Существует суеверие, что написание портрета может принести несчастье модели. В истории русской живописи было несколько известных полотен, у которых сложилась мистическая репутация.

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». Илья Репин

У Ильи Репина была репутация "рокового живописца": многие из тех, чьи портреты он рисовал, скоропостижно умирали. Среди них Мусоргский, Писемский, Пирогов, итальянский актер Мерси д’Аржанто и Федор Тютчев.

Самой мрачной картиной Репина признают «Иван Грозный убивает своего сына». Любопытный факт: до сих пор неизвестно, убивал ли Иван IV своего сына или эту легенду действительно сочинил ватиканский посланник Антонио Поссевино.

Картина произвела гнетущее впечатление на посетителей выставки. Были зафиксированы случаи истерии, а в 1913 году иконописец Абрам Балашов распорол картину ножом. Позже его признали невменяемым.

Странное совпадение: художник Мясоедов, с которого Репин писал образ царя, вскоре чуть было не убил в приступе гнева своего сына Ивана, а литератор Всеволод Гаршин, который стал натурщиком для царевича Ивана, сошёл с ума и покончил с собой.

«Портрет М. И. Лопухиной». Владимир Боровиковский

Мария Лопухина, происходящая из графского рода Толстых, стала натурщицей художника в 18 лет, вскоре после собственной свадьбы. Изумительно красивая девушка была здоровой и полной сил, но скончалась спустя 5 лет. Спустя годы поэт Полонский напишет «Красоту ее Боровиковский спас…».

Появились слухи о связи картины со смертью Лопухиной. Родилась городская легенда, что на портрет нельзя долго смотреть - постигнет печальная участь «натурщицы».

Некоторые утверждали, что отец девушки, магистр масонской ложи, заключил дух дочери в портрете.

Спустя 80 лет картину приобрёл Третьяков, который не побоялся репутации портрета. Сегодня полотно находится в коллекции Третьяковской галереи.

«Неизвестная». Иван Крамской

Картина «Неизвестная» (1883) вызывала бурный интерес у Петербургской публики. А вот Третьяков наотрез отказался приобретать картину для своей коллекции. Так, «Незнакомка» начала своё путешествие по частным собраниям. Вскоре начали происходить странности: первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все несчастья приписывали роковой картине.

Не избежал беды и сам художник, вскоре после написания картины скончались два сына Крамского.

Картин продали за рубеж, где она продолжила приносить владельцам одни несчастья, пока в 1925 году полотно не вернулось в Россию. Когда портрет оказался в коллекции Третьяковской галереи несчастья прекратились.

«Тройка». Василий Перов

Перов долго не мог найти натурщика для центрального мальчика, пока не познакомился с одной женщиной, которая ехала через Москву на богомолье со своим 12-летним сыном Васей. Художнику удалось уговорить женщину дать Василию попозировать для картины.

Спустя несколько лет Перов снова встретился с этой женщиной. Оказалось, что спустя год после написание картины Васенька умер, и его мать специально приехала к художнику, чтобы на последние деньги выкупить картину.

Но полотно уже было приобретено и экспонировалось в Третьяковской галерее. Когда женщина увидела «Тройку», она упала на колени и стала молиться. Растроганный, художник написал для женщины портрет ее сына.

«Демон поверженный». Михаил Врубель

Сын Врубеля, Савва, скоропостижно скончался вскоре после того, как художник закончил портрет мальчика. Смерть сына стала ударом для Врубеля, поэтому он сконцентрировался на своей последней картине «Демон поверженный».

Желание закончить полотно переросло в одержимость. Врубель продолжал дописывать картину даже когда ее отправили на выставку.

Не обращая внимания на посетителей, художник приходил в галерею, доставал кисти и продолжал работать. Обеспокоенные близкие связались с врачом, но было уже поздно - сухотка спинного мозга свела Врубеля в могилу, несмотря на лечение.

«Русалки». Иван Крамской

Иван Крамской задумал написать картину по мотивам повести Н.В. Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». На первой выставке в Товариществе передвижников картину повесили рядом с пасторалью «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. В первую же ночь картина «Грачи» упала со стены.

Вскоре обе картины купил Третьяков, «Грачи прилетели» заняла место в кабинете, а «Русалок» выставили в зале. С этого момента прислуга и домочадцы Третьякова начали жаловаться на заунывное пение, доносящиеся по ночам из залы.

Более того, люди стали отмечать, что рядом с картиной они испытывают упадок сил.

Мистика продолжалась, пока старая нянька не посоветовала убрать русалок со света в дальний конец зала. Третьяков последовал совету, и странности прекратились.

«На смерть Александра III». Иван Айвазовский

Когда художник узнал о смерти императора Александра III, он был шокирован и без всякого заказа написал картину. По задумке Айвазовского, картина должна была символизировать торжество жизни над смертью. Но, закончив картину, Айвазовский спрятал ее и не показывал никому. Впервые картину выставили на всеобщее обозрение лишь спустя 100 лет.

Картина разбита на фрагменты, на полотне изображен крест, петропавловская крепости и фигура женщины в черном.

Странный эффект заключается в том, что под определенным углом женская фигура превращается в смеющегося мужчину. Некоторые видят в этом силуэте Николая II, а другие - Пахома Андреюшкина, одного из тех террористов, которым не удалось покушение на императора в 1887 году.

