Живопись – вид изобразительного искусства, заключающийся в создании картин, живописных полотен, наиболее полно и жизнеподобно отражающих действительность .

Произведение искусства, выполненное красками (масляными, темперными, акварельными, гуашевыми и др.), нанесенными на какую-либо твердую поверхность, называется живописью. Главное выразительное средство живописи - цвет, его способность вызывать различные чувства, ассоциации, усиливает эмоциональность изображения. Необходимый для живописи цвет художник обычно составляет на палитре, а затем превращает краску в цвет на плоскости картины, создавая цветовой порядок - колорит. По характеру цветовых сочетаний он может быть теплым и холодным, веселым и грустным, спокойным и напряженным, светлым и темным .

Образы живописи очень наглядны и убедительны. Живопись способна передавать на плоскости объем и пространство, природу, раскрывать сложный мир человеческих чувств и характеров, воплощать общечеловеческие идеи, события исторического прошлого, мифологические образы и полет фантазии .

В отличие от живописи как самостоятельного вида изобразительного искусства, живописный подход (способ) может использоваться и в других его видах: в рисунке, графике и даже в скульптуре. Сущность живописного подхода заключается в изображении объекта во взаимосвязи с окружающей его пространственной световоздушной средой, в тонкой градации тональных переходов .

Многообразие объектов и событий окружающего мира, пристальный

интерес к ним художников привели к возникновению на протяжении XVII -

XX вв. жанров живописи: портрета, натюрморта, пейзажа, анималистического, бытового (жанровая живопись), мифологического, исторического, батального жанров . В произведениях живописи может встречаться сочетание жанров или их элементов. Например, натюрморт или пейзаж могут удачно дополнять портретное изображение .

По техническим приемам и используемым материалам живопись можно разделить на следующие виды: масляная, темперная, восковая (энкаустика), эмаль, клеевая, водяными красками по сырой штукатурке (фреска) и др. В некоторых случаях трудно бывает отделить живопись от графики. Произведения, выполненные акварелью, гуашью, пастелью, могут относиться и к живописи, и к графике.

Живопись может быть однослойной, выполняемой сразу, и многослойной, включающей подмалевки и лессировки, наносимые на просохший красочный слой прозрачные и полупрозрачные слои краски. Этим достигаются тончайшие нюансы и оттенки цвета .

Важными средствами художественной выразительности в живописи являются, кроме цвета (колорита), пятно и характер мазка, обработка красочной поверхности (фактура), валеры, показывающие тончайшие изменения тона в зависимости от освещения, рефлексы, появляющиеся от взаимодействия лежащих рядом цветов .

Построение объема и пространства в живописи связано с линейной и воздушной перспективой, пространственными свойствами теплых и холодных цветов, светотеневой моделировкой формы, передачей общего цветового тона полотна . Для создания картины, кроме цвета, необходимы хороший рисунок и выразительная композиция. Художник, как правило, начинает работу над полотном с поиска наиболее удачного решения в эскизах. Затем в многочисленных живописных этюдах с натуры он

прорабатывает необходимые элементы композиции. Работа над картиной может начинаться с выполнения рисунка композиции кистью, подмалевка и

непосредственно написания полотна теми или иными живописными средствами. Причем даже подготовительные эскизы и этюды порой имеют самостоятельное художественное значение, особенно если принадлежат кисти известного живописца . Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от наскальных росписей палеолита до новейших течений живописи XX в. Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития. В античную эпоху возникло стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек. Это вызвало зарождение принципов светотени, элементов перспективы, появление объемно-пространственных живописных изображений. Раскрылись новые тематические возможности отображения действительности живописными средствами. Живопись служила для украшения храмов, жилищ, гробниц и других сооружений, находилась в художественном единстве с архитектурой и скульптурой .

Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания. Она отличалась экспрессией звучных, в основном локальных цветов, выразительностью контуров.

Фон фресок и картин, как правило, был условным, отвлеченным или золотым, воплощающим в своем таинственном мерцании божественную идею. Значительную роль играла символика цвета .

В эпоху Возрождения ощущение гармонии мироздания, антропоцентризм (человек в центре вселенной) отразились в живописных композициях на религиозные и мифологические темы, в портретах, бытовых и исторических сценах. Возросла роль живописи, выработавшей научно обоснованную систему линейной и воздушной перспективы, светотени .

Появляется абстрактная живопись, которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цвета, утрированность и геометризацию

форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений.

В XX в. продолжается поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи, но масляная живопись по-прежнему остается одной из самых любимых техник художников .

Стили живописи - тема очень обширная, можно сказать вечная. Люди часто используют термины которые не совсем правильно понимают, из-за этого бывают путаницы и неразберихи. Именно поэтому, я хочу коротко и доступно рассказать все что знаю о направлениях в живописи. Чтобы не превращать статью в унылый урок истории, я ёмко расскажу про самые востребованные и актуальные направления на сегодняшний день. Стили живописи с иллюстрациями - удобный и быстрый способ ознакомиться с важнейшими течениями в изобразительном искусстве.

Готика

«Алтарь семьи Мероде». Робер Кампен. 1430-е годы.

