсутствие связи музыки с конкретным текстом давало им большую свободу в выражении своих мыслей и чувств). Серьезное внимание уделяется вопросам усовершенствования профессиональной техники, мастерства, разработке средств музыкальной выразительности. Музыкальное искусство обогащается яркими достижениями в области мелодики, гармонии, полифонии, фортепианного и оркестрового колорита.

Обострившаяся в литературе и искусстве того времени борьба различных направлений сказалась и на развитии русской музыки. В творчестве некоторых композиторов усвоение классических традиций сочеталось с воздействием модернистских тенденции, ясно обозначившихся за рубежом и проникавших в художественную жизнь России начала века. В музыке это выражалось в обращении к миру узких, индивидуалистических переживаний, а в соответствии с этим в излишней усложненности музыкального языка, в одностороннем развитии какого-либо одного из средств музыкальной выразительности. Правда, в творчестве ведущих композиторов эпохи эти тенденции никогда не становились господствующими и не создавали существенных преград общему развитию русской музыкальной классики.

Серебряный век в литературе и музыке был в одном направлении. Основной темой был человек. Жизнь, внутренний мир, мысли и деяния человека. В литературе и музыке появляются различные течения, которые имеют свою особенность выражения чувств и страстей. Появляются новые поэты, писатели и композиторы. Все они вносят в Серебряный век много нового и интересного, для будущего и настоящего.

2. А.А. Блок и А.Н. Скрябин великие творцы Серебряного века

2.1 А.А. Блок – символист

Символизм – одно из художественных течений серебряного века, которого придерживались многие поэты. Говоря о символизме, необходимо отметить, что он обратился к вечным идеям, важным для человека. Из всех поэтов-символистов ближе всего мне творчество Александра Блока. Я считаю его одним из ярчайших представителей Серебряного века.

Блок – выдающееся явление в русской поэзии. Это один из наиболее замечательных поэтов-символистов. От символизма он не отступал никогда: ни в юношеских стихах, полных туманов и грез, ни в более зрелых произведениях. Литературное наследие Александра Блока обширно и многообразно. Оно стало частью нашей культуры и жизни, помогающей понять истоки духовных исканий, понять прошлое.

Александр Блок (Александр Александрович Блок, 28 ноября 1880 г. – 7 августа 1921 г.), был возможно самым одаренным лирическим поэтом, рожденным в России после Александра Пушкина. Блок родился в Санкт-Петербурге, в интеллектуальной семье. Некоторые из его родственников были писателями, его отец был профессором права в Варшаве, а его дедушка по материнской линии, ректором Санкт-Петербургского государственного университета. После развода его родителей Блок жил с аристократическими родственниками в поместье Шахматово около Москвы, где он узнал философию его дяди Владимира Соловьева, и стихи тогда неизвестных поэтов 19-ого столетия, Федора Тютчева и Афанасия Фета. Эти влияния были отражены в его раннем творчестве, позже собраны в книге Ante Lucem.

Он влюбился в Любовь (Любу) Менделееву (дочь великого химика) и женился на ней в 1903 году. Позже, она вовлекла его в сложные отношения ненависти и любви с его другом, символистом, Андреем Белым. Любе он посвятил цикл, который принес ему известность, «Стихи о Прекрасной даме», 1904 г. В этом цикле, он преобразовал свою скромную жену в бесконечное видение женской души и вечной женственности.

Идеализированные мистические образы, представленные в его первой книге, помогли Блоку стать лидером Российского Символистского движения. Ранние стихи Блока безупречно музыкальны и богаты звуком, но он позже стремился ввести смелые ритмичные образы и неравные удары в свою поэзию. Поэтическое вдохновение приходило к нему естественно, часто производя незабываемые, потусторонние образы из самой банальной среды и тривиальных событий (Фабрика, 1903 г.). Следовательно, его зрелые стихи часто основаны на конфликте между Платоническим видением идеальной красоты и неутешительной действительностью грязных индустриальных предместий (Незнакомка, 1906 г.).