На портрете работы Владимира Боровиковского - рано умершая от чахотки Мария Лопухина

О портрете Марии Лопухиной работы Владимира Боровиковского рассказывали страшные истории еще во времена Пушкина. Писан он был с рано умершей от чахотки дочери дворянина Ивана Толстого, мистика и магистра масонской ложи. Ходили слухи, что если молодая девушка взглянет на картину, то вскоре отдаст Богу душу. В салонах шептались, что жертвами дьявольского портрета стало не менее десятка дворянских девиц на выданье. Мол, там живет душа покойницы Лопухиной, она и забирает души.
После того как полотно было выставлено в галерее на всеобщее обозрение, разговоры о проклятии несколько поутихли. Хотя, по традиции, портрет все еще считается «несчастливым». В 1880 году полотно приобрел известный меценат Третьяков. Павел Третьяков у себя в галерее повесил две прекрасные работы художника Боровиковского Владимира Лукича (1757-1826 гг) - портрет светской красавицы Лопухиной и князя Куракина рядом друг с другом. Писаны портреты одной рукой, поэтому и расположил их собиратель близко, но не тут-то было, утром портрет незадачливого Куракина обнаружили на полу с вдребезги разбитой рамой. Не понравилось соседство князя строптивой красавице.Третьяков, недолго думая, занялся изучением истории жизни людей, изображения которых он приобрел для своей коллекции и обнаружил небезынтересный факт, что еще при жизни оных, молодая красавица Лопухина на дух не переносила стареющего князя, который волочился за женщинами.

Изобразительное искусство всегда считали тесно связанным с мистической сферой. Ведь любое изображение является энергетическим отпечатком оригинала, особенно если речь идет о портретах. Считается, что они способны влиять не только на тех, с кого написаны, но и на других людей. За примерами далеко ходить не надо: обратимся к русской живописи XIX - начала ХХ столетия.

Илья Репин - гроза натурщиков?

Портрет писателя А.Ф.Писемского

Вряд ли кто-нибудь будет спорить, что Илья Ефимович Репин - один из величайших русских живописцев. Но существует одно странное и трагическое обстоятельство: многие, кому выпала честь быть его натурщиками, вскоре умирали. Среди них Мусоргский, Писемский, Пирогов, итальянский актер Мерси д’Аржанто. Едва художник взялся за портрет Федора Тютчева, тот тоже скончался. Конечно, во всех случаях для смерти имелись объективные причины, - но вот совпадения… Даже здоровенные мужики, позировавшие Репину для полотна «Бурлаки на Волге», говорят, преждевременно отдали Богу душу.

Иван Грозный не убивал своего сына!

История о том, что Иван Грозный является сыноубийцей - всего лишь миф. Считается, что Иван Грозный убил сына в припадке гнева ударом посоха в висок. Причины у разных исследователей называются разные: от бытовой ссоры до политических трений. Между тем ни в одном из источников прямо не говорится о том, что царевич и наследник престола был убит собственным отцом! В «Пискаревском летописце» сказано: «В 12 час нощи лета 7090 ноября в 17 день… преставление царевича Иоанна Иоанновича». Новгородская четвертая летопись сообщает: «Того же (7090) году преставися царевич Иоанн Иоаннович на утрени в Слободе». Причина смерти не называется. В 60-е годы прошлого столетия были вскрыты могилы Иоанна Грозного и его сына. На черепе царевича отсутствовали повреждения, характерные для мозговой травмы. Следовательно, сыноубийства не было?! Но откуда тогда взялась легенда о нем? Автором ее является монах-иезуит Антоний Поссевин (Антонио Поссевино), отправленный в Москву послом от папы римского с предложением Православной церкви перейти под власть Ватикана. Идея не встретила поддержки у русского царя. Поссевин, меж тем, якобы стал очевидцем семейного скандала. Государь разозлился на свою беременную сноху, жену сына Ивана, за «непристойный вид» - не то забыла надеть пояс, не то надела всего одну рубаху, тогда как было положено носить четыре. Сгоряча свекор принялся бить несчастную посохом. Царевич вступился за жену: до этого отец уже отправил в монастырь двух его первых жен, которые не смогли зачать от него. Иоанн-младший небезосновательно боялся, что потеряет и третью - отец ее просто убьет. Он бросился на батюшку, а тот в припадке буйства ударил посохом и пробил сыну висок. Однако, кроме Поссевина, ни один источник не подтверждает этой версии, хотя позднее ее охотно подхватили и другие историки - Штаден и Карамзин. Современные исследователи предполагают, что иезуит придумал легенду в отместку за то, что ему пришлось возвратиться к папскому двору несолоно хлебавши. При эксгумации в костных тканях царевича были найдены остатки ядов. Это может указывать на то, что Иоанн-младший скончался от отравления (что не редкость для тех времен), а вовсе не от удара твердым предметом! Тем не менее на картине Репина мы видим именно версию сыноубийства. Исполнена она с таким необычайным правдоподобием, что невольно веришь: все так и происходило на самом деле. Отсюда, конечно, и «убийственная» энергетика. В 1963 году в Архангельском соборе Кремля была вскрыта могила Ивана Грозного и его сына, царевича Иоанна. Экспертиза не обнаружила на черепе царевича никаких повреждений. Однако выяснился другой прелюбопытный факт - в костях царевича, самого Ивана Грозного и впоследствии его матери и первой жены - Анастасии Романовой, была обнаружена ртуть. Много ртути - количество, во много раз превышавшее смертельную дозу. Получается, что династию долго планомерно травили. Может быть и Иван Грозный был не таким уж и грозным?