Готика – это течение в искусстве, которое накрыло все страны Западной и Центральной Европы. Тогда готика была во всем – в скульптуре, живописи, витраже и т.п. она использовалась везде где только можно, произошел «культурный бум». Такая популярность обусловлена последним шагом эволюции из средневекового искусства. Центром и главным фигурантом готического стиля была архитектура — высокие арки, цветные витражи, множество деталей. Романская эпоха не выдержала такой натиск и осталась на обочине истории.

Годы: 1150 — 1450.
Бартоло ди Фреди, Джотто, Ян Полак, Ян ван Эйк.

Ренессанс (Возрождение)

«Кающаяся Мария Магдалина». Тициан. 1560-е годы.

Эпоха Возрождения возникла на почве падения Византийской империи и культурного переполоха, который произошел по этому поводу в Европе. Византийцы которые вынуждены были бежать, вместе с культурными связями, принесли на земли Европы произведения искусства и библиотеки. Таким образом произошло своеобразное возрождение античных взглядов, но на современный лад. С годами многие моменты пересматривались и ставились под сомнение. В целом, царствовал светский гуманизм и идеи процветания.

Годы: 1400 — 1600.
Иероним Босх, Леонардо да Винчи, Тициан.

Барокко

«Юдифь и Олоферн». Караваджо. 1599 год.

Барокко — Европейское культурное наследие родом из Италии. Характеризует собой ироническую порочную красоту, неестественную элитность и вычурность. Свойственные черты таких картин — высокий контраст, напряженность сюжета, натянутая до предела динамика персонажей. Квинтэссенцией барокко принято считать церковь Санта-Мария-делла-Витториа, она находится в Риме.

Годы: 1600-1740.
Караваджо, Рембрандт, Рубенс, Ян Вермеер.

Классицизм

«Милосердие Сципиона Африканского». Помпео Батони. 1772 год.

Классицизм сыграл громадную роль в искусстве, как фундаментальное течения в живописи 18-го века. Из самого названия все становится понятно (лат. classicus значит образцовый, примерный).
Художники ставили себе цель, приобщить зрителя к высокому, а их картины были путеводной звездой. Высокая мораль, сдержанная культура и традиционные античные ценности стали основой классицизма. В эпоху классицизма в Европе произошел культурный рост и переоценка ценностей, искусство вышло на совершенно другой уровень.

Годы: 1700 — 1800.
Карл Брюллов, Жан-Батист Грёз, Пуссен Никола.

Реализм

«Бродячие акробаты». Гюстав Доре. 1874 год.

Реализм пытается с наибольшей достоверностью передать настроение момента, миг реальности на полотне. Но в свою очередь он не ограничен четкими рамками, единственные правила состоят в том, что в картине не должно быть места для вещей, которые исключают реалистичность. В ходе экспериментов, под конец XVIII века, этот стиль поделили на натурализм и импрессионизм. Но, реализму удалось выжить и он пользуется популярностью даже в современной живописи.

Годы: 1800 — 1880.
Вильям Бугро, Гюстав Курбе, Жан-Франсуа Милле.

Импрессионизм

«Впечатление. Восходящее солнце». Клод Моне. 1872 год.

Импрессионизм возник во Франции, это понятие ввел Луи Леруа. Импрессионисты которые работали в этом стиле, хотели поймать секундное впечатление от каждого предмета или мгновения, рисовали прямо здесь и сейчас, невзирая на форму и смысл. Картины демонстрировали исключительно позитивные и светлые моменты и мгновения. Но позже на этой почве среди импрессионистов начались разногласия, со временем появились мастера, которые могли впечатляться социальными проблемами, голодом, болезнями. Тем не менее, импрессионизм — добрый и позитивный стиль живописи, который показывает хорошие и яркие моменты.

Годы: 1860 — 1920.
Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега.

Постимпрессионизм

«Автопортрет в серой фетровой шляпе III». Винсент Ван Гог. 1887 год.

Постимпрессионизм вобрал в себя множество различных стилей и техник. Европейские мастера со свежими взглядами на живопись зарождали новые течения и активно пытались отойти от надоевшего тогда импрессионизма и реализма.

Годы: 1880 — 1920.
Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Родерик О’Конор.

Пуантилизм

«Рио Сан Тровазо. Венеция». Анри Эдмон Кросс. 1904 год.

Пуантилизм (point — точка) — Стилистическое направление в живописи, которое является тем же импрессионизмом, только в другой оболочке. Вместо рваных мазков, использовались точечные или прямоугольные формы. Так же, художники отказались от смешивания цветов на палитре, вместо этого, на полотно накладывались чистые цвета и смешивались уже непосредственно на самом полотне не соприкасаясь друг с другом.

Годы: 1885 — 1930.
Анри Эдмон Кросс, Жоржа Сёра, Поль Синьяк.

Модернизм

«Бабочки вблизи». Одилон Редон. 1910 год.

Модернизм — общая характеристика всех жанров и стилей в живописи 1850 — 1950 годов. Включает в себя такие направления в живописи — импрессионизм, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм и многие другие. Существование этих стилей знаменует полный уход изобразительного искусства от академизма. После ухода от академизма, стало практически невозможно уследить за всеми течениями и стилями которые формировались и формуются до сих пор.