Образ Санкт-Петербурга он обработал для своей следующей коллекции стихов, Город (1904–08 гг.), был и импрессионистским, и жутким. Последующие коллекции, Фаина и Маска Снега, помогли увеличить интерес Блока к невероятным измерениям. Его часто сравнивали с Александром Пушкиным, и весь Серебряный век российской поэзии иногда называют «Эпоха Блока». В 1910-ых годах, Блоком восхитились почти все его литературные коллеги, и его влияние на более молодых поэтов было фактически непревзойденно. Анна Ахматова, Марина Цветаева, Борис Пастернак, и Владимир Набоков написали важную дань поэзии Блоку.

Во время более позднего периода его жизни, Блок, сконцентрировался, прежде всего, на политических темах, обдумывая мессианскую судьбу своей страны (Возмездие, 1910–21 гг.; Родина, 1907–16 гг.; Скифы, 1918 г.). Под влиянием доктрин Соловьева он был полон неопределенных апокалипсических предчувствий и часто колебался между надеждой и отчаянием. «Я чувствую, что важное событие случилось, но чем оно было, точно не было показано мне», он написал в своем дневнике в течение лета 1917 года. Весьма неожиданно для большинства его поклонников, он принял Октябрьскую Революцию как заключительное решение этой апокалипсической тоски.

Блок выразил свои взгляды относительно революции в загадочном стихе – Двенадцать (1918 г.). Длинное стихотворение, с его «создающими настроение звуками, многозвуковыми ритмами, и резким, вульгарным языком» (так Энциклопедия Британика описала этот стих), является одним из самых спорных в целом корпусе российской поэзии. Оно описывает марш двенадцати большевистских солдат (уподобленных Двенадцати Апостолам, которые следовали за Христом) через улицы революционного Петрограда, и сильная зимняя снежная буря, бушевала вокруг них.

Александр Блок, один из самых важных поэтов столетия, предполагал свою поэтическую продукцию, в трех томах. Первый том содержит его ранние стихи о Справедливой Даме; его доминирующий цвет – белый. Второй том, во власти синего цвета, комментирует невозможность достижения идеала, которого он жаждал. Третий том, показывал его стихи с предреволюционных лет, погружен в пламенную или кровавую красноту.

Блок считал себя антигуманистом. Он готов был приветствовать гибель цивилизации, если это поможет освобождению живой человеческой души или живой природной стихии. Основываясь на учении Ницше и Шопенгауэра, Блок отожествляет свободную стихию с музыкой, которая пронизывает все миры. Он считал музыку центром культуры, ее душой. Поэт был убежден, что многие достижения цивилизации лишь ограничивают свободу стихии, запирают ее в тесные рамки, сводят на нет. Из цивилизованных стран стихия музыки исчезает, и реальность там лишается чуда, превращаясь в скопление предметов, созданных для удобства людей.

Серебряный век - это период расцвета духовной культуры: литературы, философии, музыки, театра и изобразительного искусства. Он протекал с 90-х гг. XIX в. вплоть до конца 20-х гг. XX в. Вслед за блестящим расцветом в 1870-е годы творчества композиторов «Могучей кучки» и Чайковского русская музыка в конце XIX в. вступает в новый период своего развития. В ней, наряду с продолжением сложившихся традиций национальной композиторской школы, заметно начинают проявляться особенности, вызванные новыми условиями общественной жизни России на рубеже веков. В музыкальное искусство входят новые темы и образы. Становится характерным перемещение главного интереса с широкой социальной проблематики в область отражения внутреннего мира человеческой личности.

Даже образы народного быта, эпоса, истории, родной природы принимают лирическую окраску. Многое соприкасается здесь с общими процессами развития отечественной художественной культуры той поры. Утверждение прекрасного, неприязнь ко всему грубому, обывательскому пронизывают собой творчество многих русских писателей, художников, например Чехова, Левитана.

Красота природы, человеческого сердца, право человека на счастье - ведущие темы и в русской музыке этого периода. В ней, как и в смежных искусствах, усиливается интерес к воплощению философских проблем, философских размышлений о жизни, возрастает роль интеллектуального начала, проявляются тенденции к синтезу с другими искусствами.