Однако самая жуткая история приключилась с картиной «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», которая в наше время больше известна под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Даже уравновешенным людям при взгляде на полотно становилось не по себе: слишком реалистично написана сцена убийства, слишком много на холсте крови, которая кажется настоящей.
Выставленное в Третьяковской галерее полотно производило странное впечатление на посетителей. Одни перед картиной рыдали, другие впадали в ступор, с третьими приключались истерические припадки. А молодой иконописец Абрам Балашов 16 января 1913 года порезал холст ножом. Его отправили в лечебницу для душевнобольных, где он и умер. Полотно удалось отреставрировать.
Известно, что Репин долго раздумывал, прежде чем браться за картину об Иване Грозном. И не зря. Художник Мясоедов, с которого был написан образ царя, вскоре в гневе чуть не прикончил своего малолетнего сына, которого тоже звали Иваном, как и убиенного царевича. Образ же последнего писался с литератора Всеволода Гаршина, который впоследствии сошел с ума и покончил с собой, бросившись в лестничный пролет…Писатель Гаршин, изображенный Репиным в образе царевича Ивана в картине «Иван Грозный и его сын Иван», умер явно раньше своего срока: он покончил жизнь самоубийством в 33 года, бросившись вниз с верней площадки лестничной клетки в межмаршевый проем. Черепно-мозговая травма оказалась смертельной, но самым удивительным было то, что голову Гаршин разбил в том самом месте, которое было указано художником на знаменитом полотне за два года до самоубийства писателя, - Иван Грозный поразил сына, ставшего для Гаршина символом его несчастной судьбы, в левый висок. Художником была либо предугадана, либо предначертана дальнейшая судьба Гаршина, сыгравшего главную роль в самой душераздирающей картине Репина.
Мистическое совпадение дат довершает убийственность кажущихся случайностей: Гаршин покончил с собой 5 апреля 1888 года в возрасте 33 лет, точно в день рождения Ивана Иоанновича, сына Ивана Грозного, родившегося 5 апреля 1554 г. Дух убиенного царевича, воскресший на полотне Репина, призвал душу писателя, отважившегося стать натурщиком для художника, невольно совершившего акт инвольтирования (магического убийства изображаемого человека).

Кошмар министров

Как-то Репину заказали огромное монументальное полотно «Торжественное заседание Государственного совета».
Картина была завершена к концу 1903 года. А в 1905 году грянула первая русская революция, в ходе которой полетели головы изображенных на полотне чиновников. Одни лишились постов и званий, другие и вовсе поплатились жизнью: министр В.К. Плеве и великий князь Сергей Александрович, бывший генерал-губернатором Москвы, были убиты террористами.
В 1909 году художник по заказу Саратовской городской думы написал портрет премьер-министра Столыпина.
Едва он закончил работу, как Столыпин был застрелен в Киеве.
Кто знает - может, не будь Илья Репин так талантлив, трагедий могло и не случиться. Еще в XV столетии ученый, философ, алхимик и маг Корнелий Агриппа Неттесгеймский писал: «Бойтесь кисти живописца - его портрет может оказаться более живым, чем оригинал».

Гибельная «Незнакомка»

«Незнакомка» Ивана Крамского приносила несчастье своим владельцам

«Незнакомка» Ивана Крамского (оригинальное название - «Неизвестная») - один из самых загадочных шедевров русской живописи. На первый взгляд, в портрете нет ничего мистического: красавица едет по Невскому проспекту в открытой коляске.
Многие считали героиню Крамского аристократкой, но модное, отороченное мехом и синими атласными лентами бархатное пальто и стильная шляпка-беретка, вкупе с насурьмленными бровями, помадой на губах и наведенным румянцем на щеках, выдают в ней даму тогдашнего полусвета. Не проститутка, но явно содержанка какого-то знатного или богатого человека. Однако когда художника спрашивали, существует ли эта женщина в реальности, он только усмехался и пожимал плечами. Во всяком случае, оригинала никто не встречал.
Меж тем Павел Третьяков отказался приобрести портрет для своей галереи - может быть, опасался поверья о том, что портреты красавиц «высасывают силы» из живых людей. «Незнакомка» начала путешествовать по частным собраниям. И очень скоро обрела дурную славу. Первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все эти несчастья приписывали роковой картине.
Не избежал проклятия и сам Крамской. Меньше чем через год после создания «Неизвестной» один за другим умерли два его сына.
«Проклятая» же картина отправилась за рубеж. Говорят, и там она чинила всяческие беды своим обладателям. В 1925 году «Незнакомка» вернулась в Россию и все же заняла свое место в Третьяковской галерее. С тех пор никаких эксцессов больше не происходило.
Может, все дело в том, что портрет с самого начала должен был занять подобающее ему место?

Карл Павлович Брюллов.«Всадница»

В истории живописи рассказывается случай о судьбе племянницы блистательного итальянского композитора Н.Паччини, портрет которой написал в 1832 году прекрасный художник Карл Павлович Брюллов (1799-1852). На картине «Всадница » изображена молоденькая Джованнина Паччини, изящно гарцующая на тонконогом коне. В Риме говорили, что юной Джованнине повезло, ведь после смерти дяди ее забрала на воспитание богатая русская графиня Юлия Самойлова, но счастье длилось недолго - девушку насмерть затоптал конь.