Годы: 1850 — 1950.
Сальвадор Дали, Казимир Малевич, Огюст Ренуар и многие другие.

Академизм

Академизм – направление в искусстве, которое следует правилам и обычаям античности и эпохи Возрождения. Академизм стремится навязать четкие устои и грани, исключает фантазию и творческий полет. Вместо этого, упор делается на совершенствование недостатков, «шероховатости» природы — скрывать либо устранять. Улучшать действительность в сторону красивого восприятия — вот суть академизма. Сюжеты зачастую берутся из античной мифологии, так же используются библейские и исторические мотивы.

Годы: 1500 — сегодня.
Карл Брюллов, Уильям Бугро, Фёдор Бруни.

Примитивизм

«В кухне» Эпифаний Дровняк. 1940~ год.

Примитивизм – умышленное упрощение картины до такой степени, чтобы она выглядела так, как будто это работа ребенка. Различные народные рисунки и иллюстрации можно отнести к примитивизму. Только на первый взгляд картины выглядят простыми и нелепыми. Но если приглядеться, то можно увидеть правильные пропорции и соблюдение правил горизонта и композиции. Большинство известных мастеров примитивизма и наивного искусства были большими поклонниками истории своего народа и его культуры. Именно поэтому все их картины насыщенны колоритом той местности, в которой они проживали. Сегодня этот жанр преобразовался в наивное искусство, часто с примесью символизма. Это связано с тем, что современный зритель не готов воспринимать примитивизм в его чистом виде.

Годы: 1900 — сегодня.
Эпифаний Дровняк, Анри Руссо, Нико Пиросманишвили.

Кубизм

«Сидящая женщина в голубом платье». Пабло Пикассо. 1939 год.

Кубизм является направлением модернизма, зачастую используется по отношению к живописи и изобразительному искусству. Мастера разбивали свои сюжеты на геометрические формы, придавая каждому уникальному элементу — свой плотный сектор.

Годы: 1906 — 1925.
Пабло Пикассо, Фернан Леже, Робер Делоне.

Сюрреализм

«Постоянство памяти». Сальвадор Дали. 1931 год.

Сюрреализм — смешивание сна с реальностью. В этом стиле деятели искусств освобождали свои сны наружу, смешивая образы из реальной жизни друг с другом, совмещая несовместимое. Так же, затрагивались личные темы сновидений — страхи, тайные желания, бессознательные фантазии, комплексы. Все то, что человек может видеть в своих снах. Сегодня сюрреалисты копируют внешнюю оболочку, используя только красивые формы, не вселяя в них тот смысл, который был свойственен мастерам прошлого.

Годы: 1920 — сегодня.
Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.

Абстракционизм

«Желто красно голубое». Василий Кандинский. 1925 год.

Абстракционизм — направление в искусстве, где произошел отказ от изображения действительности и правильности форм. Главная цель состоит в том, чтобы изобразить множество разноцветных форм, которые вместе смогут рассказать о сюжете картины. Родиной абстракционизма принято считать Россию и Америку.

Годы: 1910 — сегодня.
Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Экспрессионизм

«Крик». Эдвард Мунк. 1893 год.

Экспрессионизм ставит перед собой одну единственную задачу, передать то, что чувствовал автор картины в момент ее написания. Художники в этом стиле хотят выразить себя и свои чувства, именно поэтому экспрессионизм является антиподом импрессионизма, в котором упор ставится на выражении сугубо внешней оболочки. Экспрессионистам характерна склонность к мистике, пессимизму и унынию.

Годы: 1890 — сегодня.
Эгон Шиле, Карл Ойген Кель, Ежи Хулевич.

Поп-арт

«Зелёные бутылки кока-колы». Энди Уорхол. 1962 год.

Поп-арт — Современный стиль в искусстве, использующий символы массовой культуры и продукты широкого потребления. Манипулировать и комбинировать объекты помогали современные технологии, из-за этого поп-арт часто подвергался критике со стороны сторожил старой школы. Со временем поп-арт поглотил многие направления в живописи.

Годы: 1950 — 1980.
Энди Уорхол, Хокни Дэвид, Роберт Раушенберг.

Минимализм

«Gran Cairo». Фрэнк Стелла. 1962 год.

Минимализм должен сводить к минимуму вмешательство автора в окружающую среду. Минимализм обозначает лишь самые важные моменты. Истоками лежит в конструктивизме, супрематизме, дадаизме. Является очень спорным жанром живописи, в связи с чересчур минималистическими взглядами некоторых авторов этого стиля. Сегодня минималистичиские направления в живописи трансформируются чрезвычайно быстро.

Годы: 1960 — сегодня.
Фрэнк Стелла, Карл Андре, Сол Ле Витт.

Гиперреализм

«Фрукты». Жак Боден. 2016 год.

Гиперреализм появился в связи с популяризацией фотографии, деятелям искусства было интересно посоревноваться с фотографами. Гиперреалисты создают альтернативную реальность, реалистичную иллюзию.

Годы: 1970 — сегодня.
Гноли, Герхард Рихтер, Делкол.