Атмосфера революционного подъема с ее острыми контрастами, напряженное ожидание перемен вызывают к жизни образы весеннего пробуждения и героического устремления в будущее, бурного протеста и утверждения человеческой воли. Особенно сильно звучат они в музыке Скрябина, Рахманинова. Прямым откликом на революцию 1905 г. является создание оркестровых пьес на темы русских революционных песен - «Дубинушка» (Римский-Корсаков) и «Эй, ухнем!» (Глазунов).

Однако наиболее непосредственное отражение революционный подъем, революционное движение получили в народном творчестве, в русской революционной песне, которая стала могучим средством сплочения масс. Изменяется и значение отдельных музыкальных жанров в творчестве композиторов.

Многие из них отдают предпочтение инструментальной музыке, часто внепрограммной (отсутствие связи музыки с конкретным текстом давало им большую свободу в выражении своих мыслей и чувств). Серьезное внимание уделяется вопросам усовершенствования профессиональной техники, мастерства, разработке средств музыкальной выразительности. Музыкальное искусство обогащается яркими достижениями в области мелодики, гармонии, полифонии, фортепианного и оркестрового колорита.

Обострившаяся в литературе и искусстве того времени борьба различных направлений сказалась и на развитии русской музыки. В творчестве некоторых композиторов усвоение классических традиций сочеталось с воздействием модернистских тенденции, ясно обозначившихся за рубежом и проникавших в художественную жизнь России начала века.

В музыке это выражалось в обращении к миру узких, индивидуалистических переживаний, а в соответствии с этим в излишней усложненности музыкального языка, в одностороннем развитии какого-либо одного из средств музыкальной выразительности. Правда, в творчестве ведущих композиторов эпохи эти тенденции никогда не становились господствующими и не создавали существенных преград общему развитию русской музыкальной классики.

Серебряный век в литературе и музыке был в одном направлении. Основной темой был человек. Жизнь, внутренний мир, мысли и деяния человека. В литературе и музыке появляются различные течения, которые имеют свою особенность выражения чувств и страстей. Появляются новые поэты, писатели и композиторы. Все они вносят в Серебряный век много нового и интересного, для будущего и настоящего.

МОУ «Кокинская основная общеобразовательная школа»

Доклад на тему: «Музыка серебряного века»

Выполнили: Зайцева Марина

Хайдалов Александр

Проверила: Волконитина Е.В

2010

Проснуться в Небо, грезя на Земле,

Рассыпав вихри искр в пронзенной мгле,

В горенье жертвы был он неослабен.

И так он вился в пламенном жерле,

Что в Смерть проснулся с блеском на челе,

Безумный эльф, завыв, звенящий Скрябин…

Константин Бальмонт

« Он чувствовал симфониями света…»

« Это время называется русским духовным ренессансом». Н.Бердяев о серебряном веке.

В конце 19, начале 20 века особенно в предоктябрьском десятилетии, через все русское искусство, и, в частности, через музыку проходит тема ожидания великих перемен, которые должны снести старое и несправедливое.

Даже образы народного быта, эпоса, истории принимают лирическую окраску. Красота природы, человеческого сердца, право на счастье – ведущие темы этого периода. Усиление интереса к воплощению философских проблем, размышлений о жизни. Обострившаяся борьба направлений в искусстве 19в. Сказалась на развитии музыки. В творчестве многих композиторов классика сочетается с модернизмом. Обращение к миру индивидуальных переживаний, усложнение музыкального языка, одностороннее развитие какого - нибудь одного средства музыкальной выразительности.

«Чтобы стать оптимистом в настоящем значении этого слова, нужно испытать отчаяние и победить его.». Эти слова молодой московский композитор Александр Скрябин записал в своем дневнике в 28 лет. А «Патетический этюд», фрагмент которого звучит, закончил шестью годами раньше, в начале 1894г.в этом сочинении чрезвычайно трудна партия левой руки – намного сложнее правой. Немузыкантам это не очень заметно, но в конце ХIХ века, когда Скрябин начинал свой путь, концертные залы заполняла весьма искушенная публика. И многим он так и запомнился, по первому впечатлению: бледный хрупкий юноша, выходивший на сцену в красных шерстяных нарукавниках и смущенно указывавший на свою правую руку. Он как бы заранее извинялся за возможные неудачи – ведь правая рука была «переигранной», больной.