«Неравный брак», Василий Пукирев

«Неравный брак» Пукирев написал в 1862 году, когда ему исполнилось ровно 30 лет. Картину приняли по-разному. Одни говорили, что «очень хорошая рама, таких ни у кого нет». Другие называли «трагической картиной русской школы». Однако, ни одна галерея не пожелала заполучить эту работу, так что Пукирев был рад и тому, что полотно по-дружески приобрел художник А.Борисовский. И только через 10 лет «Неравный брак» купил Третьяков. Заплатил 1500 рублей серебром, повесил на всеобщее обозрение - и стало происходить нечто странное.

Жалостливо глядя на полотно, москвичи рассказывали друг другу, что автор изобразил на картине собственное горе - его любимую девушку насильно выдали замуж за богатого сановника. А что мог поделать бедный художник?! Только изобразить самого себя рядом с любимой. Видите молодого чернобородого человека с горящим взглядом, что стоит, скрестив руки, в правом углу картины? Это он и есть…

И эти пересуды были правдой! Потому так пронзительна картина. Видно, работая над ней, художник, как мог, отомстил проклятому богачу - состарил его до невозможности. И что поразительно - тот вскорости умер. Но и это не помогло - любимая не вернулась к живописцу, а ушла в монастырь. У художника началась горячка, он уверял, что его преследует собственная картина. Одну за другой делал он ее копии, на одной из которых расписался углем прямо на своем изображении. Потихоньку Пукирев спился, жил на подачки друзей и умер в бедности и безвестности 1 июня 1890 года…

Москвичи рассказывали друг другу, что сама картина Пукирева оказывает мистическое влияние. Старики, готовящиеся жениться на молоденьких, совершенно не могут перед находиться - у него начинает белеть голова, у другого - сердце, а кто и вовсе сознание теряет. Недаром зрители прозвали картину «Кощей с невестой». Кстати, известный писатель-историк Н.Костомаров сознался друзьям, что, увидев картину Пукирева, отказался от намерения жениться на молодой девушке.

Да и с девушками на выданье, смотревшим на картину, начинало твориться что-то неладное. Либо свадьба разладится, либо брак несчастливым окажется. Ну а уж когда одна курсистка, собиравшаяся под венец, выйдя из галереи, бросилась под колеса проезжавшей конки, среди московских невест прочно утвердилось поверье - нельзя смотреть на картину Пукирева перед свадьбой!

"Демон поверженный"

У одного из самых ярких и неординарных гениев русской живописи, Михаила Врубеля, есть работы, с которыми также связаны личные трагедии самого художника."Демон поверженный" оказал пагубное влияние на психику и здоровье самого Врубеля.Художник никак не мог оторваться от картины, все продолжал дописывать лицо поверженного Духа, а также менять колорит. "Демон поверженный" уже висел на выставке, а Врубель все приходил в зал, не обращая внимания на посетителей, усаживался перед картиной и продолжал работать, словно одержимый. Близкие обеспокоились его состоянием, и его осмотрел известный русский психиатр Бехтерев. Диагноз был страшен — сухотка спинного мозга, близкое сумасшествие и смерть. Врубеля поместили в больницу, но лечение плохо помогло, и вскоре он скончался.

«Русалки», Иван Крамской тыц

Иван Николаевич Крамской традиционно считается главой русской реалистической живописи, вождем передвижников. Но удивительное дело - среди сотни реалистических работ, созданных Крамским, самыми известными и притягательными остались полотна мистические и таинственные.Правда о мистике Крамской не помышлял. Своих «Русалок» он задумал как полотно «по народным мотивам», взятым из «Майской ночи» Гоголя. Вот только получилось странновато - тяжелый лунный свет, колдовское озеро, призрачные русалки, вышедшие на ночной берег… Устроители первой выставки Товарищества передвижников (1871) повесили эту картину рядом с трогательным пейзажем Саврасова «Грачи прилетели» . И случилось невиданное - не понравились ночным русалкам дневные птицы - в первую же ночь пейзаж упал со стены.

«Грачи прилетели», Алексей Саврасов тыц

Третьяков купил оба полотна. «Грачами» украсил свой кабинет, а «Русалкам» никак не мог найти места - перевешивал из комнаты в комнату. Он и раньше сталкивался с капризными творениями. Если какому-то полотну не нравился «сосед», картины начинали «воевать» - то краска полопается, то рама треснет, а то и вовсе одна из картин на пол рухнет. Но «Русалки» повели себя хуже всех - из залы, где их пристроил Третьяков, по ночам раздавалось тихое заунывное пение. Там отказались работать уборщицы, а дети Третьякова боялись даже мимо ходить. Третьяков и сам начал замечать, что, как только дольше побудет возле «Русалок», чувствует страшную усталость. Потом и посетители стали поговаривать, что рассматривать сцену из «Майской ночи» тяжело. А после по Москве пошел слух, что какая-то барышня, насмотревшись на картину Крамского, утопилась в Яузе. Хорошо, что старушка нянька, жившая в семье Третьяковых, присоветовала: «Повесьте в самый дальний угол, чтобы на нее свет не падал. Трудно русалкам при солнечном свете, оттого они даже ночью не могут успокоиться. А как попадут в тень, разом перестанут колобродить!» Так и сделали. С тех пор, если речные девы на полотне и поют свои русалочьи песни, посетителям это не мешает.

«Женщина дождя»

Сейчас она скромно висит без рамы в одном из магазинов Винницы. «Женщина дождя» - самая дорогая из всех работ: стоит 500 долларов. Как утверждают продавцы, картину уже трижды покупали, а потом возвращали. Клиенты объясняют, что она им снится. А кто-то даже говорит, будто знает эту даму, но откуда - не помнит. И все, кто хоть раз заглянул в ее белые глаза, навсегда запоминают ощущение дождливого дня, тишины, тревоги и страха.