Вот и все направления в живописи

Это все что я могла и хотела сказать на эту тему 😉 На самом деле, направлений в живописи намного больше, и они непредумышленно разрабатываются буквально каждый день. В этой статье я хотела рассказать о самых популярных и влиятельных. Если вам понравился материал, поделитесь им в социальных сетях, давайте развивать искусство вместе. Спасибо всем за поддержку!

Живопись отличается разнообразием жанров и видов. Каждый жанр ограничен своим кругом сюжетов: изображением человека (портрет), окружающего мира (пейзаж) и т.д.
Разновидности (виды) живописи отличаются своим предназначением.

В связи с этим различают несколько видов живописи, о которых мы сегодня и поговорим.

Станковая живопись

Самый популярный и известный вид живописи – станковая живопись. Так она называется по той причине, что выполняется на станке – мольберте. В качестве основы используется дерево, картон, бумага, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина является самостоятельным произведением, выполненным в определённом жанре. Она обладает богатством цвета.

Масляные краски

Чаще всего станковая живопись исполнена масляными красками. Масляными красками можно работать на холсте, дереве, картоне, бумаге, металле.

Масляные краски
Ма́сляные кра́ски – суспензии неорганических пигментов и наполнителей в высыхающих растительных маслах или олифах либо на основе алкидных смол, иногда с добавкой вспомогательных веществ. Применяются в живописи или для окраски деревянных, металлических и других поверхностей.

В. Перов «Портрет Достоевского» (1872). Холст, масло
Но живописную картину можно создать и при помощи темперы, гуаши, пастели, акварели.

Акварель

Акварельные краски

Акваре́ль (фр. Aquarelle – водянистая; итал. acquarello) – живописная техника, использующая специальные акварельные краски. При растворении в воде они образуют прозрачную взвесь тонкого пигмента, за счёт этого создаётся эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов.

Дж. Тёрнер «Фирвальдштетское озеро» (1802). Акварель. Тейт Британ (Лондон)

Гуашь

Гуа́шь (фр. Gouache, итал. guazzo водная краска, плеск) – вид клеевых водорастворимых красок, более плотный и матовый, чем акварель.

Гуашевые краски
Гуашевые краски изготавливаются из пигментов и клея с добавлением белил. Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость, но при высыхании цвета несколько выбеливаются (высветляются), что должен учитывать художник в процессе рисования. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона светлыми.

Винсент Ван Гог «Коридор в Асулуме» (чёрный мел и гуашь по розовой бумаге)

Пастель [э]

Пасте́ль (от лат. pasta – тесто) – художественные материалы, применяемые в графике и живописи. Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением. Пастель бывает трёх типов: «сухая», масляная и восковая.

И. Левитан «Долина реки» (пастель)

Темпера

Те́мпера (итал. tempera, от латинского temperare – смешивать краски) – водоразбавляемые краски, приготовляемые на основе сухих порошковых пигментов. Связующим веществом темперных красок служит разбавленный водой желток куриного яйца или цельное яйцо.
Темперные краски – одни из древнейших. До изобретения и распространения масляных красок вплоть до XV-XVII вв. темперные краски были основным материалом станковой живописи. Их используют уже более 3 тысяч лет. Знаменитые росписи саркофагов древнеегипетских фараонов выполнены темперными красками. Темперной в основном была станковая живопись византийских мастеров. В России техника темперного письма была преобладающей вплоть до конца XVII в.

Р. Стрельцов «Ромашки и фиалки» (темпера)

Энкаустика

Энка́устика (от др.-греч. ἐγκαυστική – искусство выжигания) – техника живописи, в которой связующим веществом красок является воск. Живопись выполняется красками в расплавленном виде. В этой технике написаны многие раннехристианские иконы. Возникла в Древней Греции.

«Ангел». Техника энкаустика

Обращаем Ваше внимание на то, что можно встретить и другую классификацию, согласно которой акварель, гуашь и другие техники, использующие бумагу и краски на водной основе, относят к графике. Они совмещают особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерного для живописной поверхности).

Монументальная живопись

Монумента́льная жи́вопись – живопись на архитектурных сооружениях или других основаниях. Это древнейший вид живописи, известен с палеолита. Благодаря стационарности и долговечности многочисленные ее образцы остались практически от всех культур, создавших развитую архитектуру. Основные техники монументальной живописи – фреска, а секко, мозаика, витраж.

Фреска

Фре́ска (от итал. fresco – свежий) – живопись по сырой штукатурке водяными красками, одна из техник стенных росписей. При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.
Фреска имеет приятную матовую поверхность и долговечна в условиях закрытого помещения.

Монастырь Гелати (Грузия). Церковь Пресвятой Богородицы. Фреска на верхней и южной стороне Триумфальной арки

А секко

А се́кко (от итал. a secco – по сухому) – настенная живопись, выполняемая, в отличие от фрески, по твёрдой, высохшей штукатурке, вторично увлажнённой. Используются краски, растёртые на растительном клее, яйце или смешанные с известью. Секко позволяет расписывать за рабочий день бо́льшую площадь поверхности, чем при фресковой живописи, но является не столь долговечной техникой.
Техника а секко сложилась в средневековой живописи наряду с фреской и была особенно распространена в Европе в XVII-XVIII вв.