Жизнь Скрябина подобна полету яркой ослепительной кометы. Через две тысячи лет после легендарного Орфея и других музыкальных магов древности он вновь заявил, что музыка способна изменить законы пространства и времени, пробудить в человеке таинственные психические силы, сделать его хозяином своей судьбы и в итоге подарить ему бессмертие.

«Музыкальным фантастом» его называли уже при жизни, а наиболее проницательные критики заметили, что Скрябина будет понимать грядущее поколение. Действительно, в нем поражало все – от небывалой в истории музыки попытки соединить звуки с цветным светом до странных, загадочных образов его последних произведений, играя которые Скрябин легко вводил своих слушателей в состояние близкое к гипнотическому трансу.

Оказывается, что композитор интуитивно предугадал те представления о мире, которые появятся в науке лишь через много лет после его смерти. Скрябинские «волны сознания», творящие реальность, находят неожиданное соответствие в теории строения материи.

Бесконечный космос умещается внутри крошечного человеческого сознания.

Большинство людей, считал Скрябин, даже не подозревают о том, что они космические существа, а энергия их мысли – самая важная и сильная во Вселенной.

Все события человеческой жизни, по убеждению Скрябина, подчинены неведомому Плану, который таинственными нитями связан с общей эволюцией Вселенной. В начале ХХ века человечество (и в первую очередь -Россия) жило ожиданиями грандиозных перемен в самом способе своего бытия.

На этом тревожном фоне возникло и мировоззрение русского символизма, где «роковые тайны вселенной» и пути к другим мирам «раскрывались» через экзальтированный художественный порыв, а самые отдаленные области знания сливались в мистическом Всеединстве. Музыку Скрябина, как и его самого боготворили русские поэты – символисты Константин Бальмонт, Владимир Соловьев.

Будущий композитор родился в Москве 6 января 1872 года. Маму – талантливую пианистку Любовь Петровну Скрябину он помнить не мог, так как она умерла через год от чахотки. Отец Николай Александрович – служил за границей, и воспитывала «Стеклянного мальчика» (а обидеть его мог любой пустяк) тетушка. Саша был не по годам серьезен…

«Чтобы стать оптимистом в настоящем значении этого слова, нужно испытать отчаяние и победить его». В самый страшный момент жизни, когда «доктора произнесли свой приговор» и правая рука была почти парализована, он продолжает писать музыку – такую, какую он сам еще в состоянии исполнить: для одной левой руки!, поразительно, но в этих светлых и возвышенных пьесах (Прелюдии и Ноктюрне соч.9) нет ни намека на отчаянное положение автора. Из этого испытания он выходит победителем. Он убежден, что сила духа, удесятеренная искусством, способна не только победить любую болезнь, но и излечить человека и все человечество от главного недуга – серой пошлости повседневной жизни.

Огромной загадкой осталась его световая симфония. Партия света, которую Скрябин ввел в симфоническую поэму «Прометей» (другое ее название «Поэма огня»), была записана обычными нотами, но исполнять ее следовало на необычном инструменте – «световой клавиатуре», которой тогда, конечно, не существовало. Композитор, видевший цвет каждого музыкального звука, оставил следующие пояснения:

До – красный, простой

Соль – оранжевый, огненный

Си – синий с голубизной

Фа диез – синий глубокий с наклонностью к фиолетовому

Фа – красный багряный.

И т.д.

Но каковы должны быть формы цветного света? Ведь Скрябина не устраивала игра разноцветных лучей на экране. Как впрочем, и сам экран – он мечтал о создании какого-то нового пространства, где в светящейся

материи оживают мысли и чувства исполнителей и слушателей…

Как знать чего бы достиг Скрябин, будь в его распоряжении компьютерные технологии нашего ХХI века? Несомненно, что он предвидел появление реальности, созданной мыслью - виртуальной реальности.