Откуда взялась необычная картина, рассказала ее автор - винницкая художница Светлана Телец. «В 1996 году я оканчивала Одесский художественный университет им. Грекова, - вспоминает Светлана. - И за полгода до рождения «Женщины» мне все время казалось, что за мной постоянно кто-то наблюдает. Я отгоняла от себя такие мысли, а потом в один из дней, кстати, совсем не дождливый, сидела перед чистым холстом и думала, что нарисовать. И вдруг четко увидела контуры женщины, ее лицо, цвета, оттенки. В одно мгновение заметила все детали образа. Основное написала быстро - часов за пять управилась. Казалось, моей рукой кто-то водил. А потом еще месяц дорисовывала».
Приехав в Винницу, Светлана выставила картину в местном художественном салоне. К ней то и дело подходили ценители искусства и делились такими же мыслями, какие возникали у нее самой во время работы.
«Было интересно наблюдать, - говорит художница, - насколько тонко вещь может материализовать мысль и внушить ее другим людям».
Несколько лет назад появилась первая покупательница. Одинокая бизнесменша долго ходила по залам, присматривалась. Купив «Женщину», повесила ее у себя в спальне.
Через две недели в квартире Светланы раздался ночной звонок: «Пожалуйста, заберите ее. Я не могу спать. Такое впечатление, что в квартире, кроме меня, кто-то есть. Я ее даже со стены сняла, за шкаф спрятала, а все рано не могу».
Потом появился второй покупатель. Потом картину купил молодой мужчина. И тоже не выдержал долго. Сам принес ее художнице. И даже деньги назад не взял.
- Она мне снится, - жаловался он. - Вот каждую ночь появляется и тенью вокруг меня ходит. Я с ума сходить начинаю. Боюсь этой картины!
Третий покупатель, узнав о дурной славе «Женщины», лишь отмахнулся. Даже сказал, что лицо зловещей дамы ему кажется милым. И с ним она наверняка уживется.
Не ужилась.
- Я сначала не замечал, какие у нее белые глаза, - вспоминал он. - А потом они начали появляться всюду. Головные боли начались, беспричинные волнения. А оно мне надо?!
Так «Женщина дождя» снова вернулась к художнице. По городу же понеслась молва, что картина эта проклята. За одну ночь может свести с ума. Художница уже и сама не рада, что написала такую жуть. Впрочем, Света пока не теряет оптимизма:
- Каждая картина появляется на свет для какого-то конкретного человека. Верю, что найдется тот, для кого «Женщина» писалась. Кто-то ее ищет - так же, как и она его.

Анна Ахматова как-то сказала: "Когда человек умирает, изменяются его портреты". Живописный портрет, картина - это мощная энергетическая структура. Живописец не только пишет полотно на тот или иной сюжет - он передает свои чувства, мысли, мировоззрение, а главное - настроение, которое и формирует энергетику художественного полотна. Ее еще называют "катарсисом". Если сюжет картины непрекрыто агрессивного содержания, то это вызывает агрессию и у зрителя. Надо отметить, что картины, портреты несут разную энергетику. Подчас художник, сам того не сознавая, "нагружает" созерцателя своих картин тем катарсисом, от которого освобождается сам в процессе создания полотна.

Российские ученые, исследуя "фантомные" образы картин, пришли к выводу, что мощной отрицательной аурой обладают также "Девятый Вал" Айвазовского и ряд других знаменитых полотен. А при изучении энергетики "Черного квадрата" Казимира Малевича один из ученых... потерял сознание. "Это один большой сгусток темной силы и энергии. Будто в преисподней картину рисовали", - признался ученый, когда его с трудом привели в чувство. О картине Малевича "Черный квадрат" говорили раньше и говорят сегодня. И не только для того, чтобы набить цену. До сих пор никто не знает, что означает этот квадрат, и что хотел им выразить Малевич. "Черный квадрат" - это "черная дыра" в живописи, всасывающая положительную, а выбрасывающая отрицательную энергетику, которая сильно действует на психику зрителя.

Чёрный супрематический квадрат, 1915

Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то - затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые - удивляют непомерной ценой.

Живопись, если не брать в расчет реалистов , всегда была, есть и будет странной. Метафоричной, ищущей новые формы и средства выражения. Но некоторые странные картины страннее других.

Понятно, что "странность" - это довольно субъективное понятие , и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.

Мы намеренно не включили в эту подборку Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

1. Эдвард Мунк «Крик»

1893, картон, масло, темпера, пастель. 91х73,5 см

Национальная галерея, Осло

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

«Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

Существуют две трактовки изображенного : это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

2. Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

1897-1898, холст, масло. 139,1х374,6 см

Музей изящных искусств, Бостон

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

3. Пабло Пикассо «Герника»

1937, холст, масло. 349х776 см

Музей королевы Софии, Мадрид

Огромное полотно-фреска «Герника» , написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» - «Нет, это сделали вы».

4. Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

1434, дерево, масло. 81.8х59.7 см

Лондонская национальная галерея, Лондон

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

5. Михаил Врубель «Демон сидящий»

1890, холст, масло. 114х211 см

Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине:

«Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

6. Василий Верещагин «Апофеоз войны»

1871, холст, масло. 127х197 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Верещагин - один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

Картина написана так глубоко и эмоционально , что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» - на нем изображена «мертвая природа».

Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит , символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

7. Грант Вуд «Американская готика»

1930, масло. 74х62 см

Чикагский институт искусств, Чикаго

«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

8. Рене Магритт «Влюбленные»

1928, холст, масло

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом - «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею и слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные - загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта - это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

9. Марк Шагал «Прогулка»

1917, холст, масло

Государственная Третьяковская Галерея

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» - это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица - он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

10. Иероним Босх «Сад земных наслаждений»

1500-1510, дерево, масло. 389х220 см

Прадо, Испания

«Сад земных наслаждений» - самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

11. Густав Климт «Три возраста женщины»

1905, холст, масло. 180х180 см

Национальная галерея современного искусства, Рим

«Три возраста женщины» одновременно и радостна , и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая - выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

12. Эгон Шиле «Семья»

1918, холст, масло. 152.5х162.5 см

Галерея «Бельведер», Вена

Шиле был учеником Климта , но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» - его последняя работа , в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это - наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.

13. Фрида Кало «Две Фриды»

1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из лучших картин - «Две Фриды» - она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

14. Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

1899, холст, масло

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

15. Джексон Поллок «Номер 5, 1948′′

1948, фибролит, масло. 240х120 см

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита - самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

16. Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

1935, медь, масло, 23х32 см

Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

17. Яцек Йерка «Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну - для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

18. Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»

1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная - это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками , прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года , когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину

Каждое художественное произведение несет в себе некий посыл автора, передает его внутренний мир и характер.

Картины не являются исключением, часто они наделены энергетикой творца, нарисовавшего их, что бывает приводит ко всяким таинственным и мистическим событиям . А иногда автор специально пытается зашифровывать какие-нибудь загадки и головоломки в своем произведении, некоторые до сих пор не разгаданы.

Это, пожалуй, наиболее известное и самое загадочноя полотно на сегодняшний день. Миллионы людей ежегодно посещают Лувр, чтобы посмотреть на знаменитую «Джоконду» Леонардо да Винчи. Что же такого таинственного таит в себе ее улыбка?

До сих пор ведутся споры, кто же изображен на портрете. Версий множество, это и жена торговца шелком Франческо дель Джокондо, и мать Леонардо, и его ученик натурщик Салаи, и даже автопортрет самого мастера да Винчи.

Кроме того в самой картине зашифровано несколько тайных знаков. Не так давно, с помощью сильнейшего микроскопа удалось обнаружить крошечные буквы и цифры в глазах Моны Лизы. Так же различные цифровые знаки находятся и в других фрагментах произведения.

Картина с двойным дном, точнее лицом. В 60-х годах с помощью рентгена ее просветили и увидели, что сразу после написания выглядела она по другому. Изначально лицо Данаи было лицом супруги Рембрандта Саскии, которая была и его музой. После ее смерти художник под давлением своей любовницы изменил облик на полотне , добавив ее черты.

Примечательно, что творил свое детище мастер 11 лет, и почти столько же длилась ее реставрация, после того, как в 1985 году полотно облили кислотой и порезали ножом .

А в основе произведения лежит миф про Данаю, заточенной своим отцом Акрисием, который боялся пророчества. Оно гласило, что он погибнет от руки собственного внука . Правитель Олимпа Зевс, очарованный красотой девушки проник в заточение в виде золотого дождя. От него и родился Персей, который впоследствии исполнил предание и убил своего деда.

За некоторыми картинами тянется шлейф несчастий и загадочных событий. Не избежала этого и картина Володимира Боровиковского. В XIX в. недобрые слухи ходили об этом портрете. А все потому, что изображенная на ней дочь отставного генерала Ивана Толстого графиня Мария Лопухина скончалась вскоре после написания картины . В салонах тогдашних сплетников шептались, что в картине заточен дух умершей графини, который забирает души девушек , смотрящих на нее. Что не менее десятка молодых дворянок на выданье стали жертвами злополучного полотна.

В 1880 году меценат Третьяков купил портрет Лопухиной для своей галереи, где он и находится по сей день. Смерти и слухи прекратились . Толи дух успокоился, толи дворянского сословия поубавилось.

Картины великих художников способны не только восхищать и дарить эстетическое наслаждение, но и вызывать мистический трепет и даже страх. Многие картины мастеров таят в себе загадки. О них наш рассказ.

Талантливо написанные картины всегда вызывают внутренний трепет и восхищение у поклонников живописи. Полотна великих мастеров завораживают и пленяют, поскольку красивые картины пробуждают в душах самое сокровенное, то, что зачастую человек стремится скрыть даже от самого себя. Карл Юнг называл это бессознательным.

Поэтому картины известных художников воспринимаются как таинственные послания, в которых открываются тайны мира. Чтобы их разгадать, нужно быть максимально внимательным к деталям и символам полотен.

Не одно поколение искусствоведо встремится разгадать шифры Иеронима Босха, задумывается над кодом полотен Леонардо да Винчи, и Микеланджело, и Боттичелли, в восторге застывает перед картинами голландцев. Что уж говорить о картинах эпохи модернизма и постмодернизма, где красота, одухотворенность и точность линий уступили место культурным символам, переплетению линий и кубическим формам.

Картины со смыслом Пабло Пикассо и Фриды Кало, Джексона Поллока и Сальвадора Дали открывают трагические и мистические стороны бытия современного человека. Чтобы прочитать их, необходимо обладать обширными знаниями и творческой интуицией.