Леонардо да Винчи «Тайная вечеря (1498). Техника а секко

Мозаика

Моза́ика (фр. mosaïque, итал. mosaico от лат. (opus) musivum – (произведение), посвящённое музам) - декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров. Изображения в мозаике формируется компоновкой, набором и закреплением на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

Мозаичное панно «Кот»

Витраж

Витраж (фр. vitre – оконное стекло, от лат. vitrum – стекло) – произведение из цветного стекла. С давних пор витраж использовался в храмах. В эпоху Возрождения витраж существовал как живопись на стекле.

Витраж ДК «Межсоюзный» (Мурманск)
К разновидностям живописи относятся также диорама и панорама.

Диорама

Здание диорамы «Штурм Сапун-горы 7 мая 1944 года» в Севастополе
Диорама – лентообразная, изогнутая полукругом живописная картина с передним предметным планом. Создаётся иллюзия присутствия зрителя в природном пространстве, что достигается синтезом художественных и технических средств.
Диорамы рассчитаны на искусственное освещение и располагаются в основном в специальных павильонах. Большинство диорам посвящено историческим сражениям.
Наиболее известные диорамы: «Штурм Сапун-горы» (Севастополь), «Оборона Севастополя» (Севастополь), «Бои за Ржев» (Ржев), «Прорыв блокады Ленинграда» (Петербург), «Штурм Берлина» (Москва) и др.

Панорама

В живописи панорамой называют картину с круговым обзором, на которой плоский живописный фон совмещается с объёмным предметным первым планом. Панорама создает иллюзию реального пространства, окружающего зрителя в полном круге горизонта. Панорамы применяют главным образом для изображения событий, охватывающих значительную территорию и большое число участников.

Музей-панорама «Бородинская битва» (здание музея)
В России самыми известными панорамами являются Музей-панорама «Бородинская битва», «Волочаевская битва», «Разгром немецко-фашистских войск под Сталинградом» в музей-панораме «Сталинградская битва», «Оборона Севастополя», панорама Транссибирской железной дороги.

Франц Рубо. Полотно панорамы «Бородинская битва»

Театрально-декорационная живопись

Декорации, костюмы, грим, бутафория помогают глубже раскрыть содержание спектакля (кинофильма). Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.
В России расцвет театрально-декарационного искусства приходится на рубеж XIX-ХХ вв. В это время в театре начали работать выдающиеся художники М.А. Врубель, В.М. Васнецов, А.Я. Головин, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих.

М. Врубель «Город Леденец». Эскиз декорации к опере Н.А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» для Русской частной оперы в Москве. (1900)

Миниатюра

Миниатюра – живописное произведение малых форм. Особенно была популярной портретная миниатюра – портрет небольшого формата (от 1,5 до 20 см), отличающийся особой тонкостью письма, своеобразной техникой исполнения и использованием средств, присущих только этой изобразительной форме.
Виды и форматы миниатюр очень разнообразны: их писали на пергаменте, бумаге, картоне, слоновой кости, на металле и фарфоре, используя акварель, гуашь, специальные художественные эмали или масляные краски. Автор может вписать изображение, в соответствии со своим решением или по желанию заказчика, в круг, овал, ромб, восьмиугольник и т. д. Классической портретной миниатюрой считается миниатюра, выполненная на тонкой пластинке из слоновой кости.

Император Николай I. Фрагмент миниатюры работы Г. Морселли
Существует несколько техник миниатюр.

Лаковая миниатюра (Федоскино)

Миниатюра с портретом княгини Зинаиды Николаевны (драгоценности Юсуповых)

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали , чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» - это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», - говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево - три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид .

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» - «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, - это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь - представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла - проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Муниципальное казенное образовательное учреждение дополнительного образования

«Горшеченская детская школа искусств»

Методическая разработка по теме «Живопись как вид искусства»

Подготовил преподаватель МКОУ ДО «Горшеченская ДШИ»

Султанов Владимир Мубарякович

Понятие живописи

« Живопись - это художественное изображение предметного мира на плоскости посредством цветных материалов». « Живопись один из важнейших видов изобразительного искусства, в котором задачи образного отражения, истолкования и познания явлений и предметов объективной действительности решаются цветом, непрерывно связанные с рисунком. Произведения живописи создаются красками (масляные, водяные, восковые, клеевые и пр.), которые наносятся на поверхность холста, штукатурки, бумаги, на керамическую поверхность и т.д.». Более общее понятие мы находим у : «Живопись означает писать жизнь, писать живо, то есть полно и убедительно передавать действительность».