Слова композитора о «маленькой клавиатуре, на которой играют все властители мира » - не намек ли на грандиозную компьютерную иллюзию, в наше время мастерски описанную в фильме «Матрица»? Скрябин вплотную приближается к интерфейсу, соединяющему сознание человека и «мировой компьютер»;

Его жизнь и творчество окутываются атмосферой неизъяснимой тревожной тайны.

О Скрябине начинают слагать легенды – о его поразительной интуиции и о даре ясновидения. Он находит нужного человека в толпе, не зная его в лицо. Он смотрит не мигая на солнце в зените, а потом легко читает мелкий шрифт. Он точно (может быть, даже не зная этого) предсказывает день своей смерти - трехлетний контракт на аренду своей последней квартиры в Большом Николопесковском переулке, 11 он заключил 14 (27) апреля 1912 года и ушел из жизни через три года именно в этот день…

Марк Мейчик писал: « …Он не умер, его взяли от людей, когда он приступил к осуществлению своего замысла, не даром существует изречение, что « на небесах следят за тем, чтобы деревья не врастали в небо»

Литература

А.И. Бандура Статьи о творчестве А. Н. Скрябина. М 2005

Конец 19 и начало 20 века для русской музыки протекал в столкновениях антагонистичных тенденций, казавшихся непримиримыми и взаимоисключающими. Тенденции культуры «серебряного века» глубоко изменили облик музыкального искусства. Композиторами-«традиционалистов» серебряного века были А.К.Глазунов (1865-1936), и А.К.Лядов (1855-1914), С.И.Танеев (1856-1915), а также менее известные, но одаренные авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

Молодыми композиторами-новаторами «серебряного века» были символист А.Н.Скрябин, неоклассицист Н.К.Метнер, неоромантик С.В. Рахманинов, неофольклорист И.Ф. Стравинский, кубофутурист С.С. Прокофьев.

Их открытия в области лада, гармонии, формы способствовали становлению новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века.

Существенные изменения происходили и в области русской церковной музыки. Композиторы петербургской и московской композиторских школ использовали подлинные старинные мелодии знаменного распева. Их сочинения предназначались как бля богослужения, так и для концертного исполнения. Новый стиль в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.

Крупнейшими представителями церковной музыки того времени были С.В. Смоленский, С.В.Рахманинов, А.Т.Гречанинов, А.Д.Кастальский и другие. Их называют «школой Синодального училища».

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, музыкальный символист, «идеалист - мистик», одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры.

Самобытное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве на рубеже 20-го века. Скрябин с детства проявил незаурядные музыкальные способности. Учась в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов.

Художественные искания Скрябина во многом определили поэты-символисты, а также современные ему философские и мистические учения. Творческим девизом стали слова: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи».

Скрябин создавал свой музыкальный мир и не искал опоры в художественном опыте своих предшественников.

Интересовался богоискательством и космической божественной сутью человека. Острое желание постичь гармонию двух миров рождает в его музыке порывы к грандиозному, вселенскому, макроскопическому и одновременно желание углубиться в «микрокосм» человеческой души, в ее подсознательную первооснову. Со Скрябиным в музыку пришла тайна. До него в русской музыке, фактически, не было мистики.

Скрябин – Циолковский в Музыке. Он первым «вышел» в космос.

В своих произведениях он стремился передать мир зыбких и утонченных переживаний человека.

Скрябин был мечтателем-идеалистом. На протяжении всего творческого пути Скрябина привлекала идея синтеза искусств. В «Поэме огня», известной также под названием «Прометей» (1910), в которой он соединил звук и цвет.

Остро ощущая противоречия своего сложного времени, Скрябин мечтал о всемирной гармонии человечества. Его заветной мечтой стал храм в Индии на берегу горного озера для постановки неосуществленного произведения «Мистерии».

«Он не искал – минутно позабавить,

Напевами утешить и пленить;

Мечтал о высшем: Божество прославить

И бездны духа в звуках озарить».

В. Я. Брюсов

Скрябин верил в божественную силу творчества и в художника-творца-мира, ведущем человечество к счастью. Его «Мистерия» - попытка преображения человечества с помощью магии искусства.