Предлагаем посетить виртуальную галерею и узнать, какие знаменитые картины художников таят в себе загадки или с какими связаны драматические истории:

«Тайная вечеря» (Леонардо да Винчи)

Многие заметят, что этот шедевр не совсем картина, а фреска. Однако фреска - то же полотно, только выполненное на сырой штукатурке. Говорить о тайне этой картины начали еще в XIX веке, когда умы аристократии были пленены различными мистическими учениями, в Европе процветали масонские ложи и различные тайные общества. В ХХI веке интерес к фреске возродился благодаря книге Дэна Брауна «Код да Винчи» и сериалу «Демоны да Винчи».

Действительно, это творение величайшего художника эпохи Возрождения содержит много тайных знаков, которые формируют подтекст фрески. В первую очередь следует обратить внимание, что над ее созданием художник трудился три года, до 1498-го (Леонардо явно писал не на сыром грунте - это повод считать «Тайную вечерю» картиной, а не фреской). Композицию заказал дож Венеции Людовико Сфорца - известный повеса, мистик, торговец и интриган.

Понятия верности в семейной жизни были чужды Сфорца, он был неуемным в своих страстях, от чего страдала его набожная супруга герцогиня Беатриче д’Эсте. Несмотря на то что она была одной из самых красивых женщин эпохи Ренессанса, Людовико с удивительным постоянством изменял ей с лучшими гетерами Венеции.

Только смерть Беатриче заставила Сфорца переосмыслить свои приоритеты и приостановиться в поиске любовных утех. Чтобы увековечить ее память, венецианский герцог заказал «Тайную вечерю» да Винчи.

С этой предысторией связана первая загадка полотна: апостол Иоанн, сидящий по правую руку от Христа, внешне более поход на женщину, чем на мужчину. Так родилась догадка, что это Мария Магдалена - жена Иисуса. Она подтверждалась еще и знаком, который создают наклоны этих двух персонажей. Выходит фигура, которая напоминает сочетание двух треугольников, что в мистических учениях означало связь женского и мужского начал как основы мироздания.

Вторая загадка - образ Иуды. В начале работы над картиной Леонардо очень быстро отыскал натурщика для образа Иисуса. Им стал юноша-певчий из церковного хора. Его красота и благообразность сразили художника.

А вот для Иуды натуру пришлось искать почти три года. Однажды в канаве Леонардо увидел опустившегося пьяницу. Он привел его в трапезную и за считанные дни написал антипода Христа. Разговорившись с натурщиком, художник узнал, что жизнь того пошла под откос с момента, когда он позировал для создания образа Иисуса да Винчи. Таким образом, Христос и тот, кто его предал, списаны с одного человека с разницей в три года.

Третья загадка - на картине есть автопортрет Леонардо. Это апостол Фаддей, сидящий вторым справа.

Четвертый код - повторяющаяся цифра три. Присмотритесь к полотну, все персонажи сгруппированы по трое. В этом просматривается символический шифр святой Троицы - Сына, Духа и Бога.

«Сотворение Адама» (Микеланджело)

Фреска одного из прославленных мастеров эпохи Возрождения, созданная в XVI веке, изображает Бога, протягивающего руку Адаму. Это четвертый из девяти сюжетов Бытия, которые автор изобразил в Сикстинской капелле. Картина изображает, как Бог вдыхает душу в только что сотворенного человека.

Анатомы установили, что пурпурный плащ Создателя, под которым собраны ангелы, по очертаниям напоминает мозг человека. Микеланджело, как и все художники того времени, предметно изучал анатомию, поэтому прекрасно знал, как выглядит этот орган. Но зачем он его изобразил на картине с религиозным сюжетом?

Искусствоведы предположили, что таким образом прогрессивный художник и мыслитель указывал на то, что движущая и развивающая человека сила - это разум. Помимо этого, есть еще ряд нюансов, на которые следует обратить внимание:

1. Поза Адама симметрична позе Бога. Однако первочеловек расслаблен, и только божественный разум способен наполнить его энергией.
2. Герои, окутанные плащом Создателя, создают контур человеческого мозга. Причем Микеланджело линиями очертил гипофиз, варолиев мост (передает импульсы от головного мозга к спинному), позвоночные артерии.

Картина - красноречивое послание прогрессивного художника-гуманиста, верившего в могущество человеческого разума.

«Фламандские пословицы» (Питер Брейгель-старший)

Картина создана голландским живописцем в середине XVI века. На первый взгляд ее сюжет прост - обычный день на базарной площади. Однако на полотне есть 112 отдельных композиционных составляющих, которые воплощают популярные фразеологические обороты.

Присмотритесь внимательно к изображению и увидите иллюстрации к идиомам: биться головой о стену; привязать дьявола к подушке; вешать колокольчик на кота (неразумный поступок); говорить двумя ртами; жарить селедку ради икринки и пр.

Эта картина представляет живой интерес не только для искусствоведов и культурологов, но и для филологов.

«Даная» (Харменс ван Рейн Рембрандт)

Эту картину голландский художник писал на протяжении 11 лет (1636–1647 гг.). На первый взгляд на полотне отображена героиня древнегреческого мифа Даная, которую спрятал в подземелье собственный отец. Причина тому пророчество, согласно которому царь Аргоса падет от руки своего внука.