Виды живописи

Монументальная (от лат.монумент означает хранящий память, напоминающий) - особый вид живописных произведений, отличающихся большим масштабом, являющихся украшением стен, потолков, куполов, сводов в различных архитектурных сооружениях. Фреска - одна из видов настенной живописи красками, разведенными чистой или известковой водой, по штукатурке. Существуют несколько разновидностей фрески:

альфреско - по сырой, свежей штукатурке;

«фреско а секко» - по сухой штукатурке;

казеиново-известковая живопись - модификация фрески сухой штукатурке, появившаяся в XVII в.;

сграффито - наиболее распространенная форма современной стенописи, а именно, послойное нанесение красок на штукатурку с обнажением, процарапыванием нижних слоев, отличных по цвету;

граффити – также является современным изобретением в области стенописи. Выполняется граффити с помощью аэрозольных баллончиков, наполненных красящими веществами, изображение получается распылением красок, его объемность достигается при наложении одного цвета на другой.

Мозаика - изображение, выполненное из однородных или различных по материалу частиц камня смальты, керамической плитки, которые закрепляются в слое грунта (извести или цементе). Иконопись вместе с ее канонами пришла на Русь из Византии, но древнерусская иконопись вскоре стала самобытной и считается лучшей в мире. На Руси икону обычно писала целая артель, которой руководил один мастер. Большинство иконописцев были монахами, и мы часто не знаем их имен - художник не ставил свою подпись на иконе, потому что воспринимал себя как смиренное «орудие» Бога.

Декоративная живопись существует в двух направлениях. Первое характеризуется применением её для украшения зданий, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию раздвижения стены, зрительного увеличения размеров помещения или, напротив, искусственно упрошенными формами исключается натуралистичный объем и подчеркивается плоскостность стены, обозначается замкнутость пространства. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая их красоту, согласованность с архитектурой. Второе направление связано с украшением вещей, окружацщихчелЮвека: предметы быта: ларцы, шкатулки, разделочные доски, ковши, поставцу, сундуви и пр. Ее темы и формы подчинены назначению вещей и замыслу автора. Театрально-декорационная живопись (декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника) способствует глубокому раскрытию содержания спектакля, фильма, ролика. Станковая живопись является самостоятельным произведением, отражающим все многообразие окружающего мира, выраженное в разнообразных образах (от реально существующих объектов, явлений до беспредметной фантазии, раскрывающей мир с иной точки зрения). Произведения станковой живописи выполняются на станке-мольберте, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаше холст, натянутый на подрамник. Миниатюрная живопись (от лат.миниум - так обозначалась краска киноварь, которую очень ценили в древности и часто использовали в книжных иллюстрациях). Миниатюры - это небольшие по размеру, очень красочные изображения, с тонко выписанными мелкими деталями получила свое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Масляная живопись выполняется красками, приготовленными на основе орехового, льняного, макового, конопляного масла, способствующими достижению цельности, живости, изящества, усиливающих оптические возможности при передаче объема и пространства, повышающих общее эстетическое звучание полотна. Темперная живопись выполняется темперной эмульсией, приготовленной на основе смешения цельнояичной, белковой, желтковой основы, клея, масла, красителей, молочка фиговой веточки, лака, казеина, воска. Акварель (от лат. aqua - вода) краски, полученные на основе растительного клея, разводимые водой отсюда и название живописи. Гуашевая живопись (от итал. Guazzo - водяная краска) - произведения выполненные красками, состоящими из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим (гуммиарабик, пшеничный крахмал, декстрин и др.)и примесью белил. Гуашевая живопись может выполняться на бумаге, картоне, полотне, шелке, дереве, стекле, кости). Пастельная живопись выполняется мягкими карандашами без оправы (мелками), полученными путем смешения красочного порошком с клеящим веществом (вишневым клеем, декстрином, желатином, казеином). Пастельная живопись отличается мягкой приглушенностью тонов, бархатистостью поверхности. Восковая живопись (энкаустика) применялась еще в Древнем Египте. Связующим веществом в энкаустике служи отбеленный воск. Восковые краски наносятся в расплавленном состоянии на подогретую основу кистью раскаленным бронзовым инструментом, после чего прижигаются (оплавлялась с помощью жаровни).