Композитор сочинял как бы «на ощупь», через изменчивые, трудноуловимые и не поддающиеся рациональному анализу ощущения. Музыка Скрябина насыщена изощренной ритмикой, внетональными «блужданиями», фактурой, окутанной дымкой гармонических фигураций.

Работал над ней композитор свыше десяти лет. Он понимал, что берется за решение труднейшей задачи, но верил в реализацию великого духовного акта. Начальный вариант воплощения «Мистерии» носит название «Предварительное действо». Это грандиозный соборный спектакль, или Служба, в которой участвует все человечество. Музыка «Предварительного действа» сохранилась лишь в отрывках (40 листов черновых эскизов). Она составляла главный компонент синтетического акта, включающего «симфонию» звуков, ароматов, красок, танцев, шествий, движущейся архитектуры, лучей закатного солнца, ритуальной одежды участников – исполнителей и зрителей.

Храм в Древней Индии, где должна была состояться «Мистерия» был задуман композитором как гигантский алтарь, возвышающийся над Землей. Скрябин всерьез пытался осуществить задуманный проект и даже, по некоторым данным, вел переговоры о покупке земельного участка в Индии для постройки храма. Думая о «Мистерии» композитор говорил: «Я хочу не осуществления чего бы то ни было, а бесконечного подъема творческой деятельности, который будет вызван моим искусством».

К вершинным произведениям Скрябина можно отнести «Поэму экстаза» (1907). Это большое произведение - гимн всепобеждающей мощи человеческого духа. Оно рассказывает о том, как душа человека проходит трудный путь от неясных предчувствий и тревоги к высшей духовной радости, обретая огромную силу и энергию.

Поэма насыщена накаленной атмосферой первой российской революции, предчувствиями грядущих катастроф. Впервые «Поэма экстаза» прозвучала в России в 1909 г. Она имела колоссальный успех. В одиннадцатый раз выпускнику Московской консерватории была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Скрябина не замечал людских тревог, волнений и мирской суеты. Композитор создал особый мир музыкальной выразительности, опередив свое время, предвосхитив многие инновации искусства 20 века.

Дальнейшая судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови. На смерть Скрябина откликнулись многие современники, в том числе и известный поэт В. Я. Брюсов:

Металл мелодий он посмел расплавить

И в формы новые хотел излить;

Он неустанно жаждал жить и жить,

Чтоб завершенным памятник поставить...

Скрябин - автор девятнадцати фортепианных поэм, трех симфоний, концерта для фортепиано с оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсов и этюдов. В каждом произведении сказались непревзойденный талант и мастерство композитора.

К счастью, словам поэта было суждено сбыться: Скрябин был и остается «звездой первой величины» в мировой музыкальной культуре.

Судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его." Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

7. Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943)

Не меньшую известность приобрело творчество Сергея Васильевича Рахманинова (1873-1943), также выпускника Московской консерватории, закончившего ее с золотой медалью. В отличие от символиста Скрябина, Рахманинов и в ХХ веке оставался самым русским композитором романтиком мирового значения. Ему удалось объединить музыкальные традиции Московской и Петербургской композиторских школ.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая «Колокольная» Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко".

В двадцать лет в концертных залах ему рукоплескала восторженная публика. Его поклонниками были Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, многие поэты Серебряного века. Но жизнь Рахманинова не представляется спокойной и безмятежной: он знал не только взлеты, но и падения.

Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют.

Особую известность Рахманинову принесли фортепианные сочинения. Наиболее известным сочинением является Второй фортепианный концерт (1901), в котором раскрылись лучшие черты его композиторского таланта. Произведение «необычайной, удивительной красоты» (С. С. Прокофьев). За это произведение Рахманинову в 1904 г. была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Новый стиль его музыки органически объединял русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм.

В 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт.

Многогранный талант Рахманинова проявился во многих музыкальных жанрах. Им созданы две оперы («Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини»), вокально-симфоническая поэма «Колокола» (1913), сонаты, экспромты, прелюдии. Он сочинял и духовную музыку, восходящую к древнерусским знаменным распевам («Литургия Иоанна Златоуста», 1909, и «Всенощное бдение», 1915).