«Даная» Рембрандта - это символ мужского непостоянства. Изучая картину, искусствоведы установили, что на безымянном пальце Данаи есть обручальное кольцо, хотя, согласно легенде, она была незамужней барышней, когда ее заточили в тюрьму. К тому же на картине не было золотого дождя, которым пролился Зевс, чтобы зародить в Данае жизнь.

Второй момент, который смутил исследователей, это то, что лицо героини не было похоже на Саскию ван Эйленбюрх - молодую жену Рембрантдта, которая служила моделью для всех его картин 1630-х гг. Тем более это странно, поскольку «Даная» писалась художником для украшения собственного дома. Так кого же вместо жены он запечатлел на полотне?

Ответ был получен в 1950-х гг., когда искусствоведы стали использовать рентген для изучения полотен. Обнаружилось, что первоначально Даная была-таки списана с Саскии, а впоследствии ее образ художник переписал, придав черты кормилицы своего сына Гертье Диркс. После смерти Саскии она стала его любовницей, сожительницей и новой музой.

«Спальня в Арли» (Винсент Ван Гог)

Не выдержав травли парижского бомонда, Винсент Ван Гог сбегает из столицы Франции. Весной 1888 года он уединяется в маленьком флигельке в Арли, купленном на деньги от наследства. Художник наконец-то обрел свой дом и собственную мастерскую. В Арли он прожил некоторое время в ожидании еще одного парижского беглеца Поля Гогена. Вместе с ним Ван Гог хотел создать братство художников.

Картина «Спальня в Арли», или «Желтая спальня», - это документальное подтверждение душевной болезни живописца. По ней психиатры могут изучать изменения личности, страдающей шизофренией. Вот на какие знаки следует обратить внимание:

1. Насыщенный, а то и навязчивый желтый цвет. Он выглядит неестественно в интерьере спальни. Все дело в наперстянке, с помощью которой Винсент Ван Гог боролся с эпилептическими припадками. Регулярный прием этого лекарства приводит к изменению цветовосприятия. Люди видят мир в желто-зеленом цвете.
2. Парность предметов в комнате: два стула, две подушки, два портрета, пара гравюр авторства Ван Гога. Таким образом автор пытался обрести душевное равновесие, справиться с одиночеством.
3. Закрытые ставни - символ внутренней замкнутости художника и чувство защищенности.
4. Зеркало на стене было куплено Ван Гогом для создания автопортретов. Люди отказывали ему позировать, потому что не воспринимали его картины как творчество.
5. Красное одеяло на кровати сыграло драматическую роль в жизни живописца. Во время одного из припадков он отрезал себе мочку уха и, завернувшись в это одеяло, пытался побороть обуявший его страх.

Картина - отображение внутреннего мира художника. В случае с Ван Гогом «Спальня в Арли» - это история его одиночества и сумасшествия.

«Крик» (Эдвард Мунк)

«Крик» - одна из самых мистических картин ХХ века. Она воплотила предчувствие вселенской трагедии, которое охватило художника во время одной из прогулок. Мунк увидел кровавый закат, полыхавший на небосклоне, и внутренне услышал крик страдания природы. Именно это он и хотел отобразить на своем полотне.

Безволосый человек, по очертаниям напоминающий скелет, широко распахивает рот и в ужасе закрывает уши - так сражает его пронзительный вой природы. Ощущение, пережитое художником и отображенное на полотне, стало пророческим. «Крик» стал символом ХХ века - столетия насилия, войн, жестокости, ненависти к человеку, истязанию окружающей среды.

С картиной связан ряд мистических историй. Так, всех владельцев «Крика» постигало несчастье - разорение, смерть, несчастные случаи. Когда картина попала в музей, несколько работников проявили неосторожность в работе с ней - уронили полотно. Через время один покончил с собой, а другой сгорел в автомобильной катастрофе. Эти несчастья связали с фатальным действием шедевра.

Ученые уверены, что, как и в случае Ван Гога, полотно - воплощение психического расстройства его создателя - Эдварда Мунка.

«Старый рыбак» (Тивадар Костка Чонтвари)

Аптекарь из Венгрии, увидев пророческий сон, продал аптеку, приобрел все, что необходимо для рисования, и отправился обучаться мастерству у ливанских живописцев.

По возвращении на родину в начале ХХ века он представил оригинальную работу - картину «Старый рыбак». Казалось, что в ней нет ничего особенного: публике было невдомек, что такого загадочного в этом полотне. Все дело в подтексте, который не так просто прочитать. Разгадать его удалось только через 50 лет.

Чонтвари писал странные и немного пугающие картины, поэтому они не пользовались популярностью. В результате умер в нищете, а его полотна оказались на помойке. Лишь несколько картин мастера сохранились и оказались в музее города Печа. Среди них был «Старый рыбак».

Один из музейных сотрудников додумался использовать зеркало, чтобы раскрыть подтекст шедевра. Оказалось, что если разделить зеркалом картину пополам, тогда образуется два сюжета-антагониста: на первом изображен Бог, плывущий в лодке по спокойному морю, а на втором - дьявол в бушующем море. Вот такая метафора сложности бытия создана венгерским художником.

Это лишь небольшая часть тех знаменитых картин, которые вызывают мистический трепет и поклонение. Восторг, ужас и поклонение вызывают творения Михаила Врубеля, Поля Гогена, Пабло Пикассо, Густава Климта и Каземира Малевича. Их разгадывают, ими восхищаются, к пониманию их содержания идут годами. Познание загадок великих полотен - это шаг к познанию человека и мира.

Популярные новости

17:56