Жанры живописи

Мифологический жанр (от гр. mythos - предание) - жанр живописи, в котором основное место отводится изображению событий и героев, являющихся тематикой мифов, легенд, преданий, былин древних народов. Позднеантичное и средневековое искусство становятся колыбелью зарождающегося мифологического жанра, а именно в то время когда греко-римские мифы перестают быть верованиями и становятся литературными произведениями, целью которых является нравственное воспитание поколений средствами различных аллегорий. Исторический жанр , произведения которого посвящены изображению значимых исторических событий, явлений или исторических деятелей. Основой этих произведений является обращение к историческому прошлому, однако, недавние события также могут стать предметом изображения, при условии, что их историческое значение признано современниками. Батальный жанр (от фр. bataille - битва) - жанр изобразительного искусства, раскрывающий темы войн, сражений, битв, походов или эпизоды военной жизни. Батальный жанр может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью исторического или мифологического жанра, а также содержать в себе некоторые элементы других жанров. Бытовой жанр (от фр. genre, нем. sitten-bild - род, вид, «жанр») - наиболее распространенный жанр изобразительного искусства, в котором художник обращается к темам и сюжетам повседневной жизни человека. Пейзаж (от фр. paysage, от pays - местность, страна, родина) - жанр изобразительного искусства, основным направлением которого является изображение природы, ландшафта, моря, панорамы местности, архитектурных сооружений, городских улочек, мостов. Пейзажем называются и сами произведения этого жанра. Натюрморт (от фр. naturemorte - мертвая природа, натура) - жанр изобразительного искусства, отдельное произведение этого жанра, художественно отображающее различную домашнюю утварь, музыкальные инструменты, цветы, фрукты, дичь, продукты, неодушевленные предметы и пр. или сама постановка, служащая объектом изображения художника. Натюрморт могут составлять не только неодушевленные предметы, но и природные формы. Это в свою очередь повлияло на появление другой, более точной формулировки этого жанра. По-немецки (stilleben) и по-английски (stilllife) этот жанр называется¬ - тихая жизнь. Это означает, что все предметы и объекты в натюрморте неподвижны, и в то же время они являются неким «эхом» своего хозяина, его внутреннего мира, характера, привычек и т.д. Портрет (от фр. portrait - изображение) - жанр изобразительного искусства, основной целью которого является изображение отдельного человека или группы людей. Основное качество портрета заключается не только в сходстве с оригиналом, что обеспечивается, прежде всего, точным изображением внешнего облика человека, но и в раскрытии его тонкой душевной и духовной материи, которую наблюдательный, профессиональный художник способен уловить по движениям мышц лица, характеру взгляду, выражению глаз, жестам, позе, манере одеваться, окружающей обстановке. Все эти черточки позволяют составить достоверный психологический портрет, который ложится в основу изображения. НЮ (от фр. nu - нагой, раздетый) - жанр изобразительного искусства, посвященный изображению обнаженного тела. Обнаженное тело изображалось уже в Древнем Египте. В Древней Греции тема обнаженной натуры становится для художников одной из главных, их цель - показать красоту, гармонию форм, линий. Для мастеров изображение модели обнаженной становится эстетической нормой и воплощением жизненного и одновременно художественного идеала. Анималистический жанр (от лат. animal - животное) - жанр изобразительного искусства, основной темой которого является изображение представителей животного мира.

Влияние цвета на психологическое состояние человека

Восприятие цвета является одним сложных процессов, который обусловлен как физическими, так и психологическими стимулами, а именно . Развитие человеческого цветового зрения во многом зависело от достижений в области науки, связанных с определением особенностей и закономерностей эмо¬ционально-психологического воздействия цвета, которые прошли путь от выявления элементарного цветоощущения до характеристики высокоразвитого чувства цве¬та. «Под чувством цвета в отли¬чие от простого ощущения понимается сложное, обогащающее восприятие цвета, когда возникают представления, образы, ассоци¬ации, связанные с цветом» (37). Однако любые достижения в области науки не могут полностью дать объяснение многим явлениям, происходящим с личностью при восприятии того или иного цвета. Множество проведенных исследований доказательно обосновали факт, что цвет имеет различное по степени и характеру значение для человека: цветовые отношения в окружающей обстановке могут успокоить, а могут возбудить, могут излечить, компенсировать какие-либо недуги, а могут ввести в состояние глубокой депрессии и усугубить физическое и психологическое нездоровье. При всем при этом, зная символику цветов, выделенную в ходе исторического развития человечества, чаще всего жизненная практика не уделяет достаточного внимания проблеме цвета в организации среды, в образовании и воспитании подрастающего поколения. А это обуславливает развитие множества негативных моментов и многочисленной стереотипизации личностей, приводящей к некой усредненности и, соответственно духовной обедненности, не позволяющей в полной мере раскрыться каждому ребенку в той или иной области. Ярким примером такого суждения выступает «цветовое навязывание», осуществляемое с самого рождения и сопровождающее всю последующую жизнь. Родившись ребенок сразу попадает в определенную цветовую среду, организованную взрослыми, и хорошо, если взрослые понимают на сколько важно первое взаимодействие ребенка с цветом и тогда, в этом случае не произойдет «цветовой травмы». В такой среде ребенку будет комфортно, поскольку он сам по себе является гармоничным существом, очень тонко чувствующим любые дисгармоничные проявления. И чем младше ребенок, тем чувствительность выше, хотя сказать об этом ребенок не в состоянии, он может только внешне показать (своим плачем, беспокойным поведением, криком и т.д.). Но в большинстве случаев взрослые не способны выстроить гармоничную цветовую среду, в силу различных обстоятельств (незнания, невоспитанности эстетического вкуса, мировоззренческих установок в воспитании детей, низким уровнем жизни и т.д.) и тогда ребенок начинает адаптироваться к этой среде, которую вокруг него создали, тем самым постепенно привыкая к состоянию дисгармоничности. Далее это взаимодействие продолжается в дошкольном образовательном учреждении, где также далеко не всегда цветовому фактору уделяется достаточно внимания. Таким образом, ореол «цветового привыкания» расширяется. Вот почему у детей уже к среднему и старшему дошкольному возрасту без специального обучения основам цветоведения очень сильно развивается система цветовых стереотипов и причиной служит не только отсутствие или педагогически нецелесообразное руководство творчеством детей, но и среда, содержащая в себе элементы глубокой дисгармонии. Придя в школу, колледж, ВУЗ, на работу развивающаяся личность сталкивается с той же самой проблемой. В конечном итоге подросток перестает реагировать на цвет, тем самым, обедняя свое восприятии мира, в этом случае личность становится «автоматизированной», поскольку большая часть действий совершается по причине выгодности, материальной заинтересованности, а не из-за эстетических и духовных потребностей, являющихся прерогативой человека. Печальным, а иногда и опасным последствием становится неумелая организация цветовой среды. Проиллюстрируем наглядными примерами: возьмем класс или аудиторию, где проходят занятия, требующие внимания, усидчивости и окрасим, как часто это бывает, в один цвет, к примеру в грязновато желтый, после 1-2 часов работы в этом помещении у большинства появляется головная боль, недомогание, усталость или возбужденность. Причина в том, что такой оттенок желтого у одних может вызвать ощущение опасности и потому спровоцировать некое волнение, переходящее в эмоциональное возбуждение, мешающее усвоению материала, у других, такой оттенок будет способствовать сужению кровеносных сосудов, что и приведет вразличного рода головным болям. Если это же помещение окрасить в ярко розовый цвет, то у одних появиться ярко выраженная раздраженность, у других, инфантильность и пассивность, приводящая к невнимательности и рассеянности. Многие никогда не задумывались о том, что приходя в поликлинику или в больницу они испытывают волнение, страх и чувствуют себя крайне некомфортно. И это происходит не только потому, что в учреждениях подобного типа человеку доставляют боль. Одной из причин является холодная цветовая гамма, используемая для окраски стен (чаше всего можно наблюдать светлый сине-зеленый, голубой или белый) А ведь именно такие оттенки, воспринимаемые как холодящие, вызывают ощущения скованности, приводящие к появлению чувства страха, усугубляемое назначением самого помещения. Приведенные примеры еще раз подтверждают, на сколько цветовая среда может влиять на психологическое состояние человека. Поэтому организуя цветовое пространство всегда нужно помнить не только о его функциональном назначении, но и о цветовом решении, способствующем, во-первых, психологическому комфорту личности, во-вторых, эстетическом ее воспитании. Для того чтобы глубже разобраться в связях и отношениях между цветами оттенками необходимо рассмотреть их символическое значение, свойства и качества.