Рахманинов стал свидетелем двух мировых войн и двух российских революций. Он восторженно приветствовал крушение царского режима, но не принял октябрьский переворот.

В конце 1917 года Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса.

Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Все 25 лет эмиграции он живо интересовался тем, что происходило на Родине. В годы Великой Отечественной войны композитор не раз перечислял средства от своих концертов на поддержку Красной Армии. Сегодня произведения Рахманинова звучат во многих концертных залах нашей страны, неоднократно в его честь проводились музыкальные конкурсы и фестивали.

Умер С.В.Рахманинов в Беверли-Хилс от рака позвоночника. Цитата о С.В.Рахманинове: "Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман "Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский Цитата С.В.Рахманинова: "Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире." "Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность." "Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран." Музыковед Б.Асафьев назвал С.Рахманинова «человеком с навек раненным сердцем». Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Калинников Василий Сергеевич (1866-1901). Наверное, самый непродуктивный композитор в мире. За свою недолгую жизнь он успел написать две симфонии, еще 4 небольшие оркестровые произведения, 8 романсов и 4 миниатюры для фортепиано. Это фактически все, не считая нескольких неоконченных или неизданных сочинений. Тем не менее, ему удалось «прорваться» на музыкальный Олимп благодаря своей Первой симфонии, которая приобрела популярность во всем мире. В этом «повинен», прежде всего, мелодический дар композитора, нашедший отклик в сердцах любителей музыки всех континентов. Строже говоря, счастливая мелодическая находка, - побочная партия первой части, вероятно, сыграла здесь решающую роль. Сей факт заставляет вспомнить крылатую фразу Стравинского: «Мелодия наиболее доступна для восприятия и наименее доступна как дар», кажется, так. Композитора сразила злая чахотка, но жестокая болезнь никак не отразилась на его музыке, почти всегда бодрой и жизнерадостной.

8.Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)Игорь Федорович Стравинский (1882–1971) вошел в историю мировой музыкальной культуры как смелый новатор, один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма, пролагающий собственные пути в искусстве.

Путь Стравинского в музыке - от романтизма и импрессионизма к неоклассицизму, додекафонии, музыке авангарда.

В последние годы жизни он живо интересовался искусством джаза и достижениями в области электронной музыки.

Игорь Фёдорович Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи ХХ века, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам. Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Встреча с С. П. Дягилевым в 1909 г. во многом определила дальнейшую личную и творческую судьбу композитора.

Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины. Стравинский обратился к праистокам и взял за основу национальной русской музыки в ХХ веке языческую, древнюю Русь.

Премьера балета «Жар-птица» на сцене парижской «Гранд-опера» в 1910 г. положила начало мировой славы Стравинского. Музыка поражала пышностью оркестровых звучаний, необычностью ритмов, обилием сказочной символики. Наиболее известный номер из балета - «Поганый пляс Кащеева царства» – гротескный образ зла и насилия.

Через год – новый балет «Петрушка». Главное внимание Стравинский сосредоточил на глубокой психологической драме любимого народного героя Петрушки, безнадежно влюбленного в глупенькую Балерину, отдающую предпочтение самодовольному Арапу. О страданиях главного героя, доброго, озорного и никогда не унывающего, Стравинский гениально рассказал языком музыки.

Особенно поражала финальная сцена прощания Петрушки с жизнью. Удивительной находкой композитора стал отрывистый «всхлип», «выдых» флейт и странный звук от брошенного на пол бубна. Еще недавно безудержно плясавшая толпа застывает перед умирающим. В трагический момент отлета души Петрушки в лучший мир звучит изумительная музыка, передающая трепет уходящей жизни. Отзвуки масленичного балагана и пронзительная фанфара ожившего Петрушки завершают действие.

Соавторами Стравинского в этой работе выступили балетмейстер М. М. Фокин (1880-1942) и либреттист, художник А. Н. Бенуа. Главные роли исполняли Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. Балет «Петрушка» стал ярким событием Русских сезонов С. П. Дягилева.