Символика цвета

Символика цвета в различные периода развития культуры и искусства играла одно из важнейших мест в становлении мировоззрения общества, влияющего на оценку идейно-художест¬венного содержания произведений. Однако справедливо указать, что в трактовке символического значения того или иного цвета в разные времена и в разных странах единения и идентичности не наблюдалось. К примеру, «в средние века красный цвет одновременно воспринимался как цвет красоты и радости, так и цвет злости и стыда. Рыжая борода и волосы в одном случае считались признаком положительного героя, в то же время в других средневековых поверьях рыжая борода - символ колдовства» . Сравним несколько групп различных культур на предмет определения символического значения цвета. Западноевропейская христианская символика главными цветами считает: белый (божественность, святость); желтый (символ Солнца); пурпурный (величественность, царственность); красный (цвет священной крови Христа). Зеленый воспринимался как земной цвет, как символ весеннего обновления; синий символизировал божественность неба и истины; черный выступал как символ негативных явлений, греховности. Символика цвета в общественной жизни Западной Европы имеет некоторые отличия и о религиозной трактовки. Эта цветовая символика прочна вошла в цветовую геральдику многих стран и даже имела силу закона. Так белый цвет (серебро, справедливость); желтый (золото, богатство); красный (сила, демократия); зеленый (плодородие, расцвет); голубой (невинность, миролюбие); синий (мудрость); фиолетовый (печаль, бедствие); черный (траур, смерть). В исламской культуре цветовые символы являются как определенными метафорами, так и средством цветового обозначения в алхимии, науке и жизни. Так основным цветом в исламской символике считается белый (святость и достоинство, с одной стороны и благостный траур - с другой). Второй основной цвет - желтый как символ Солнца, Золота, Радости. Третий основной цвет - красный, обозначающий Огонь, Кровь как признак жизни. Синий воспринимался как символ спокойствия Ночи и Смерти. Зеленый - главный цвет мусульманского рая. В этом цвете соединяются и земное, и небесное начала. Черный соотносится с отрицательной стороной жизни, с нечистой совестью и плохими побуждениями. На Руси красный цвет считался признаком красоты, и все, что связывалось с понятием «красивый», называлось красным: «Красная площадь», «красное крыльцо», «красный угол», «весна-красна», «красна девица». Современная цветовая символика включается в поэтические метафоры цвета и содержит признаки психологического значения. В настоящее время создана расширенная система цветовых символов: желтый (радость, ревность, зависть); красный (любовь, страсть, гнев); синий (бесконечность, тоска, космос); зеленый (природа, молодость); белый (чистота, невинность, покорность, умиротворение); черный (тьма, мрак, смерть) и многие другие. Для того, чтобы более наглядно рассмотреть как менялось представление о символическом значении цвета в различных культурах составим таблицу, раскрывающую основные характеристики того или иного цвета. Для анализа были взяты часто встречающиеся и пересекающиеся в различных культурах цвета.