Премьера третьего, не менее знаменитого балета Стравинского «Весна священная» (1913) вызвала в Париже неслыханный скандал. Позднее автор вспоминал:

«Когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами... разразилась буря. Позади меня раздавались крики «Заткни глотку!..» Я в ярости покинул зал».

Изнеженное ухо слушателей, привыкшее к сладким и томным звукам, услышало чуждую языческую стихию. Не случайно балет имел подзаголовок «Картины языческой Руси». Стравинский пытался воссоздать в музыке первозданную суровость обычаев языческих племен, возглавляемых Старейшим-Мудрейшим. Напряженные диссонансы, сложные ритмы и неожиданные контрасты призваны были передать магическую силу заклинаний природы, весенних гаданий, древнейший обряд Поцелуя земли, величание Избранной. Движения и жесты актеров, отказавшихся от приемов классического балета, были тяжелыми и угловатыми.

Спустя несколько лет «Весна священная», исполненная как симфоническое произведение, вызвала бурные овации слушателей и стала мировым хитом в современной музыке.

В 1914 Стравинский окончательно покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были непродолжительные гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США.

Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку". Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели. Последнее сочинение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера. В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни. Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе». Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного..». Д.Шостакович Интересный факт (байка): «Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию. - Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера. - Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...»

Слайд 1

Русская культура Серебряного века МУЗЫКА

Слайд 2

В музыкальной жизни начала XX века продолжали свою деятельность общепризнанные мастера:
Н.А.Римский-Корсаков (оперы «Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок») А.К.Глазунов (балеты «Раймонда», «Времена года»

Слайд 3

Отход от старых традиций в сторону эстетической утонченности, поисков новых форм был характерен и для русской музыки конца ХIХ- начала ХХ в.

Слайд 4

В известной степени эти поиски обогащали музыкальную культуру, во всяком случае, когда их вели такие великолепные мастера, как: А.Н. Скрябин С.В Рахманинов И.В. Стравинский

Слайд 5

Александр Николаевич Скрябин (1871-1915)
Музыка Скрябина очень своеобразна. Форма в его музыке практически всегда ясна и завершена. Композитора привлекали образы, связанные с огнём: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света.

Слайд 6

В музыке Скрябина отчётливо чувствуется нервность, импульсивность, тревожные поиски, не чуждые мистицизма. С точки зрения композиторской техники его музыка близка творчеству композиторов Новой венской школы (Шёнберга, Берга и Веберна), однако решена в ином ракурсе - через усложнение гармонических средств в пределах тональности.

Слайд 7

Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943)
Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов. Эти мотивы выражают у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

Слайд 8

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки, но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Слайд 9

Игорь Фёдорович Стравинский (1882-1971)
Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке XX века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа.

Слайд 10

Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней содержатся идеи, доступные всеобщему восприятию.

Слайд 11

На сцене театра, организованного С.И.Мамонтовым, прославился Ф.И.Шаляпин. Сочетая вокальные данные с талантом актёра, он создал реалистические образы, ставшие образцами мирового оперного искусства.

Слайд 12

В начале ХХ в. русская музыка становится все более заметным явлением мировой культуры. Немалую роль в популяризации творчества отечественных композиторов, мастеров балетного и оперного искусства, художников сыграли так называемые Русские сезоны за границей, организованные в 1907-1913 гг. в Париже известным театральным и художественным деятелем С.П. Дягилевым.

Слайд 13

Левандовский А.А. История России, XX- начало XXI. 11 класс: учеб.для общеобразоват. учреждений. М.: Просвещение, 2008. http://muslib.ru/pb/71/715699/korsakov_493443.jpg http://www.specialradio.ru/p&d/viewimage.php?file=13 http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/3/74/958/74958949_60039273137226.jpg http://www.nasledie-iljina.srcc.msu.ru/NIVC-site%20Iljina-ZHIZNEOPISANIE/foto-Zhizn-Kratkij%20ocherk-21-10-2010/36-Rahmaninov-315x http://pvillarroel.free.fr/images/musicos/stravinsky.gif400.jpg http://rus.ruvr.ru/data/112/081/1235/Shaljapin_Fedor.jpg http://www.perm.ru/pics/1116170797.jpg
Использованная литература